“视觉艺术一直以来是以静态形式被定义的，或多或少是如此，”抽象艺术家 Frank Stella 曾经在 1998 年这样向笔者描述他的观察，“但是艺术手法始终是利用幻觉来创造一种动态的感觉。”从历史情况来看，他说的非常对。从上万年前克罗马侬时代 (Cro-Magnon) 的洞穴艺术开始，艺术家们就在尝试创造这个世界的图像，一个不断前进、晃动、波荡和上升的世界。或者用 Stella 的话说是：“如果什么东西在动，你就能知道它是活的。”大部分最令人记忆深刻的画面均是由动态的造型或动物组成：《萨莫特拉斯的胜利女神》(Victory of Samothrace) 是公元前 190 年的作品，她的翅膀扬起，有一种极速飞翔的感觉;《提香的酒神》(Titian's Bacchus) 画于 1520 至 1523 年，描绘了巴库斯从战车向阿里阿德涅的纵身一跃;马塞尔·杜尚 (Marcel Duchamp) 的 1912 年的作品《下楼的裸女 (第二号)》(Nude Descending a Staircase No.2) 好像是一个裸体女人步行画面的连续曝光一样。即便 Setalla 是这样说，科技的发展让艺术家们能够做更多的事情：画面不仅可以是看上去在移动，而是能够真正做到这一点。过去十五年里，艺术家们不断探索并发掘了动画——也就是让绘画移动的技法。笔者来到了纽约东村 (East Village) 附近的卡尔加里 (Calgary)，有一座 24 英尺高的塔楼。在这里有一个实物案例，四个特别安置的 LED 屏幕挂在塔楼的四面，六个图像造型不断地移动漫游，用来绘制的线条粗犷但是简单精确，虽然头部仅是一个圆形，衣着部分却是明显的自然风格。他们一圈一圈的移动，或是组合在一起或是分开，每一个都有自己的步态：就好像希腊花瓶上的连续跑步图案，这是一个新技术的版本。《漫步》是英国艺术家 Julian Opie 在 2012 年的作品，他使用的手法涉及数字艺术、照片媒体和图像技术的相互作用。他先是将作品中每个个体的图像拍好，之后在计算机上渲染成形后的画面，并将其一直减小至基本的线条。前卫的艺术世界在接受动画技术这一点上反应比较慢——大概完了一个世纪。第一步动画卡通的公开放映——法国人埃米尔·雷诺 (Charles-Émile Reynaud) 制作的《可怜的比埃洛》(Pauvre Pierrot) 于 1892 在巴黎面世——实际上要早于该类型电影首次登上银幕的时间 (1895 年)。这里面有实际操作和作者心理两方面的原因，自认为有品味的艺术家们并不会那么容易就接纳兔巴哥之类的形象 (Looney Tunes)。动画实际上是一个非常庞大的商业，和传统的胶片摄像想必，它也是一种意义更加重要的媒体形式。1930 年代最火的电影明星——至少画家 David Hockney 是这么认为的——并不是克拉克·盖博 (Clark Gable) 和 葛丽泰·嘉宝 (Greta Garbo)，而是米老鼠和唐老鸭。像迪士尼一样运作需要巨大的资源：在绘画板前工作的手绘师团队，无所不能的摄影棚。带来的成果就是 20 世纪中叶被高眉文化嗤之以鼻的文化现象。那个时期最有影响力的一次意见表达是批评家 Clement Greenberg 于 1939 年发表的文章《前卫与庸俗》(Avant-Garde and Kitsch)，在他的二分法论述中，高级艺术是布拉克、米罗、蒙德里安、康定斯基、布兰诺西、克莱、马蒂斯和塞尚。迪士尼则是一种自证式的庸俗 (即使在回顾历史的时候会被认为是一位重要的艺术家)。因此，如果那个时代的艺术家沉溺在动画当中的话——就好像垮掉一代的标志人物 Harry Everett Smith (1923 至 1991) 一样——其结果很可能是作品产量低，画面又抽象。比如，史密斯的先锋之作《影片三：交织》(Film No. 3: Interwoven, 1947-1949) 就是彩色方块和三角形快速移动闪烁的一段连续图像。并不是《猫和老鼠》，而是一个会动的蒙德里安风格。“低科技”是南非艺术家 William Kentridge (1955 -) 作品中的一贯风格，他的艺术声名很大程度上是通过制作动画电影来树立的。从 1989 年至 2003 年，他创作的《九投影图》(Nine Drawings for Projection) 系列获得了国际艺术世界的注意。该作品关注的是南非种族隔离时代对自由的挣扎，其中出现了两个人物形象，Soho Eckstein 和 Felix Teitlebaum。Kentridge 给他的作品类型起了一个名字——不是卡通，或者动画电影，而是“投影图”。他的创作技法很奇异，甚至有些原始。每一个影片都由修改后的画纸组成，他用木碳头在这些纸上画画，并用有限几种颜色的粉笔修饰。接着他擦掉部分画面，重绘每一个变化和改动，之后把画面做成 35 毫米胶片，再变一次。最终的效果，往往带有未完全擦除线条的影迹 (Kentridge 解释说这是因为他“实现不了更完美的擦除效果”)，幽灵般的画面有一种强烈的震撼效果。他 1994 年的作品《放逐中的菲利克斯》(Felix in Exile) 并不那么像动画电影，更像是图画变活了：手法并不娴熟也不专业，但是质朴、诚恳，完美契合主题。这种有意识的手绘风格不断地出现在艺术家制作的动画作品中。比如 David Shrigley 在 2012 年的数字短片《无头鼓手》(Headless Drummer) 就有一种极简风格，介于卡通和涂鸦之间，有一种超现实的锐利。艺术双人组合 IC-98 也使用手绘作为创作的起点，Visa Suonpää 和 Patrik Söderlund 两个人代表他们的国家芬兰参加了威尼斯双年展。他们的动画之旅从大学校园开始，从宝贵的绘画工具纸和铅笔开始。手绘之后是 Photoshop 的操作，使用数字工具，为作品加入额外的效果。进入二十一世纪之后，许多艺术家纷纷拥抱了新技术，不仅用于创作，同样用于发布作品。1990 年代末以来，诸如 Adobe Flash 这样的软件让艺术家相对更加容易地打造自己的迪士尼。一批年轻的画家使用这些工具创造动画，发布到互联网上供大批访客观赏，尤其是在亚洲更是如此。生于 1973 年的卜桦黄祚创作的 Flash 作品《猫》就是一个知名的例子。2008 年，另一位中国艺术家曹裴创作了《人民币城》(RMB City)，这并不是一个动画而是一个交互的计算机环境，存在于在线虚拟游戏《第二人生》的世界里》。正如 Brian Droitcour 在《艺术论坛》(Art Forum) 杂志中所说的，该作品极其具有时代特色，2008 年很少有作品获得关注，而且当时这个作品还在创作中 (RMB City 的建造过程在伦敦蛇形画廊常年展出)。过去五年里的游客目睹了该作品的完成过程。游戏科技也在发展，这让 RMB City 变得更加逼真。所有的艺术作品都包含了创作时代的印记。使用软件创作电影动画或数字游戏的艺术家们却面临一些特别的问题。在未来几十年里可能没人能获取到这种软件，也有其他的困难，比如油画不会在出现了。正如 Julian Opie 所指出的，“尝试并理解技术实在太过令人头疼，技术发展太快，当我们全部搞清楚的时候，经常发现这项技术已经停止使用了。”1962 年，霍克尼创作了一幅作品，画面上是两个惊恐的男人面对一头逼近的美洲豹。在画布上，他用小字写了这样一句话：“他们绝对安全，一直如此。”随着时代的发展，艺术面临的问题并不再是创作看起来在动的画面，而是让画面真正活起来。艺术家、评论家和观赏者们不得不做出决定的是，那个模糊的现实是否要超越幻觉，又在什么时候发生。

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一、缘起：没有无缘无故的生意据数据统计，在我国现有的近14亿人口中，14岁以下的少年儿童及婴幼儿超过3亿，其中城市儿童1亿人，农村儿童2亿人，这是玩具行业的一块大市场。而且这一市场还处于不断向上的增长态势。有了市场就有了需求，而市场需求来源于消费者，也就意味着如何在这个大市场需求中立足成了唯一问题。以前说“渠道为王”，这说法无疑过时了，因为渠道商只会提供产品而不会让产品说话，也就是说在面对终端消费者时是完全处于被动的。所以我认为，要优化消费者从对玩具产品的认知到形成购买这一整个过程，不断扩大与消费者的接触频次和接触度。当然，这对于玩具这一传统行业来说要做到这一点难上加难。而难并不是说不可能，这就需要一个强大的团队，我们说“众人行，都是我师”，强大的团队无处不在，我们缺乏的是发现的眼光。二、动漫授权：让玩具产品说话的麦克风这里我们并不打算充分辩证品牌是什么，但唯一需要明确的是品牌并不单单只是一个产品周期接一个产品周期。玩具企业要形成品牌很难，就从业20多年来看，也就那么一两家国内厂商能在消费者醒目中形成品牌意识。玩具厂商的优势毋庸置疑就是开发研制产品，我相信澄海玩具厂商可以生产出任何想象得到的玩具，但是高度密集化的产业集群也会慢慢形成重生产轻营销的经营模式，更遑论打造品牌。(哑铃论)市场的变化飞快，需求日新月异，现在的玩具厂商已经没有那个时间去慢慢过渡成品牌，这就意味着玩具企业要形成品牌需要合作，需要可以形成现实意义上的共同发展，也就是说重中之重是形成产品差异化、提升产品价值、提升厂商知名度、培育市场。耕地靠牛，点灯靠油。动漫授权无疑是最佳选择。动漫在各种媒介中的播出和推广无疑增大了玩具产品本身的附加值，同时也提供了玩具厂商直面消费者的机会。试想一下，当终端货架上出现同类产品是，一个有广泛认知基础的产品和一个原生态产品之间的购买诉求有多大差别，无形中，那一个广为人知的动漫形象就已经开始在帮玩具产品做产品推介了。所以说动漫授权就是让玩具产品说话的麦克风。三、动漫授权运营：如何正确起步第一步，玩具生产商的自我认知：是否具备品牌化运营的市场理念。经常被人问起澄海玩具品牌难做的主要因素是什么?我回答的第一个层面就是没有品牌化运营的市场理念。品牌化运营理念并不是说我有这个念头就行，而是需要对自身企业的充分认知及规划，包括团队构建、产品研发、市场推广等等一系列的战略布局。当然，重要的是品牌化运营的决心、信心、恒心。是否具备品牌化运营的资金。动漫授权也就意味着一个全新的产品线投入，而这个离不开资金，如果没有充分的预算计划，在日后的经营中难免出现问题，而资金问题又是维系合作的重要因素。是否具备产品研发及生产的团队。授权产品的研发并不是没有限制的，有一定的局限性，而怎么样把这局限性转化为产品优势及卖点就需要一定的研发团队。此外，还需要一个高效的生产团队来保障市场供货需求。是否具备一定的市场销售渠道。动漫授权的成功与否，很大程度上取决于产品的市场曝光率，如果在没有一定销售渠道基础下，是很难做到销售成功的。第二步，寻找正确的动漫品牌：立足于打造经典动漫形象和文化沉淀的动漫品牌。价值理念决定运作方式，我们现在可以看到无数的动漫剧甚至专门生产动漫剧的公司企业，但是，这些动漫剧看起来总是给人一种投机的市场行为，这样的动漫形象只能给产品一个高峰期而不能转化成品牌，所以，动漫需要沉淀，需要向经典迈进。具备市场运作策略和知名度的动漫品牌。如果说一个动漫形象连基础的媒介渠道都没有投放及推广，那么无论从其本身价值及被授权方的产品附加值都是极其低下的。而且产品上市后，如果没有一系列的终端促销活动，也不能形成良性的衍生品市场占有。充分打击盗版仿制的决心和行为。这是一个合作契合度的问题，动漫商作为版权方，理应维护自身的动漫衍生品版权，而且必须将打击力度提升到重要的战略位置，这样才能保障动漫衍生品的良性发展。充分参与到产品的研制及包装设计。动漫品牌对于玩具生产商来说无疑在视觉方面更具优势，另外，很多玩具生产商对于玩具包装并不在行，往往扭曲包装设计概念及忽略终端陈列效果，动漫品牌应充分参与到产品的研制及包装设计。对于厂商有充分的推广扶持。既然是合作，就应该有一荣共荣的理念，在动漫剧播放或者线下活动的时候，应该同时推广授权厂商，这也是一种极其有效的打击盗版仿制的方法。四、“大狗叫，小狗也要叫”：玩具品牌授权运营案例话及于此，是不是只有大的玩具生产商才能进入动漫授权?答案是否定的。我们经常说“大狗叫，小狗也要叫”，大狗叫可以叫得大声传播远，小狗叫小声但同样有传播范围，而且很有可能传播范围更加精准。意思是说市场是平等的，大企业毋庸置疑有很多优势，但同样弱势也明显，因为产品架构众多的原因，如果没有专项组来运营的话很难真正形成有效的玩具品牌授权运营;那么当拥有一定条件的中小企业面对这一运营的时候，区别就放大了很多，无论从项目的起始到实际运营无不倾尽全力，不是说专注就一定成功，但态度将提升50%的成功率。作为一个从业时间这么长的职业人，在拥有这么专业的合作伙伴、市场渠道、厂商渠道的情况下，我开始了我的玩具品牌授权运营项目。而我们选择的就是一部经典的动漫--《猫和老鼠》。五、“总有一天，思想的高度注定被测量”：玩具品牌授权如何炼成的为什么选择《猫和老鼠》?首先，品牌明确。这是一部跨越三代人的经典动漫形象，而这三代人无不能从中找到快乐和回忆。很多人忽略了玩具的参与度，玩具产品的购买者及使用者是完全不同的，而这之间如果没有了互动及参与度，那么玩具产品的附加值就大大的降低了，试想一下，这受《猫和老鼠》影响的三代人一起在玩《猫和老鼠》授权的玩具产品，这是一个多么温馨且快乐的场景。再者，卖点明确。《猫和老鼠》是动漫产业中快乐的代名词。这就是我上面提到的文化沉淀，一个经久不衰的快乐代名词。这一点，作为营销策略将被放大，玩具的绝大多数消费群体都定位在儿童，而儿童玩玩具不就是追寻快乐吗?为什么要把许多教化式的东西强加给孩子呢?第三，定位明确。我的这个项目定位于婴幼童消费群体，目标明确，走的就是无负担快乐成长路线，针对的恰恰就是家长及婴幼童之间产生联动的趣味。第四，渠道明确。在于渠道方，我一直拥有并保持着不错的渠道关系。如果说，营销人需要用结果来印证，那么我就从这个项目开始征程。六、品牌主张让孩子延续我们的童年记忆......

动画片是每个孩子最喜欢的电视节目，然而喜欢不一定等于十全十美。动画片，也有很多方面，会极大地伤害孩子。色彩鲜艳跳跃毁视力动画片的色彩和画面变幻速度会影响孩子视力和视神经发育。首先，为吸引儿童，动画片往往使用鲜艳的颜色、跳动的画面。项奕和吴学东都告诉记者，色彩过于鲜艳、对比度太强会影响孩子的视力发育，长时间观看，会对孩子的视力和身体产生不良影响。其次，画面频繁变化会引起视觉疲劳。日本动画片《口袋妖怪》第38集快结束的4秒钟内，以强烈的连续红、蓝、白、黑四色闪光制造爆炸效果，造成一万名观众发生昏厥、呕吐、抽筋、头痛、暂时性失明等轻重不一的症状，其中大部分是儿童。大多数动画片每6秒就变换一次画面，超出了幼儿视神经系统的承受能力。研究人员观察发现，常看动画片的孩子容易急躁和神经质。要想保护孩子的眼睛，家长不妨试试下面的4招。1.让孩子在光线明亮的地方看电视，离电视机的距离一定要在两米以上，电视屏幕越大，观看距离应该越远。2.若出现不适，告诉孩子先用手盖住一边的眼睛，再慢慢将双眼闭上。3.孩子看电视时，家长可与他交流，分散注意力，使其不连续盯着屏幕。4.连续观看时间不超过15分钟，若发现孩子出现不适，应让他到窗口或阳台上放松一下。情节转换太快伤记忆优秀的动画片情节紧凑、合理，寓教于乐，带给孩子一种生活中体会不到的新奇感受，还提供社会和自我等方面的知识，帮助孩子学会分辨善与恶、好与坏等。但动画片情节太快、过于消极都会影响孩子的身心发育。首先，一些情节转换过快的动画片对5~6岁的低龄幼儿有一定影响。人的认知形成往往在交互条件下才会得到良性发展，比如人与人之间的交流，会对大脑形成鲜活的刺激。但电视是单向的交流，不会给孩子回应，会使幼儿产生一种依赖，觉得无需动脑，很省事省心，在心理学上被称为恃物情结，影响孩子的认知发展。其次，快情节损害记忆力。美国弗吉尼亚州大学研究发现，美国热播动画片《海绵宝宝》每11秒就变幻一次的快情节会影响幼儿集中精力，解决逻辑难题的能力，危害短期记忆力。蔡景昆说，五六岁以下的低龄孩子尚未建立逻辑思维能力，如果画面变幻频繁，孩子就很难对各场景形成记忆，前后联系不起来，就像成人不断背诵新东西，导致心理狂躁。再次，动画片会阻碍孩子培养专注力。幼儿适应了电视强烈的声光影刺激，就很难再把注意力集中到书上，甚至造成学习障碍。英国研究发现，超过80%的儿童因为看电视导致注意力难集中。蔡景昆告诉记者，这都是恃物情结导致的。最后，动画片的情节还可能束缚孩子的思维。心理学家做过这样一个实验：把孩子分成两组，一组听老师讲白雪公主的故事，一组看白雪公主动画片，之后让两组孩子画出心目中的白雪公主。结果，听故事的孩子会赋予白雪公主不同的形象、装束和表情；看动画片的孩子，画出的白雪公主全都一模一样。总之，好的动画片要看情节，像国内外经典动画片《黑猫警长》、《大闹天宫》、《猫和老鼠》、《巴巴爸爸》等都不错，而《蜡笔小新》、《海绵宝宝》之类的动画片可能会对孩子的思维、认知产生不良影响。当然，好的动画片不一定每个情节都好，比如《黑猫警长》中的食猴鹰，长相可怕，给不少80后留下阴影；《哪吒闹海》中有自刎情节，可能引发模仿等。这需要家长的合理引导。言行暴力肮脏受模仿很多人认为，动画片里面的对话能帮孩子学习语言，甚至有家长购买英文动画片，希望孩子能学会说英语。但语言发展中最关键的因素是人与人的直接交流，而非电视中的单向语言。孩子学说话，除了语言本身，还需感受声调、表情、说话节奏和身体语言等，这些通过动画片是无法获得的。还有一些动画片情节消极、负面，比如热播的《熊出没》，充斥乱砍滥伐等非法行为，各种打斗暴力行为等，仅10多分钟就出现20多句脏话，让不少孩子学会“见鬼”、“臭狗熊”、“去死”、“笨蛋”等不雅词语。更有甚者，国内有孩子模仿《喜羊羊与灰太狼》中用锅烤活羊的情节，将小伙伴烧伤。孩子的模仿能力很强，如果语言环境不纯净，就会给他们一个学习源。孩子的辨别能力又差，学到这些脏话、暴力行为，会在生活中运用，周围人会产生激烈的回应，强化了孩子对此的运用。相比之下，大多数欧美动画影视公司有明确的受众年龄定位，专门针对幼儿的动画片会严格控制与暴力相关的道具、动作和画面。而国内目前没有这么详细的规定，要靠爸爸妈妈的“火眼金睛”来鉴定。家长最好陪孩子一起看电视，评论与分享动画片。通过与孩子一起观看动画片并对内容进行适当的解释，引导孩子正确分辨理想与现实。音效尖利刺耳引狂躁许多家长认为，让孩子看动画片可以“磨耳朵”，尤其是英文动画对提高孩子英语学习兴趣特别有帮助。但幼儿期是感觉发育的快速期，这时孩子柔嫩的器官对有害的视、听觉刺激敏感性比较高，所以应尽量避免孩子长时间或近距离看电视，同时电视的音量也不要过高。音效的类型对孩子听力和身心发育影响也很大。比如一些机械的声音、打打杀杀的声音等，非常刺耳，比如《熊出没》中砍伐树木的声音、《喜羊羊与灰太狼》中红太狼用平底锅打灰太狼的声音，成年人听了都很难受，对孩子听力的影响可想而知，甚至会诱发孩子产生狂躁情绪。因此，家长给孩子选择动画片时，声音也是一个很重要的因素。可以选择《狮子王》、《天空之城》、《泰山》、《海底总动员》等画面精美，配音、音乐令人陶醉，充满亲情、赞扬善良的作品，有好的价值观的体现。吴学东的孩子小时候也爱看动画片，但他认为要控制适度，以免牺牲孩子的视听觉发育和心理发展。看电视小贴士1.美国儿科学会指出，2岁以下的幼儿最好别看动画片。2.孩子连续观看动画片不要超过15分钟，每天看电视的时间要控制在45分钟以内。3.睡前最好不要让孩子看动画片，以免影响睡眠。躺着看电视、吃饭时看电视等都要避免。

金城象 《猫和老鼠》中的主角 《千与千寻》剧照最近，日本最新动画电影《哆啦A梦：伴我同行》风靡大陆各大院线，与此同时，刚刚推出的国产动画电影《汽车人总动员》却被人质疑“抄袭”美国动画电影《赛车总动员》，关于动漫影视剧的“原创力”话题再度引起热议。到底如何评价本土动漫的创作水准？瓶颈何在？一场包括宫崎骏等“大腕”手稿在内的正在广东美术馆开办的《世界动漫的中国学派》展览，也许能为此话题带来启示。7月3日，一部叫《汽车人总动员》的国产动画电影悄然上映，上映后票房并不理想，但却因为它的一张海报掀起轩然大波——由于《汽车人总动员》电影海报与皮克斯著名动画电影《赛车总动员》（由皮克斯制作，迪士尼发行，又名《汽车总动员》）海报如出一辙，动画主人公相似度甚高，该片被诸多影迷质疑抄袭，争论甚至引发国外媒体关注。7月24日将在广东省美术馆开办《世界动漫的中国学派》展览，会以众多动漫大师的手稿，为今天的动漫界带来启发。据悉，展览中95%以上的纸质展品都是手稿，带着大师们亲手绘制时的笔触、结构和灵气，包括万籁鸣的18幅《猴子捞月》系列连环画手稿、贺友直的28幅《小二黑结婚》连环画手稿、廖冰兄的12幅《十二生肖》漫画手稿、水墨动画《山水情》的31幅绘画手稿、动画片《葫芦兄弟》的美术原稿等，而国外知名的动漫作品如《丁丁·蓝莲花》、《蓝精灵》、《安徒生童话·拇指姑娘》、《天空之城》等也都有手稿参展。展览策展人、中国美协动漫艺委会副主任金城接受羊城晚报记者专访——把科学态度引进到动漫创作中羊城晚报：“中外动漫艺术展”的由来是怎样的？金城：在这十年间，我们的动漫发展走了一些弯路，所谓“产量大国”，过度地强调了动漫的产业功能，忽视了它的艺术功能。我认为，一开始就不应该将之作为一个庞大的产业去规划，而应该作为一个有责任、有艺术激情的创意来支持、扶持。我跟广东美术馆馆长罗一平一起策划《世界动漫的中国学派》，把中国动漫和外国动漫中的优秀作品放在同一个平台上进行展示，让一般公众、动漫爱好者、专业人士自由地感受、欣赏。展出的作品包括全世界动漫人心中的殿堂级人物宫崎骏的手稿原作。通过手稿你可以发现，宫崎骏那么大腕级别的艺术家，对于一个重复的动画镜头，都坚持手绘十幅甚至几十幅重复的手稿。人物从远到近，动作表情上微小的变化，老爷子都是亲力亲为地进行这些可以说是机械般的工作。我们中国的创意人才，有这么一种脚踏实地的工作方式，有这么一种对于艺术执着追求的初心吗？羊城晚报：所以说举办“中外动漫艺术展”就是希望为中国动漫提供一些借鉴？金城：是的。如果说今天我们的动漫行业基本都是做快餐，那么人家宫崎骏、好莱坞都是在做营养餐。《超能陆战队》、《冰雪奇缘》每一部新片，都让观众投入一种心灵旅程。即将上映的《功夫熊猫三》会让大家铆足了劲去看。这是动画片的魅力，真正能让我们进入到一种日常生活不可及、真人表演达不到的剧情故事当中。因此，今天的人们对于好的作品，是有着足够的期待、热情，也有着足够的金钱去支持的。动漫市场是存在的，一头热地去抓市场没有意义，我们需要更多地搞好创作。在这次展出当中，还可以看到欧洲最有名气的作品——《丁丁历险记》手稿。《丁丁历险记》的作者埃尔热先生，专门请当时还没出名的艺术家张聪明，一起来完成有关中国的场景、道具的刻画。可以说，西方的艺术家在很大程度上，把科学的态度引进到动漫创作之中，而我们的创作人最多只是娱乐的态度。好的动漫作品无一不是艺术创作者浇灌心血打磨出来的，而国内不负责任地抄袭、山寨的现象之多之恶劣，已经到了不仅仅是市场对它说“不”的程度，更到了急需让我们重视怎样引导动漫制作，如何规划动漫产业的地步。动漫没有想象中那么好赚钱羊城晚报：国产动画《汽车人总动员》被指抄袭皮克斯动画《汽车总动员》，两部动画电影不仅片名类似，连海报、汽车人主角造型等都如出一辙。您怎么看这个现象？金城：在漫画中，艺术家或工作室主导的模式较多，基本上不存在抄袭剽窃的问题。而在动画中，商人主导、以逐利为目的情况就很明显。在他们看来，做动画就像山寨厂商模仿生产外国奢侈品品牌一样。在我看来，这就是因为中国动画公司的机制和国外的情况不一样。在国外，大多以由艺术家或工作室主导，即便是商业最成功的迪士尼，都是一群怀揣梦想、有自己艺术理念的人聚集在一起。我们看到，皮克斯、梦工厂，日本的宫崎骏吉卜力工作室都是这样。他们耗费大量心血、时间，打磨出一部首先能感动自己的作品，然后才能一上市就获得成功。而我们恰恰相反。我们的运营机制上有问题，体现为大多数以盈利为导向，把动漫当成一门生意来做，没有感动自己，也没有让自己产生激情。我入行多年，感觉真的要赚钱，没有梦想、激情，没有艺术素养的人，还是去选择其他更好赚钱的领域。实际上，动漫没有想象中那么好赚钱。羊城晚报：“成功”抄袭的例子多吗？金城：不会成功的，也不可能成功的。动画说到底，最终还是需要通过艺术的表现力感染人，不是说组装几个零件就可以成为一个产品这么简单。它要有灵魂，这个灵魂就是艺术家投注在一部作品中的思想、才华，并要有独特的表现形式。而这些恰恰是无法山寨模仿的。通过组装零件的方式去制作动画，得出来的最多就是一个躯壳。而动画的成功靠的恰恰不是零件，而是灵魂。我们现在强调产业概念，令不少人对这个市场有了很大的期待，甚至掏出很多的“零花钱”支撑这个所谓的产业。结果发现没有拿出什么好东西让消费者真正喜欢的。久而久之，这反而在透支消费者的热情，也对不住消费者。动漫其实和其他绝大部分的行业一样，其中的70%-80%是不赚钱的，真正赚钱的好的动画片、非常畅销的漫画，也就那么一些作品，都是属于金字塔的顶端。把动漫当作摇钱树，实际上只是某些人一厢情愿的幻想。羊城晚报：国产动漫也有一些卖座的作品，比如《喜羊羊与灰太狼》，但人们对这类动画片的评价也不一样。金城：这是因为我们成功的作品太少了，只有那么几部像《喜羊羊与灰太狼》那样相对成功作品，人们因此对它们寄予了太多的厚望，这是它们所不能承受的。这种片子在中国这么卖座，拿到国外去，虽然也可能是一部好的喜剧类型片，但它只是青少年的娱乐动画。就像日本的《蜡笔小新》也很不错，但要把它和宫崎骏的片子比，无论是表现力、思想性，都是无法相提并论的。所以，我认为是我们的优秀作品太少了，才导致《喜羊羊与灰太狼》承受了太多的压力，这是不应该出现的情况。动漫没有艺术就无法立足羊城晚报：在今天越来越发达的电脑技术面前，像宫崎骏那样坚持手工作坊式的创作，甚至坚持作品全部以手绘完成，已经非常稀少了。金城：情况不是这样的。对于手绘的看法，国内和国外的确有点两重天。我参观过不少国外的动画公司工作室，无一不提倡手绘，哪里都是手绘作品，感觉铺天盖地的。国外很重视手绘，大艺术家没有不手绘的，年轻人的目标是成为大艺术家，自然也没有不重视手绘的。进入动漫这个领域，首先应是有艺术才华、艺术理想的人，只掌握一些设计技巧、后期技术是不会被招进来的。当年中国上海美影厂也都是一些艺术家聚集在一起，这是艺术氛围的问题。在中国公司里，很少见到手绘作品。这一点恰恰是中国人的误解，不仅一般的观众误解，连这一行里面的人都以为用电脑、3D技术可以取代一切。其实，技术归根结底只是一种工具。电脑技术也是建立在艺术家的创作和想象力的基础之上，3D技术体现的，依然是艺术家的世界观、价值观。对艺术角色的塑造、造型的推敲不是任何工具可以解决的。越是在互联网、高科技的时代，手绘反而愈加珍贵愈加重要，不是说随着技术的发展，就可以渐渐把它忽略了。艺术对于动漫的未来是十分重要的。羊城晚报：在美国，大的动画公司在推广高质量动画片的时候，起到非常重要的作用。以逐利为目的的动画公司是如何对待动画的艺术性的？金城：他们其实有平衡的一面。好莱坞的动画公司，无论是梦工厂、迪士尼，还是蓝天工作室，在我的理解里，他们首先有一个前提，就是没有艺术，动漫作品难以立足，这已经成为了他们企业的价值观和基本立场。国外凡是成功的动画公司，都是首先把艺术作为动画的底线，只有技术的动画只是一个躯壳，难以唤起人们对你的作品的喜爱。现在也很流行通过营销手法，赚来一点观众和票房，有的观众会被营销吸引来看你的东西，但那只是一时的。所以老牌的大公司，都是明白这个道理，就像欧洲的奢侈品品牌一样，都坚守自己独特的设计风格和理念。发自内心的喜欢，才能感动别人羊城晚报：动漫角色形象是动漫作品能否成功的重要因素。您怎么看今天中外动漫角色形象塑造的差异？金城：今天中国人做动漫角色造型几乎都是拍脑门的，几个年轻人关在屋子里，上网看看别人怎么做的，然后模仿别人做。世界上永远没有模仿别人能够得到成功的事，一定是独立的创意才能冒出头。怎么才能有创意呢？依我所知，就“大白”这个形象的走路细节而言，就动用了大数据的方式。迪士尼搜集了多种走路的方式，比如三岁儿童的走路方式，比如企鹅怎么走路 ，他们的脚丫怎么落地，肌肉的运动，等等细节，然后嫁接到他们的角色上，再进行多次的对比、修改，最终选择了以企鹅走路的姿势为原型。这个例子告诉我们，今天的动漫艺术家、动画片的导演、美术设计，要像科学家一样，有着科学分析、科学的思维。又比如说《丁丁历险记》的作者埃尔热先生，他在漫画里面设计了飞机的形象，当时是没有飞机的，但后来被科学家所采用，也就是说，他对飞行技术的精确把握，确实到了科学家一样的地步。中国的动画公司，似乎很少会使用这样的方式，更别说愿意投入心血和资金这样做一部作品，因而他们往往最终也赚不了钱。羊城晚报：当把中外动漫的经典形象放在一起看时，您的感觉是怎样的？金城：在上世纪九十年代前，中国的动画连环画，全部都是有生命力的。今年我们到了法国、俄罗斯办展览，这些中国传统动画，比如《三毛流浪记》、《牧笛》、《大闹天宫》，等等，即便今天拿出来，依然对人们具有感染力。回过头看，当初在创作这些作品的时候，那个模式事实上是和国外一样的。也就说，他们前期在创作的阶段，一定是对一个作品反复打磨直至成功，才把它投入到后期的生产阶段。这种特别注重前期研发的模式，和今天的国外是一样的。可是，如今我们的动漫制作却不重视研发了，决策都是老板拍脑门。其实谁拍脑门都没有用，因为动漫首先是你得自己发自内心地喜欢，然后才能感动别人。总的来说，中国的动漫创作者在历史上，一度能够沉下心来，把一根草、一片云彩都做出生命力来。而今天我们一年生产20多万分钟的动画，却几乎看不到一片感动你的云彩了。中外知名动漫形象龙猫《龙猫》是吉卜力工作室于1988年推出的一部动画电影，由宫崎骏执导。电影描写的是日本在经济高度发展前存在的美丽自然，那个只有孩子才能看见的不可思议世界，因为唤起观众的乡愁而广受大众欢迎。老夫子《老夫子》，作者王泽，是在华人社区中十分著名的漫画。它画风诙谐地呈现了六十年以来华人生活的底蕴与人生百态，风靡香港。其中，老夫子、大番薯和秦先生都是王泽笔下的人物，本来各自成书，毫无关连，后来都被安排在《老夫子》出现，成为好友。老夫子漫画严肃地表达了对上个世纪60—80年代间香港社会的看法，批评中西文化交流中的种种弊端。蓝精灵《蓝精灵》1958年由比利时漫画家贝约及其夫人共同创作。蓝精灵是一群由100多个深蓝色肤色、三个苹果高的人形小生物所组成的精灵群体。他们的生活原本该是完美的，然而，有一个坏巫师名叫格格巫，整天想办法要抓这些小精灵，他养的宠物阿兹猫总是想把蓝精灵当点心吃掉。于是性格各异的蓝精灵与邪恶的魔法师格格巫及他的坏猫阿兹猫之间，展开了一次又一次的较量，故事情节由此展开。丁丁历险记《丁丁历险记》是比利时画家埃尔热的著名系列漫画作品。故事的灵感来自于丹麦作家和演员帕勒·哈尔德的环球旅行经历，当时年仅15岁的他用44天环游了世界。《丁丁历险记》自1929年1月10日起在比利时报纸上开始双周连载，这个乐观而富于冒险精神的小记者和他的忠实爱犬——白雪引起了人们的广泛兴趣。《丁丁历险记》的故事虽然已有百年历史，但时到今天仍然拥有相当多的爱好者和纪念者，在欧洲，这个系列漫画仍在不断重版之中。蝙蝠侠蝙蝠侠由鲍勃·凯恩和比尔·芬格创作，是一名虚构的超级英雄角色。角色首次登场于1939年5月的《侦探漫画》，最初被称为“蝙蝠人”，后来还有“黑暗骑士”、“世界最伟大的侦探”等其他称号。蝙蝠侠如今已经是美国文化的代表之一。三毛流浪记《三毛流浪记》是中国漫画家张乐平于1935年创作的，其主角“三毛”到现在仍然是中国最著名和受人喜爱的虚构人物之一。《三毛流浪记》所说的是原为富家子弟的12-15岁少年三毛因为日本侵略而失去了父母，沦陷为孤儿，多次寻找母亲未果。他曾经做过多种苦力，例如擦鞋工等，但多次被地痞、日本军人等陷害。张乐平想表达对年轻难民的关注，尤其是在街上流浪的孤儿，他们命运的大转变都是发生在1949年以后。

国产动画被批“暴力、低俗”进口动画创意无限 国产动画想说爱你不容易近日，《一位郑州妈妈怒批国产动画》的文章在网络和微博朋友圈广为流传。文章中，作者痛批诸如《喜羊羊》《熊出没》等动画片“教给孩子的不是爱，不是感恩，不是文明，不是知识，反而宣扬的更多的是暴力、恶俗、无法无天”。文章得到了家长的热烈回应，转发数万次。那么，国产动画是否真如这位妈妈所言？家长们对国产动画持何种态度？制作方如何看待家长的评价？连日来，记者采访了家长、国产动画制作方、幼儿教育专家，希望能为家长提供更多可参考的建议。细数国产动画“几宗罪”文中，作者总结出当下最为热播的《喜羊羊》和《熊出没》等国产动画片的“三宗罪”：“一是宣扬暴力。片中狼们和熊们有多种暴力行为，打、撞、碰、淹、烤、烧、熏、喷、电、枪射、绳子吊、车碾压等，这对于没有任何分辨力而模仿能力较强的幼儿来说，害处很大。二是宣扬生命的不死，片中主人公无论怎样被折腾都不会死，这无法使孩子意识到生命的珍贵。三是宣扬恶俗的社会理念，片中台词低俗，情节庸俗。”“看中国的动画片，想让孩子学会懂礼貌、讲文明？没门！想让孩子学会珍惜生命、保护生命？没门！想让孩子学会友爱相处，和谐友善？没门！想让孩子学会孝顺父母、感恩懂爱？那更是痴心妄想！至于说，你还想让孩子学点知识，学点科学，学点先进理念？那你就做梦去吧！”这位作者尖锐地指出了国产动画的种种不足。国产动画是否真是如此不堪？记者就此采访了多位家长，来听一听他们的看法。“片中的暴力和低俗镜头随处可见，虽然有时打出了‘动画情节，请勿模仿’的字样，但我很纳闷：既然制作方明明知道这些是不适合孩子模仿的情节，又为何如此设计呢？”某汽车公司销售人员张瑞彩说，三岁的儿子经常看《熊出没》，会模仿说“笨蛋”、“揍你”等话，这使她忧心忡忡，“江苏连云港一个小学生模仿《喜羊羊》情节把同伴绑到树上烧烤的教训难道还不够深刻吗？”郑州煤矿机械集团股份有限公司会计孙玉凤认为，许多国产动画内容空洞、传递的理念和价值观不正确，特别是现在一些动画片制作方为了吸引大人的眼球，把情节设计得成人化，“比如，《喜羊羊》中灰太狼怕老婆的情节，就传递了一种歪曲的观念，小男孩看了这些动画片，日后怎么呈现出阳刚之美？”在采访中，记者发现，家长对国产动画的批评主要集中在“暴力和语言低俗”，那么这些动画片究竟多暴力和低俗？有人曾经统计，《喜羊羊》中，灰太狼被平底锅砸过9544次，被抓过1380次，喜羊羊被煮过839次，被电过1755次。《熊出没》曾在十分钟的时间内，爆粗口21次，其中包括“见鬼”、“臭狗熊”、“去死”、“笨蛋”等不雅用语。这样庞大的数字的确令人惊讶。不过，也有部分家长表示，《喜羊羊》《熊出没》如此受幼儿的欢迎也有其可取之处，“画面好看、色彩鲜艳、有一定的故事性”是比较集中的评价。国产动画技术不弱缺创意2005年6月之前，电视机上多是《猫和老鼠》《名侦探柯南》《小熊维尼》等进口动画的身影，仿佛一夜之间，一群可爱的小羊们铺天盖地席卷荧屏，此后，《喜羊羊》系列电影也颇受欢迎。2012年的除夕夜，《熊出没》热闹开播，人们的视线之中又多了两只憨态可掬的森林熊，不仅如此，《熊出没》大电影也势头迅猛，上映三日票房过亿。大盛国际传媒华中区域总监窦志超此前曾在专业的儿童家庭电影运营商——卡通先生影业有限公司担任南区发行总监，在西南、西北、华中、华东地区成功运作《喜羊羊与灰太狼5》《洛克王国2》《熊出没之夺宝熊兵》等动画电影。他认为，动画市场的突然膨胀引发了许多问题，不少动画存在制作粗糙、情节枯燥的缺点，“然而，这是国产动画前进道路上的必经阶段，观众的指责，在一定程度上也是一种期待。”窦志超说，就制作技术来讲，国产动画与进口动画不相上下，然而大多数观众都会认为国产动画远落后于进口动画，其实差就差在创意和“修身”上，以《功夫熊猫》为例，功夫和熊猫本是人人熟知的中国元素，但国内却没人将它们联系在一起，碰撞出新的形象，造成这种情况的原因之一，在于对欧美、日本动画的过度模仿和创作者急功近利的心态。“慢工出细活，是各个行业都须遵守的创作规律，动画行业也不例外。所以，国产动画电影除了要在创意上下足功夫，也需要调整心态、养精蓄锐。”面对家长的批评，国产动画制作方该如何应对呢？窦志超认为，做动画最想达到的就是合家欢的效果，大手拉小手，全家老少一起来观赏，是制作方最愿意看到的景象，而正能量、寓教于乐则是动画电影必有的内容，“制作方应在尊重观众、尊重市场的前提下做积极改变。家长的诉求便是对国产动画电影的积极鞭策，推动着这个行业朝着更好的方向发展。”窦志超说，去年央视批评过动画片中的行为暴力和粗俗言语后，《喜羊羊》和《熊出没》就及时做出了调整，国产动画电影需要观众的批评，也需要观众的鼓励。孩子看动画快乐最重要那么什么样的动画才是好动画？家长应该如何为孩子选择动画片？国家心理咨询师、郑州启心教育首席培训师宋福珍给出了建议。作一个7岁半孩子的妈妈，宋福珍主张“在孩子6岁前尽量不要给孩子看太多动画片”，“长时间看动画片会损害儿童的视力；而且从长远角度看，看动画是一种单向的被动的吸收，不是真正意义上的学习，达不到家长所期望的增长知识的目标。” 宋福珍认为，孩子们的学习方式跟成年人不同，他们需要在互动式的、体验式的、双向的交流中得到学习和锻炼，“太小的孩子长期看动画反而不利于培养其互动、社交、学习的能力。那些长期看动画长大的孩子，反而在上学后容易出现注意力不集中、反应迟钝、速度慢等问题。”如何选择动画片？宋福珍建议：“从工具上来说，现在电视、电脑、iPad、手机等电子产品非常多，我个人建议尽量选择屏幕大一些、画质细腻清晰的工具，尽可能将对孩子的视力伤害降到最低。从动画片本身来说，尽量选择有营养、有价值的动画片，这些营养元素包括：画面、情节、人物、故事、音乐、价值观等等。”宋福珍认为，就动画电影来讲，国产动画片整体上是输给欧美动画的，作为妈妈，她会首先选择迪士尼的动画片和皮克斯的动画片。宋福珍也为家长推荐了一些她认为比较好的动画片：“低龄的孩子可以看《粉红猪小妹》，每集都短小精悍，对话简单，孩子即便听不懂也很容易理解，一方面培养语感，另一方面还收获快乐，家长也可以学习猪爸猪妈的育儿方法，此外《蓝色小考拉》也不错；小学阶段的孩子可以看《查理与罗拉》、迪士尼经典动画电影等等，另外皮克斯在动画电影之外还出品了19部动画短片，每片都在10分钟之内，也非常棒。”索易儿童成长中心运营总监宋甍认为，好的动画片应该不是硬邦邦的说教，而在当前国内外动画片整体技术相当的情况下，可以选择更具有童真童趣的作品来看。宋甍还建议，父母不妨陪着孩子一起看动画片，看完之后的交流过程也能对孩子起到引导作用，“国外很多动画片是适合家长和孩子一起看的，但是家长和孩子都能从各自的角度得到不同的思考。”宋甍表示，孩子的喜好也具有阶段性，家长不必太过干涉孩子的选择，“家长不要总希望孩子能从动画片中学到什么，孩子能从中得到快乐最重要。”原标题：国产动画 想说爱你不容易来源：郑州日报 记者：秦华 左丽慧 杨丽萍