此次商业品牌与动漫IP的跨界联手开启了线上线下IP+新零售的营销模式，不仅在线下推出“百盛x吾皇万睡”联名限量礼盒，更是通过线上的内容共创和互动小程序，为消费者带来多元化的新颖购物体验，打造了一场属于年轻人的节日。

2012年5月8日，曾执导《没头脑与不高兴》，参与《哪吒闹海》《黑猫警长》等经典动画片制作的艺术家张松林先生去世。加上去年水墨动画创始人之一钱家骏离世，2010年特伟和上世纪90年代末期万氏兄弟的离开，上海美术电影制片厂(以下简称“美影厂”)第一个黄金时期的代表人物可谓“繁华散尽”。 继1999年《宝莲灯》获得口碑、票房双丰收之后，尽管有《勇士》《马兰花》等优秀原创作品和《葫芦兄弟》《黑猫警长》《大闹天宫3D》等片的复映，美影厂却始终没有再现上世纪60年代、80年代的辉煌，期待中的美影厂新的春天也始终没有到来。成立之初动画艺术家十年大爆发 上海美术电影制片厂(简称美影厂)正式建制于1957年4月，那一辈中国动画人的血脉来自上世纪40年代。1941年，上海的万籁鸣、万古蟾、万超尘和万涤寰四兄弟在“大闹画室”成立20年后，推出100分钟的动画长片《铁扇公主》。该片是世界第二部动画长片，在它之前，仅有迪士尼公司在1937年拍摄的长片《白雪公主》。而日本在7年之后，才拍出以中国神话为题材的长片《白蛇传》。 日本侵华战争打乱了中国动画这个美妙的开端，在伪满洲国长春市成立了满洲映画协会(简称“满映”)。1945年，日本投降，满映更名为东北电影制片厂，并设立美术片组，很多后来中国动画的重要人物：特伟、靳夕、王树忱、段孝萱、严定宪、徐景达等人都来自那里。与此同时，在重庆的国统区，钱家骏等动画人也在探索着中国动画的道路。 1957年，特伟带领东北电影制片厂美术片组全班人马，加入上海电影制片厂美术片组，随后独立成为美影厂，特伟是第一任厂长。很快，钱家骏、万氏兄弟等全国重量级动画人齐聚上海，开始了中国动画复兴之路。美影厂成立当年，万籁鸣便启动了《大闹天宫》的拍摄，包括张光宇、严定宪、唐澄等人都参与了这次创作。时隔40年后，严定宪在接受《看电影》杂志采访时回忆：“那个时候的人比较简单，做这个动画片都没有报酬的，就是工资，每天加班加点，没有加班费。奖金也是很少的，这个月你拿过了，那你下个月无论做多好也不能再拿了。就是一种好胜心和荣誉感。”《大闹天宫》1961年和1964年分上下集上映，不仅在国内很轰动，也在社会主义阵营国家中取得了相当的声誉。不过直到改革开放之后，该片才在西方国家得到认可，1978年的伦敦电影节上，一位美国影评人说：“看完《大闹天宫》，我们就应该承认万籁鸣世界艺术家的地位。” 那个时代的美影厂聚集的都是动画艺术家，严定宪的夫人林文肖接受媒体采访时曾回忆道：“老厂长特伟的‘敲戏剧样式之门，探民族风格之路’这两个口号始终影响着我们那一代的年轻人。”充满中国民族色彩的水墨动画、剪纸动画、木偶动画层出不穷。可惜的是，由于文革的到来，动画艺术家们的热情被遏制，万籁鸣被关进了“牛棚”。而为他赢得世界声誉的《铁扇公主》和《大闹天宫》成了罪证。这之后，中国动画的鼻祖几乎结束了自己的动画生涯，文革十年也几乎没有太多有价值的作品诞生。直到1979年国庆30周年献礼片《哪吒闹海》让人看到了美影厂的风采。转型之痛阿童木和米老鼠来了 1978年改革开放以后，手冢治虫的《铁臂阿童木》在中国刮起日本动画片的旋风，随后到来的是迪士尼的《米老鼠与唐老鸭》，以及一批中外合资动画代工厂。这对美影厂的观念、制作方式、人才体系都构成了巨大的冲击。 2011年，微博上流传这样一条传闻：“1986年的《邋遢大王》以后，美影厂的主力约200人都被借到迪士尼赶工。完活儿以后，全都被迪士尼帮忙办绿卡留了下来。仅一人回国。从此美影厂一蹶不振。仅存在于历史中。”这条颇为耸动的微博引发诸多讨论，多位曾在或正在美影厂工作的动画人都对此否认。目前从事动画投资顾问和漫画工作的杜俊曾在美影厂工作，他在微博中表示：“我厂的人当年确实集体干加工，大量人才流失深圳。但美国绿卡顶多一两人。美影不争就一原因：机制没落。” 吉林动画学院副院长王柏荣，上世纪80年代中期在美影厂担任副厂长，在他看来，上世纪80年代前期，美影厂在文革停产10年后，被压抑的创作冲劲得到释放，出了《哪吒闹海》《九色鹿》《天书奇谭》等一系列好片子，但体制改革和计划经济思维的冲突也逐渐暴露出来。“广电部当时指示我们，在目前还有一点补贴够发工资的前提下，要广泛和社会、国际联系，开发市场。但也有人吃惯大锅饭，总希望国家永远能够支持，总之两种思维开始斗争。”王柏荣告诉记者。 王柏荣任副厂长期间，美影厂改革薪酬制度，把职工的收入和创造的财富联系起来，这也影响到了一些人的切身利益。上级叫停中日合作《西游记》 报酬上的鸡毛蒜皮还算小事，王柏荣觉得，重要的是美影厂在生产和人才战略这两个方面出现偏差，“有些同事把美术片作为地方的利益，不愿意让美影厂走出去，在竞争中保持优势地位，以为不对外合作，就能保护美影厂。事实上走出去才能提高眼界，但中外合作的模式并没有彻底执行。” 王柏荣所说的中外合作模式，始于1983年前后。在与加拿大、美国等地交流学习后，美影厂提高了生产效率，包括《狐狸列娜》《不射之射》《夜莺》等中外合作动画片都受到了小朋友的欢迎，利润也从1984年的55万，激增至1987年的170万元，这在当时可是不小的数字。 合作的思路在1987年遇到很大的挑战。当时美影厂在文化部的介绍下与日本电视台NHK商谈100集的《西游记》动画片合作项目，其中剧本由日方来负责，中方负责原画设计、导演等具体工作。合作成功的话，美影厂可以得到400万美元现金收入以及全球版权的20%分成。眼看就要签约了，上级部门却叫停了合作。王柏荣回忆说：“日本人的剧本比较现代化，比如孙悟空变成推土机，千里眼的眼睛其实是电视。应该说还是很健康，但依旧受到非议。”他至今记得当时列出的五大罪状，“什么《西游记》埋在地下是个宝，挖出来和日本人合作不伦不类；什么引进国外加工，把原有的中国动画创作规律冲毁；最好笑的一条是什么，让人民群众加班加点，会伤害到大家的身体。”南方代工工厂高薪“挖墙脚” 就在美影厂拒绝这次合作的同时，香港翡翠公司在深圳成立动画制作基地，国外动画公司也在深圳成立大批动画加工基地，这些公司开始到美影厂高薪挖人，包括王柏荣在内的动画人，就在心灰意冷中离开上海前往南方。 对于这次人才流失，目前在美影厂担任导演工作的张振晖接受记者采访时表示，人员流动在那个年代是每个单位都有，美影厂当时还是有人留下来，创作出《舒克贝塔》、《魔方大厦》等等好作品。但动画导演张松林生前在接受媒体采访时指出，美影厂的“熟人”将才华投放在外来动画加工上，一定程度上也让国产动画土壤更加贫瘠。 1993年后，计划体制的保护伞开始消失，美影厂被迫进入陌生的市场环境。时任厂长的金国平曾对媒体描述此前的生产模式：“我们从不用管发行，也从不用考虑投资风险。我们有大把的资源和时间来拍摄艺术短片，然后拿去国外参展。”北京电影学院动画学院院长孙立军分析道，美影厂的衰落带有国营文化单位的通病，但关键原因还是决策存在失误：“没有做十年、二十年规划。专业人才老化，新生力量一直没有建立起来，说到底还是没有研究市场和尊重市场。”重新出发《宝莲灯》开始尝试明星化 1994年11月，金国平在美国看到了动画片《狮子王》，该片在国内受到的欢迎也让他大受触动。回国后，他开始筹划动画长片《宝莲灯》，并学习美国模式，邀请陈佩斯、姜文等明星配音，邀请张信哲、李玟等演唱主题曲。该片1999年上映后，取得了2400万元的票房，是陷入低谷的上世纪90年代中国动画电影的一个新的起点，人们似乎又看到了美影厂重新辉煌的可能。但2000年后，国产动画还是被迪士尼和日本动画逼到角落。 谈到当年的战略失误，王柏荣表示：“有些老艺术家习惯做自己的短片。我们可以中外合作或者商业化的方式赚钱养艺术家，搞纯艺术。别人拿着美金来敲门你不要，现在是既没有钱，艺术家也变得越来越少。”王柏荣还认为，此前低估了传媒的力量，“上世纪80年代初期日本人在大力发展电视动画时，我们还认为艺术性强的动画片放在电视上播是一种堕落，当意识到电视动画片的重要性后，发展机遇已不复存在。” 中国直到上世纪80年代后期才有动画短片在电视台播出。2006年8月，广电总局禁止境外动画片于17：00至19：00在全国各大电视台播出，国家对动画产业的扶持力度加大后，中国原创动画才有起色。 1997年前后，王柏荣曾想回美影厂，但发现情况已大不如前：“10年后再想回到市场上去，第一个没人，第二个没钱。更重要的是，以前你是和各个国家的文化部、国际著名电视台合作，现在只能和动画制作的个体户合作，格局一下子就被做小了，所谓机不可失，时不再来。”后美影时代超越“喜羊羊”的焦虑 进入21世纪后，中国动画产业环境变化很大，与漫画、游戏的关系更加密切，而美影厂目前还是专注于中国民族特色的题材。2007年，继《宝莲灯》之后，美影厂推出《勇士》，三宝做音乐，孙楠唱主题曲。2009年，《马兰花》找来黎明、姚明、林志玲配音，今年初的《大闹天宫3D》配音阵容更强大，但始终没有恢复元气。 北京电影学院动画学院院长孙立军分析说，1999年美影厂的尝试是值得称赞的，但之所以没有引发连锁效应，他认为原因有三：“第一人才过于老化，美影厂主力创作人员都快60岁了，很难适应现在的观众；第二，市场化运作流程掌握也不够，他们始终没有达到如今博纳、华谊兄弟这样成熟的营销机制；第三，和我们现在院线、观众对国产动画片认知有关，很长一段时间还停留在免费给孩子看的传统。” 1999年之后，一直从事教学的孙立军也从《宝莲灯》的成功中，吸取经验教训，开始了《小兵张嘎》《兔侠传奇》等动画创作。“我们都很尊重美影厂，你是专业的机构你应该拍出更好的动画片来。” 在张振晖看来，美影厂还有优势：“我最近参与《邋遢大王奇遇记》修复，经常和老导演、编剧老师们求教，和他们接触越多越觉得自己所学不够。”据他介绍，《邋遢大王奇遇记》影院版的修复工作即将完成，影片将在暑期档上映。目前美影厂运作机制完整，平均每年会向社会推出一部影院动画，除了老片修复外，三部新的原创影院动画片正在筹备剧本阶段，电视动画方面，《大耳朵图图》也在继续新的系列并筹备影院版新作。 客观地说，美影厂现在已不是中国动画唯一的桥头堡，但中国动画目前的发展在老一辈美影人看来也有很多需要改进的地方。王柏荣直言：“喜羊羊系列，在我们看来不是特别成功的片子，和《邋遢大王》《哪吒闹海》等有不小的差距，我怎么感觉整个国家的欣赏水平在往下走？只能说我们要做的东西还有很多。”

近期，连环画收藏市场似乎有些低迷，连环画精品难觅，成交清淡，人流减少，各地连环画交流拍卖会也较往年有所减少。于是，有连环画爱好者对该市场前景有些担忧，并发出疑问:连环画收藏究竟还有没有戏？精品连环画高价成交面对目前看似冷清的连环画收藏市场，笔者以为，从表面上看，近几年连环画收藏拍卖行情与前些年火爆时相比确实显得有些冷清，主要原因是市场中老版精品连环画极为罕见，目前藏市里唱主角的都是“文革”以后发行的普通连环画，难怪一些资深连环画爱好者感叹近来好货难觅，以至于今年以来各地举办的连藏拍卖会也比往年有所减少，同时，网络上交易也没那么热闹。按一般的收藏与投资市场常理，连环画收藏市场如果真的不景气，那各类连环画的价格肯定会下跌，抛盘也会有所增加。但实际情况并非如此，在全国各地的连环画收藏市场上，各种精品连环画价格不但没有下跌，反而涨势良好，只要有老版精品连环画一露面，无论开价多高，都会被收藏者席卷一空。这种抢盘现象在前些年是根本不可想象的。以2014年7月19日北京国信泰丰国际拍卖有限公司举办的全国连环画拍卖会为例，这场拍卖会总成交额高达253.69万元，成交率为93％。其中，一本十品相的1955年出版由陈缘督绘制的50开《白蛇传》连环画不负众望，受到了藏友们的极力追捧，最终以10.08万元高价成交，这本老版的早期连环画品相极好，开本罕见，可谓是极其难得的连环画珍品。一本十品相的1969年湖北人民出版社出版的《烈火红心》则以2.016万元落槌，这本“文革”60开精品连环画共110幅图画，书前一页为毛泽东像，一页为毛泽东、林彪像，四页为毛主席语录，一页林彪题词，该书存量非常稀少。一套仅8.5品相的上世纪五六十年代由上海人民美术出版社出版的《三国演义》连环画(共60册)以2万元起拍，最终拍出了6.944万元。从这次拍卖会传出的信息看，无论是古典文学名著或红色革命题材，无论是外国经典名著或国内火红的青春岁月，无论是奇人轶事或少数民族风情，只要是内容丰富，画面精彩，品相优良，均受到了连环画爱好者的青睐，大多以高价成交。连环画升值幅度可观由此，笔者联想到十多年前也就是2001年9月23日在北京中国书店海王村拍卖公司举办的一场大型连环画拍卖会上，有一套9品相的上世纪五六十年代的《三国演义》连环画，曾以1.2万元价格成交，当年连友们都觉得突破万元绝对是罕见的天价，可放到今天来看，大家肯定会觉得这个价格实在太低了，如果这套9品相《三国演义》在最近一两年里拍卖，其成交价必然会在1.2万元上再翻个几倍甚至十倍也不止。而2014年7月19日以10.08万元高价成交的《白蛇传》要是早十年拍卖，可能开价5千元也无人问津。因此，近几年来连藏市场走势是非常稳健的，连环画的升值幅度也是相当可观的，尤其是2015年4月，在北京保利拍卖公司“第30期中国书画精品拍卖会”期间曾举行了首场中国连环画专场拍卖，这是保利自2005年成立以来第一次涉足连环画拍卖领域，也是连环画作为一个独立的艺术收藏板块首次登上国家顶级拍卖会，意义非凡，必将载入中国连环画收藏史册。这场拍卖会涵盖了连环画原稿、民国连环画、“文革”样板戏、经典连环画作品等系列，虽说最终拍卖会成交额只有218万元(其中，连环画原稿成交58万元，连环画成交160万元)，但作为印刷品的连环画能首次获得国家顶级拍卖公司认可，是非常值得庆贺的。综上所述，笔者认为，最近一两年看似冷清的连环画收藏市场，并不能说明整个收藏活动不景气，市场里精品连环画难觅，其实正是收藏爱好者惜售心理的体现。目前，连环画收藏行情仍然十分稳健，其市场前景是充满憧憬和希望的。

刚刚过去的这个七月，是中国电影的一轮大牛市。在好莱坞大片的缺席下，月度票房额55亿元，观众1.6亿人次，勇创新高。让电影从业者振奋的利好消息是，《西游记之大圣归来》《捉妖记》《煎饼侠》三部现象级国产片接力上映，不仅没有互相“抢生意”，反而实现了你追我赶的三赢。《大圣》刷新了动画电影票房纪录，而《捉妖》成为最卖座国产片（而且极有可能迈入20亿元大关，进而冲击《速度与激情7》的中国票房冠军宝座），尤其具有产业效应。然而，“经济账”之外，更重要的在于，这三部影片的红火，还负载了相当的社会意义和文化意义。因为，同时有三部主流国产电影既叫座又叫好，实在是多年来的仅见。从2002年《英雄》上映算起，虽然国产商业大片大多拿下了高票房，并进而推动了中国电影业的“复兴”，但也就此奠下了国产大片口碑与票房倒挂，“不烂不看”、“越烂越看”的尴尬模式。特别是《无极》《十面埋伏》《夜宴》《赤壁》《白蛇传说》《画皮2》《西游记之大闹天宫》等一系列“古装武侠/魔幻钜制”，似乎它们被拍出来的目的，就是为了让老百姓吐槽。这当然不能让人乐观。本来，我们绵长丰富的历史，不论帝王将相，还是才子佳人，抑或怪力乱神，都是文艺创作的绝佳母题，历代的诗文、戏曲、演义，打动过千百年来无数的炎黄子孙，怎么可能由于体裁换成了电影，就失灵了呢？而另一方面，武侠/功夫类型，恰是华语电影之于世界电影的最大贡献，“功夫+威亚+弹床”打造出的一整套拳脚规则，和好莱坞研发的枪械飞车系统一起，构成了世界影坛最主流的“动作片”类型。不但功夫片成了华语电影迄今唯一能够出口的产品，而且李小龙、成龙、李连杰三代打星，确实是除好莱坞之外，仅有的凭借非英语电影而走红全球的银幕偶像。然而古怪的是，李安导演的《卧虎藏龙》之后的十数年里，结合了这两大优势基因的华语古装动作片，表现却非常不堪，这无疑磨损了我们的“民族自信力”。好莱坞的成功法则是资本和技术联姻，为观众炮制极致的视觉奇观。《英雄》的诞生，事实上也是基于这种逻辑。然而，既是华语电影人不争气，也怪好莱坞特效大片太精彩，“写实”的古装动作片很快走到了瓶颈，不但海外市场纷告失守，即使本土份额也岌岌可危，这一类型翘楚之作《十月围城》的商业成绩不够出色，就是明证。从《画皮》开始，历经《四大名捕》《西游降魔》《大闹天宫》《钟馗伏魔》，“魔幻/玄幻”变成了新的应对措施，不过可惜的是，除了有周星驰天才加持的《西游降魔》，这个新流派甚至比正统古装电影更让人败兴。不过，《大圣归来》和《捉妖记》的联袂到来，让我们发现了某种触底反弹的迹象。尤其是《大圣》，脱胎于《西游记》，但又尝试了比较妥帖得体的改编，特别是结合了中美日三种视觉技法，达到了兼收并蓄的程度，而且镜头设计和动作设计，都达到了“国际一流水准”，因此尽管在剧作上、角色上还有大幅的改进空间，但的确替产业、替观众证明了，“中国电影就该是这样”。至于《捉妖记》，虽然港产动作喜剧和美式歌舞动画的嫁接还相当生硬，但在题材选择、受众定位、工业标准几个层面上，还是足够出众。所以，这两部影片，传递出的是一个积极的信号：“学好莱坞”，学了十多年，我们好像终于摸到了一点门道。虽然“史莱克之父”这样的宣传语有些言过其实，但《捉妖记》导演许诚毅扎扎实实是从好莱坞学成归来的。这个夏天，好莱坞大片不在，但好莱坞的基因还是在几部成功的国产片中有所显现。《煎饼侠》的大卖并不是偶然青春片被击退令很多人得偿所愿值得提出的是，《大圣归来》在市场上的逆袭，还带有一缕悲壮的传奇色彩。它在七月上旬的对手是《小时代4》和《栀子花开》这两部青春片。一开始，《大圣》被它们挤压得动弹不得，但民间一场轰轰烈烈的“自来水”热潮，反转了局面。其实，青春片或所谓“粉丝电影”，本来就应该是一个供给丰富、需求多样的市场上的必需品，这类电影自有它的生存权利和生存空间。然而，我们的电影市场，一度却把这种“分众”产品，定义成了主流，于是就产生了偏差及抵触。就好比一个本该由川菜、粤菜、淮扬菜以及洋快餐、大排档并重餐饮市场，非要把麻辣烫或冰激凌定性为标准，而且还每每摆出一副自赞自夸、舍我其谁的姿态，当然会惹毛很多并不好这一口的食客。所以，当足够“电影”的电影《大圣》和《捉妖》，迅速驱散了《小时代》和《栀子花开》后，大多数人都有了夙愿得偿的快感。其实，不要说如今我们的青春电影大多品质不佳，就算是优秀的青春片，在各国电影市场上，从来都不可能是主流——最大的因素是，好莱坞定义的“商业片”，其受众是16岁左右的青少年，他们寻求的官能刺激，绝不是本质上属于“剧情片”或“文艺片”的青春题材能够满足的。相反，在很多国家电影市场上，能够和高概念的好莱坞大片抗衡的，往往是本土喜剧电影。影坛黑马《煎饼侠》就是循着这个脉络一骑绝尘的。从《李双双》《今天我休息》《瞧这一家子》到《甲方乙方》《疯狂的石头》《泰囧》（更不要说香港影坛的许冠文和周星驰作品），市井喜剧从来都是市场最认可的商业类型片，尤其是总能用低成本换来高票房。不过可惜的是，吾国吾民的幽默感大多置换成了手机段子和酒桌笑话，留给大银幕的一贯不多。不但好喜剧寥寥无几，甚至连山寨货都不多，而这又是中国电影的一大特色。《煎饼侠》的成功，和30年前的《二子开店》还是有类似之处。只不过，考虑到之前的《十万个冷笑话》和未来的《万万没想到大电影》，我们的喜剧电影的策源地，正在从曲艺界换轨到网络剧。但这个转换还未彻底完成，毕竟在《煎饼侠》里，赵本山体系下的“二人转”文化还是相当有贡献，东北F4几乎是片中喜剧表演最出色的。然而，喜剧是一门特殊手艺，尤其受制于“笑匠”个人本身，这是一个难以工业化量产的门类。而且《煎饼侠》和网剧《屌丝男士》的继承关系，也是其成功不可忽视的因素（本片的成功，还有一部分在于它传递了相当的“青春怀旧”，说起来倒是一个变了形的青春片。）在产业角度看，该片和大手笔投资、一流特效武装起来的《捉妖》的意义大为不同：一个是游击队，而另一个是正规军。7月牛市背后掩藏着什么？电影人跟风赚快钱的日子要走远了自媒体时代观众别再沉默了，你们能改变环境有一种乐观的看法认为，三部口碑国片的爆红，代表了国产电影正在进化突变。反驳这个观点也很容易：七月有30部国产电影开画，但不过这三部算是拿到了比较公允的认可（《我是路人甲》《道士下山》算是第二梯队）。在《大圣归来》的惊艳边上，我们分明还是会被《汽车人总动员》《美人鱼之海盗来袭》雷到。又如，三个大明星联手的《横冲直撞好莱坞》，那份精致华丽、沾沾自喜的无聊，暴露了中国影人面对好莱坞时那份买办情结十足的寒酸劲，而且这种大成本大卡司的山寨货，正是“学习好莱坞”画虎不成反类犬的反面样本，要知道，主创们本来也是寄望于这个影片能够堪比《捉妖记》的。而七月底出现的一些古装爱情片，则又一次赚了吆喝赔了身段，让观众和市场都觉得尴尬。再来看看八月份的排片表，一大堆浑水摸鱼、一望即知的残次品赫然在列，我们也就不难理解，“大圣捉妖吃煎饼”的美好画面，实在是可遇不可求。不过，即便如此，这个七月，还是拨响了某种积极的旋律。毕竟电影市场化已经十余年，虽然总在进三步退两步，但终归还是能看到某种螺旋式的爬升，所以，《大圣》《捉妖》《煎饼侠》的三箭齐发，偶然中也蕴藏着必然。另一个不常被媒体报道的案例是，跨六月七月上映的《杀破狼2》斩获5.6亿元票房，创造了港式警匪片的卖座纪录，而此前这种成熟的、并且一贯相对有品质保证的电影类型，在内地市场并不吃香（尤其对比那批幼稚造作的青春片），其实这一类中等成本、符合商业片法则的动作片，在世界影坛一向是特效大片之后稳定、中坚的二级方阵。《杀破狼2》在剧作上、场面上、动作上，以及最后的市场表现上，都示范了某种扎实稳健的作风，而观众们的认可，也代表了中国影市正在日渐成熟化、正常化。所以，对电影人而言，这意味着跟风挣快钱的好日子正在慢慢收紧，最终能够迈上领奖台的，必须依靠自身的实力（当然，有实力也未必能成功），因为群众的眼光越来越雪亮了。另一方面，怎么吃透好莱坞的“高概念”和高技术，则是摆在后学的中国电影面前的大问题，唯有攻克了这层关隘，用中国故事和中国情怀拍出中式“好莱坞大片”，才是我们的民族电影业真正能够和好莱坞分庭抗礼的前提。而对于广大的观众来说，我们当然会本能地亲近本土题材，但消费者也是理性的。不得不说，国片在今夏逞威风，也得益于众多好莱坞大片的“避让”。七月的辉煌，只是未来一系列更激烈的战况中的一次间断，观众们永恒的认证标准只会是“好电影/烂电影”，而非“国产片/进口片”。《大圣归来》肇始的“自来水”事件，彰显的是此前太多的劣质国片，积蓄了国民太多的怨愤，而一旦有所改观，又会迎来“太超过”的拥戴——这就是责之深、爱之切的写照。《捉妖记》的走红，同样依靠的是有口皆碑的传播。那么，“疯狂7月”告诉大家的，就是我们应该向所有的烂片投上更猛烈的反对票，同时不吝赞美任何好片，因为，在这个自媒体的时代，我们不该再扮演“沉默的大多数”，而是能用自己的发言，让中国电影成长的环境变得更好一点。2015年的神奇七月，值得写入中国电影史。

最强编剧阵容现身中国影响力课堂 1905电影网讯 11月6日下午，来自中国电影文学会、中国电视剧编剧工作委员会的多位著名编剧，以强大阵容组团走进“中国影响力”青年导演剧情短片创作季的培训课堂，辅导青年导演如何讲出中国好故事。据了解，创作季未来十强决出之后，将有十名知名编剧与他们互选结对，对十部剧情短片提供剧本创作指导。 中国电影文学会、中国电视剧编剧工作委员会长期以来重视对青年创作人员的培训，为支持本次培训活动，派出了与青年导演年龄接近而又最有创作力的豪华编剧阵容，到场编剧均为热播影视剧的创作者，并在悬疑、情感、现实等类型片方面各有所长，得到邀约之后，纷纷放下繁杂的工作，积极踊跃地参与，未来将会有十名编剧与十强选手互相结对，一对一帮助十强选手完善剧本，力争做出有故事有情怀的剧情短片。 到场编剧包括中国电影文学会副会长、电影《铜雀台》、《大电影之两个傻瓜的荒唐事》、《说好不分手》，电视剧《铁齿铜牙纪晓岚三》、《神医喜来乐》、《一起来看流星雨》编剧汪海林；与汪海林合作为电视剧《楚汉传奇》、电影《说好不分手》，以及独立为电视剧《和你在一起》编剧的阎刚；电视剧《永不消逝的电波》、《重案六组三》编剧余飞；电视剧《十月围城》、电影《满城尽带黄金甲》、电视剧《穿越烽火线》编剧卞智洪；编剧黄金搭档、共同合作电视剧《别了，温哥华》、《我的青春谁作主》、电影《触不可及》的编剧任宝茹和高璇；电影《漂亮妈妈》、《周渔的火车》、《摩登年代》编剧邵晓黎；电视剧《七剑下天山》、《春光灿烂猪八戒》、电影《白蛇传说》的编剧李辉；《中国合伙人》编剧周智勇；《少年包青天二》编剧刘毅等十五位知名编剧。 “中国影响力”活动总策划、青年导演培训班“班主任”、中国传媒大学教授博士生导师赵宁宇表示：“不管电影电视剧，剧本是一剧之本，不管大导演小导演，要充分尊重剧本和剧作者。”汪海林引用了著名编剧宋方金的一句话，“在编剧结束的地方，导演开始；在导演结束的地方；演员开始，在演员结束的地方，观众开始。”以此说明在影视剧的生产环节术业有专攻，每位参与者都要尊重彼此的创作，相对独立又形成一体。 培训会上，青年导演们提供了一些原创的短片剧本。有悬疑、亲情、女性、现实、喜剧等故事类型，然而，大家存在的普遍问题就是格局太大，“30分钟没办法讲完这个故事，可能用一个电视剧的篇幅来讲都讲不完。”编剧高璇根据自己的经验给青年导演的剧本提出了具体的建议，“给所有的人物一个任务，五分钟建立一个困境，二十分钟解决，最后五分钟说透。”卞智洪也发现导演们普遍容易把时间跨度放大，把故事背景放大，建议他们对自己的剧本做减法，“短片载体是世界上最难的载体，你的世界越小，你的故事越好。不用画完一个圆，你只要画一个弧，观众就知道你这个圆是什么了。” 此外，没有亮点、缺少转折、故事层次太复杂也是主要问题。除了在编剧方面提供培训之外，担任过制片人的汪海林、兼任导演的邵晓黎、李辉等还结合自身的经验，就影视剧拍摄的其他环节为青年导演提供了建议。 虽然青年导演在短片的剧本创作上仍有欠缺，但火眼金睛的编剧们还是发现了他们的优势，“这些青年导演观察生活的角度和感情的体验是新鲜的，是非常可贵的，作为编剧也会尽量保护这些东西。”编剧阎刚决心为他们的创作护航，希望能够帮助他们展现内心最想表达的情感。 剧本是电影的灵魂，帮助青年导演打造能够直击观众灵魂的剧本，最大程度地帮助青年导演面对电影创作之初的首要问题，此举受到了青年导演的热捧。“跟剧本较劲是很痛苦的。”这是青年导演韩可一对剧本创作的体会。“这次不像传统的合作，编剧写剧本，然后导演去拍。”谈到未来知名编剧将以文学师的身份和十强选手一对一合作时，青年导演许磊兴奋不已。 据悉，由电影频道和茅台集团共同主办的“中国影响力”青年导演剧情短片创作季十强突围赛六期电视节目将于年底在电影频道陆续播出。十强诞生后，青年导演将与十名知名编剧互选结对。编剧将对十强选手提供的十部剧情短片的剧本进行指导和把关，将大大提升观众对十部剧情短片的期待。

宫崎骏被评论界认为是第一位将动画上升到人文高度的思想者，同时也是能够和迪斯尼、梦工厂共分天下的一支重要的力量。（资料图片）《天空之城》是吉卜力的开山之作，寻找空中浮城拉普达的奇异探险，涵盖了丰富的“宫崎式要素”。（资料图片）奥斯卡奖主办方美国电影艺术与科学学院不久前宣布，将授予日本动画电影导演宫崎骏奥斯卡荣誉奖(终身成就奖)，以表彰他对电影做出的卓越贡献。颁奖仪式将于2014年11月8日举行。宫崎骏，日本著名动画导演、动画师及漫画家，在全球动画界具有无可替代的地位，迪斯尼称其为“动画界的黑泽明”。美国《时代》杂志这样评价宫崎骏，“在一个高科技时代，这位动画电影导演用老方法创造出不可思议的作品”。没有3D，没有特技，但是在他用最简单的笔触勾勒出的这个名叫“宫崎骏”的世界里，孩子们看到了那些和自己一样大的孩子在用善良和纯真与这个世界相处，人类文明的毁灭、再生以及与自然的共存等20世纪人类社会背负的各种沉重课题，都交织在宫崎骏的创作里。他是第一位将动画上升到人文高度的思想者，同时也是能够和迪士尼、梦工厂共分天下的一支重要的力量。动画师的野心在吉卜力工作室里系上作画用的围裙，宫崎骏看起来既像传统的手工匠人，也像动画片里有魔法的老爷爷。挚友高畑勋曾戏谑说，“每一顶帽子都必须是特大号”才能装下宫崎骏的头，或许是因为头特别大，须发皆白、戴着大黑框眼镜的宫崎骏，亲切又有些卡通，这也是动画迷眼中，动漫大师宫崎骏的标准像。大学毕业进入东映动画公司，宫崎骏才正式涉足动画业。在公司前辈保田道世的回忆里，这个年轻人“他的想象力之丰富令人震惊，我那时候就认识到，他这个人不得了。”如果这是个预言，答案早已揭晓，只是过程波折。宫崎骏是东映动画招收的最后一批正式雇佣制社员，经过3个月的入职培训，开始动画师生涯。动画师，就是“让图画动起来的画师”，他们是支撑日本庞大动漫产业的基石。 看到动画片《雪之女王》时的震撼，更坚定了宫崎骏的动画师之心。他回忆说：“它让我看到动画作业中包含了多少对作品的热诚与爱惜，在描写纯粹的情操、坚毅而质朴的意念时，动画竟是如此的震撼人心！如果自己拥有能力与机会去创造出更美好的世界，那么天底下再也没比这更好的职业了。”终于，《鲁邦三世：卡里奥斯特罗城》到来了。宫崎骏不仅担任导演，还负责脚本和分镜。他用110分钟讲述了一个完全不同于原著的惩恶扬善的故事。这部动画长片，以独特的风格获得了影评家们的青睐，摘取了日本动画界一流的奖项大藤信郎奖。30年之后，宫崎骏凭借《悬崖上的金鱼姬》第二次赢得这个奖项。可是，影评人并不能代表市场，影院里空荡荡的座位，宣告了宫崎骏处女作的失败，此后3年，他没有接到任何片约。[web_page]漫画的指引为什么要进入动画业？这是宫崎骏成名后曾被人反复追问的话。他与漫画的邂逅，经由不同方式的叙述，成为命运的必然。宫崎骏1941年出生在东京，自小肠胃虚弱，被医生断言活不过20岁。6岁那年，母亲又罹患肺结核病倒。他总是班级赛跑落在最后的那个人，又早早被切断了向母亲撒娇的可能，一边努力成为不用大人操心的乖孩子，一边却是挥之不去的自卑和压抑。“因为小时候曾经病倒差点没命的我，只要听到父母亲说，真的好辛苦啊，便会不安得无地自容，觉得自己真是带给父母天大的麻烦。但是到了某个时期，当我觉察我只是在配合着大人或父母时，那种屈辱感让我难过得几乎想要放声大叫。”宫崎骏说，他是借由手冢先生的漫画，填补了“存在于自我意识和现实之间的鸿沟”。这些复杂的内心纠结，连他的家人也不甚明了。1958年日本第一部彩色动画片《白蛇传》，恰逢其时地成为他“高三”迷惘青春的又一盏指路明灯。宫崎骏解释说，“当时让我大感震惊的，与其说是电影出色，倒不如说是对自己竟然变得如此贫乏的醒悟。电影里的人们拼了命地活着，而我却因为升学考试而过着如此乏味的生活。”高中毕业升入学习院大学政治经济学部就读，宫崎骏却一门心思地投入到画漫画里。当他拿起画笔，却发现自己早已深受手冢治虫的影响。他把自己多年来收藏在五斗柜里的涂鸦全部找出来烧掉，完成仪式感般的决绝，然后到中学美术老师佐藤先生家里学画，从素描和构图的基础项目学起。不惑之年的宫崎骏拿着厚厚的画稿，辗转于各个电视台。他想讲述的故事，有猞猁与人间公主坠入情网，有森林妖怪大显身手，有空中浮城。这些分别是后来《幽灵公主》、《龙猫》和《天空之城》的雏形，只是都与当时的科幻主流格格不入。“题材陈腐，没有票房”，“一股子马粪臭”，他就这样被拒绝、贬低和嫌弃。宫崎骏的另一位挚友、后来与他在吉卜力共事的金牌制作人铃木敏夫，在这时候出现并施以援手。1981年，铃木敏夫担任了德间书店旗下老牌动画月刊《Animaga》的总编，在8月号的《Animaga》推出了第一个宫崎骏特辑。1982年2月，宫崎骏的《风之谷》开始在《Animaga》上连载。故事背景设定在巨大的工业文明毁灭数千年之后，以风之谷公主娜乌西卡为主角，来审视人类与腐海森林的生存对决，这是宫崎骏当时心境的表达。谁也没有想到，《风之谷》会成为大河剧般的漫长创作，59回的连载用了5年，加上前后几次中断暂停的时间，一共是13年。还好，宫崎骏的事业转机并不需要等待这么久。漫画连载一年之后，德间书店愿意出资，把它搬上大银幕，由宫崎骏来做导演，制片人是高畑勋。这是宫崎骏的背水一战。1984年3月，剧场版《风之谷》公映。这一次，影评人的赞许终于与市场的认可度合拍了，《风之谷》的观众突破了91万人次。《风之谷》甚至被《电影旬报》列为1984年十佳影片的第7位。日本动画界也感受到空前的冲击，认为是一个时代的分野，低劣作品在有诚意的佳作面前无地自容，宫崎骏所坚持的动画理念和精益求精的制作方式，成为动画片“正统道路”的代表。吉卜力：颠覆与传承“会走上动画世界这条路的人，大多是比一般人更爱做梦的人；除了自己做梦，他们也希望将这样的梦境传达给别人。渐渐地，他们会发现，让别人快乐也成了一种无可取代的乐趣。”《风之谷》的成功，终于让宫崎骏可以把他的奇幻梦境传达给更多人。接下来的10年，是宫崎骏创作生涯最高产的时期，他和高畑勋一起成立了吉卜力工作室，后来铃木敏夫也加入进来。吉卜力成了怀抱梦想的动画师的圣殿，引发了动漫界频繁的人才流动。从1986到1996年，吉卜力一共推出了9部动画长篇，其中就有宫崎骏担任导演的《天空之城》、《龙猫》、《魔女宅急便》和《红猪》。《龙猫》1988年公映之后获得压倒一切的好评，摘取了日本国内当年所有的电影奖，动画片打败了故事片，这作为日本电影界有史以来的一件大事被载入史册。《魔女宅急便》第一次给吉卜力创造了票房佳绩，成为当年最卖座影片。从《风之谷》开始，人类与自然的关系，成为宫崎骏作品中恒久的母题；少女与少年，天空与森林，万物有灵，是他“梦境”中最突出的意象。《风之谷》恰合了日本自上世纪80年代兴起的环境危机意识和环保热潮，宫崎骏和高畑勋因此都被奉为“环保主义者”，可是宫崎骏自己却说，他讨厌被贴上这种标签，相反，他坚信“大自然拥有无穷的力量，那是一种超越了人类善恶线的巨大力量”。在《红猪》之后，他创作了《幽灵公主》，一场森林中凶暴诸神与人类的战争。影片的制作用了4年时间，花了23亿日元，而整个故事的构思酝酿用了16年。在宫崎骏看来，动画片“就算是虚构的世界，总要有些东西能跟现实世界联结”。这是他和高畑勋一直坚持的理念。“人类是被许多东西包围住的，比方说居住的空间、季节、天候、光线等等。如果再加上自然的植被问题等等的话，就知道我们对这个世界的确应该谦虚一点。”这种“谦虚的态度”，贯穿了吉卜力的各种作品。其实，颠覆一直是宫崎骏对自己创作的设定。[web_page]荣耀的顶峰在制作《幽灵公主》的时候，宫崎骏觉得，1997年已经是吉卜力的顶点，但4年之后，2001年7月20日，《千与千寻》在日本公映，本土票房304亿日元，超越了同期上映的《泰坦尼克号》，不仅获得了第75届奥斯卡最佳动画长片奖，还成为唯一一部获得柏林电影节金熊奖的动画电影。同年10月，宫崎骏倾心设计打造的三鹰之森吉卜力美术馆也正式开馆。《千与千寻》是宫崎骏专门为10岁大的女孩们创作的片子。在《千与千寻》为他赢得荣耀的60岁，宫崎骏不得不承认自己已经步入老年，眼前仿佛突然打开了一扇门。他感叹说，“年老，真是件非常麻烦的事情，本来以为将因此变得更加心平气和，谁知道根本是一点都不平和，我努力想让自己变沉稳，却怎么也办不到。”日本放送协会（NHK）曾经跟拍过《悬崖上的金鱼姬》的制作，在制作后期，宫崎骏的身体已经糟糕到必须要接受按摩理疗才能坚持作画的程度。宫崎骏确实是以封笔之作的心情和诚意，在讲述波妞和宗介的故事，甚至不惜把童年时代母亲因病无法拥抱他的心事，也展露在笔下。宫崎骏完成了对童年遗憾的告别，而观众们也相信，这一次真的是对大师的惜别。可是2013年，72岁的宫崎骏又再次回归，带来了现实题材的动画《起风了》，以及一个面对各国媒体的发布会，正式宣布退休。不过，越是这样，反倒越令人确信，宣告退休，只是宫崎骏与身体衰老的妥协方式，毕竟他已经72岁。但退休绝对不是他与挚爱的动画的诀别，他要通过动画传递的爱和激励，将会一直以其他方式延续。