昨日，由北京电影学院及社会科学文献出版社共同举办的《动漫产业蓝皮书：中国动漫发展报告(2014)》发布会在京举行。据介绍，近年来，我国动漫产业快速发展，2011年我国动漫产业总产值为621.72亿元，2012年为759.94亿元，2013年则达870.85亿元，较2012年增长14.59%。虽然我国动漫产业经历了近几年的高速发展，已经具有了较大的规模，但整体来看我国动漫产业仍然处于发展的初期阶段，预计2014年我国动漫产业总产值将达到1000亿元。原标题：2014年我国动漫产业总产值将达千亿元来源: 互联网

《大闹天宫》《山水情》《三个和尚》《天书奇谭》《哪吒闹海》《小蝌蚪找妈妈》《牧笛》等中国动画电影经典，以其独一无二的民族风格特色，在给无数人留下美好童年回忆的同时，也是中国动画电影史中难以超越的艺术巅峰。民族风格，是标识那一代人的关键词。也正是因为在中国动画电影的民族风格探索上所取得的斐然成绩，也使得那一代中国动画电影人在国际上享有着特殊重要的声誉和地位，前些年万氏兄弟诞辰纪念之际，谷歌甚至在官网首页标识上挂出美猴王的头像，这恐怕远远超出了眼下动画行业 “羊” “狼”“熊”格局的认知范畴。这些年，那一代人的相继离开在国内外都形成了持续的社会话题，这就凸显了一个时代性的逼问——到底什么是民族风格？或者以万籁鸣、马克宣先生为代表的那一代人，他们的独特性到底在哪里？为什么他们的贡献是不可替代的？这些追问构成了回答上述问题的关键。线索首先来自民族风格的起源。1941年，世界上第一部动画长片《白雪公主》问世，第二年，由万氏兄弟推出的中国第一部动画长片《铁扇公主》也随之诞生，并且从那时候起，就为中国动画电影的民族风格探索埋下了伏笔。到了1955年特伟先生提出“探民族形式之路，敲喜剧风格之门”之时，已经很自然地成为了全行业的共识和自觉追求。所以到了1964年，尽管名垂世界动画电影史乃至世界电影史，但《大闹天宫》的出现反倒是厚积薄发，而且其接受、辐射范围之广泛也远超今日之想象。日本动漫泰斗手冢治虫就从《铁扇公主》到《大闹天宫》，一再受到万氏兄弟等的民族风格探索的启迪，甚至战后日本精神世界的重新构建，都有着来自中国的民族风格实践的文化参照。万籁鸣、特伟、马克宣先生那一代人的独特性就在于，或者说，以动画电影为代表的民族风格实践的独特性就在于，确实只有到了建国之后，到了五六十年代，在动画电影领域，我们才能够比较成熟地消化，以西方中心透视法做为构图原则或者作为基本原理，完成我们中国式的艺术表达，将传统中国的视觉图像和美术世界搬到荧幕上。在这个意义上，尤其是到了以《小蝌蚪找妈妈》《牧笛》《鹿铃》《山水情》为代表的水墨动画，中国动画确实找到了自己的现代意义上稳定的民族风格，并实现了民族风格的多种类型化，它们的价值是独一无二的、是不可替代的。通俗的说，经过几代人几十年的辛勤探索，中国的“画”终于能顺畅地“动”起来了。然而，不可否认的是，随着时代的演进，不同代际的审美趣味也发生着剧烈的变迁，特别是3D电影技术的成熟，对中国动画电影的民族风格探索之路也提出了严峻的挑战。1999年的《宝莲灯》几近成为具有鲜明民族风格特征的中国动画电影的绝唱，尽管在当时取得了一定的成功，但在新世纪，如何接过万籁鸣、特伟、马克宣先生那一代人民族风格探索的接力棒，始终是一个尚未完成的命题，中国动画电影也再未实现任何意义上的国际化。尽管近年来，推出了3D版的《大闹天宫》《神笔马良》，这种将传统中国动画电影3D化的作品，但也依然没有重回昔日的辉煌。因为万籁鸣、特伟、马克宣先生那一代人的中国式民族风格，尽管完成了传统图像的现代性转换，但并不是简单地将它们3D化，把图层拉开就能顺利的进入到3D时代，这尤其需要新一代中国动画人下大工夫去深入探索。因为，民族风格显然不是一个本质主义或民族主义的概念，民族风格也不能等同于简单的“中国风”，“中国风”式的民族元素的添加至少不是民族风格的充分条件。经过一系列的失败，这个角度的尝试恐怕显然不是接过万籁鸣、特伟、马克宣先生那一代人的民族风格接力棒的正确路径。2006年以来，国家对动漫产业的扶持模式由政府主导转变为市场和政府共同驱动，中国动漫产业也从幼稚期逐渐过渡到快速发展阶段，市场增长率高、需求增长速度快，成为这一阶段中国动漫市场的基本特征。到了2012年推出的《“十二五”时期国家动漫产业发展规划》，动漫产业开始逐步上升到国家战略层面，我国动漫产业的产值也从“十一五”开始，年增长率始终平均在30%左右，直到今天年产值已经接近千亿大关。《喜羊羊》《熊出没》《赛尔号》《摩尔庄园》《洛克王国》《魁拔》《秦时明月》等一系列作品在这一时期应运而生，但如同上文所述，过度直接参照好莱坞和日本的成功经验，不仅在票房上节节败退，也丧失了中国动画电影曾经引以为傲的民族风格特色，在中国动画电影中也再未“看见”那个曾经光彩夺目的“中国”。那么，中国动画电影在今天这个大的文化产业格局中的位置在哪里？究竟什么是中国动画电影？中国动画电影的民族特色到底是什么？包含动漫产业在内的文化产业越是欣欣向荣、朝气蓬勃，这些问题就愈发醒目和碍眼，因为这不仅仅是一个文艺理论问题，它们更关乎文化产业的未来走向，更关乎着一个国家文化主权的归属。所以，万籁鸣、特伟、马克宣先生们的精神遗产在这里就显得特别的难能可贵，但在今天我们却甚至还不知道该怎么捡起他们的民族风格探索的接力棒，这对此刻已经进入千亿GDP时代的动漫产业，未免不是一个太过残酷的嘲讽。

动画电影与真人电影的视觉语言有所区别，在设置表意功能和创造艺术效果上，它有着更大的自由度。国产动画电影迄今已有近百年历史，当下，动画已经成为一种重要的传播媒体，也是一种受众广泛的叙事体，尤其是在视觉时代，动画电影更是成为这一文化生态发展中的重要推动力。这也就使得，对其视觉审美文化这一关乎其艺术本体性的研究，显得日益关键和重要。 一、国产动画电影视觉上的“传统”与“现代” 中国动画起步于20世纪20年代，在近一百年的发展历程中遭遇了重重挫折，也曾有过以“中国学派”震惊世界的辉煌时段。可惜的是，“中国学派”真正大放异彩的时间只有短短的九年，随着“文革”的开始，中国动画陷入了几近停滞的困境中。而在“文革”结束之后，中国动画尽管开始了复苏，但是在中国社会逐渐开放的过程中，随着《铁臂阿童木》等外国动画的引入，以及电视机在各个家庭中的普及，中国动画的市场被外国动画轻易占领，国产动画也出现了滑坡。但外来优秀动画的涌入也意味着其产业模式、创作方法进入到中国来，国产动画开始以全新的面貌，在全新的产业体系中出现在观众的面前。那么在对比“新”与“旧”时，我们不难发现，二者最大的区别并非内容，如“中国学派”最引以为豪的《大闹天宫》和近年来引起最大轰动的国产动画《大圣归来》尽管间隔了半个多世纪，但都取材于名著《西游记》。国产动画一路走来，真正的新旧之别，在于视觉审美上。 一般来说，静止的一帧画面在以每秒24帧连续播放的情况下就构成了动画，而动画在结合了电影语言规律的安排后就成为动画电影。和真人电影一样，动画电影也有着鲜明的审美风格。人们普遍认为，美式动画电影情节幽默夸张，画风追求写实，苏联动画电影语言诙谐，造型滑稽，而日本动画电影则崇尚手绘及较为深刻的内容等。中国的“中国学派”则以艺术片为主，在充分吸收和借鉴了中国传统美学的精髓之后，为世人贡献出了集多种中国传统艺术门类于一体，极具中华民族风格的动画形式，如在“中国学派”的水墨动画、剪纸动画等中，有着美日动画不具备的视觉审美特征。 而到了当代，在商业经济与全球化的推动下，国产动画不得不追求经济利益，走上了一条以商业片为主的发展道路。这使得在创作中，美学往往不得不让位于模式化的、高效的流水线生产方式。同时由于其他动画强国的强大影响力，美国动画电影的尚实审美，日本动画电影的唯美审美，都在不同程度上影响着国产动画电影。大批中国动画人力图在保留民族审美精髓的情况下，吸纳外来审美文化，迎合视觉文化时代观众的趣味，将蜚声国际的外国动画的优点，与中国的传统题材相结合，在全球化的同时建立本土化，打造了一批属于新型视觉审美文化的作品。尽管其还在探索阶段，但已经足够被拈出，作为与“中国学派”相对的一种审美倾向被进行解读。 二、国产动画电影的传统视觉审美文化 “中国学派”代表的正是一种根植于中国古典传统的视觉审美文化，它有着鲜明的“中式”烙印，大量视觉审美文化来自中国古代绘画或诗意的美学追求。 (一) 虚实相生 虚实相生原指在国画艺术中，画布上有笔触的地方与留白的地方以一个合理的比例存在。一旦实多而虚少，那么画幅就会存在主体过多，分散观者注意力，甚至让观者无法识别的问题，而一旦虚多实少，画面内容又会显得偏少“虚”所本应承担的“幽远”美感也将被空无取代。在国产动画电影中，不乏直接运用国画艺术的水墨动画，这一类动画充分地发扬了虚实相生的视觉审美文化。例如在《小蝌蚪找妈妈》中，小蝌蚪在变成青蛙之前一直在水中游动，但是水在国画中很少直接画出，大多是通过留白来体现。在电影中，水也是“虚”的，而飘摇的水草、浮萍，动物在水面上荡起的涟漪等，这些“实”的内容无不在提醒着观众清澈见底的池水的存在。正如电影理论家伊夫特·皮洛曾经指出的:“我们并不知道我们看到了什么，恰恰相反，我们知道什么才会看到什么。”美学和心理学的研究共同证实了，人们观看某样事物的过程，并不是一个机械、被动的过程，而是一个主动的认识和发现的过程。人类的看是存在现在的目的和认知的。法兰克福学派也指出，大众的看并不仅仅是一个自然的行为，而是复杂的，与文化相关的社会行为。观众早已有了“蟒抖游于水中”的知识储备，因此水并不需要画出，观众也能产生水的想象。虚和实在这里形成了一种协调的互相作用。 (二) 幽情逸韵 幽情逸韵也来自国画，强调的是一种深沉、超俗的情致和韵味，在国产动画电影中，这则体现在动画人热衷于绘制优美、雅致的意象，甚至在部分电影中，观众在视觉上获得的享受要远远多于从情节中得到的娱乐。例如在《牧笛》中，电影无意讲述一个情节曲折的故事，而更像是给观众提供了一个初夏时分，人与牛怡然自得，和谐相处的生活小品图。电影用青山翠竹等，构成了一个幽静深远的乡野环境，而牧童则身心放松，在吹了一阵自己的短笛之后，进入到梦乡之中，来到了一个有着奇峰叠嶂，飞流瀑布，白鹭黄雀的世外仙境。牧童想要自己的水牛跟自己回家，水牛却因为贪恋这里的美景而不愿离去。直到梦醒，牧童用短笛召唤来牛，在红霞满天，炊烟袅袅中远去。与之类似的还有《山水情》等，整部电影没有一句对白，但是古琴艺术高山流水，知音难觅的千古幽情，老琴师和少年师徒相得的厚谊和洒脱的风骨，都通过画面传达给了观众。同时，道家师法自然、与世无争思想和禅宗明心见性“顿悟”“不立文字”的灵感，这些极端抽象的内容，也都被电影以风雨、山峦、流水、白云等意象加以表达，即使是并不了解如《广陵》绝响等典故的观众，也能从视觉上备感清新、淡雅，感受到画面有韵外之致，味外之旨。这一类电影往往都在视觉上重申了中国传统文化中天人合一的主张，人对自然采取的是顺应、尊敬的态度。 (三) 奇趣灵动 无论是在角色造型，人物动作，还是在场景等的设计中，“中国学派”及其在复苏时代的后继者都崇尚一种奇趣与灵动的美感。同样是让观众感到有趣，国产动画电影并不仅仅满足于对真实物象进行变形，还强调某种“以少见多”，这与美国的夸张、苏联的滑稽等又是略有区别的。例如在《三个和尚》中，红衣小和尚是庙的第一个主人，他身材适中，脸上有两块红晕，意味着他最年轻，也最害羞，缺乏主见，才会在自己是最先来到庙的情况下，无法给两个后来的和尚立规矩;第二个蓝衣瘦高和尚愿意和红衣小和尚一起抬水，瘦高身材表示了他并非懒人，长方形脸和蓝色僧袍暗示了他不善变通，循规蹈矩的个性;而导致没水喝的第三个和尚则是黄衣胖和尚，矮胖身材、厚嘴唇则显示了他憨厚懒惰的一面，所以他才会不顾他人的感受，一来就喝光了庙里的存水。从传统戏剧，建筑等摄取视觉元素，也是增进电影奇趣灵动性的方式。如《天书奇谭》中，县令贪得无厌，见钱眼开，他的形象就是戏剧中的“丑”的扮相，留着三撇胡须，脸上有一大块白色，而乌纱帽的帽翅两端则是两个铜钱形状的圆。又如在《惭傲的将军》、《大闹天宫》中，人物的面目和武术动作，很多都来自京剧，将军和孙悟空的脸无疑来自京剧中的“花脸”，暗示了人物的性格，而打斗则往往并不落到实处，点到为止，身段优美，飘逸灵动，让观众获得美的享受。 二、国产动画电影的现代视觉审美文化 及至20世纪90年代，多种原因使得国产动画电影出现了新的视觉审美倾向。第一，全球都开始了从语言文化向着视觉文化的大转型，这必然会影响到各国动画电影在审美形态、具体绘制方式等方面的转向；第二，全球化使得动画电影作为文化交流的主流艺术之一，也必须在视觉审美上呼应与跟进美日动画这样的成功者；第三，国产动画也正是在这个时候迎来了自己的产业大规模、高速度发展阶段。 (一) 视觉文化 视觉文化最早出自匈牙利电影理论家贝拉·巴拉兹的《电影美学》，指的是电影摄像机以一种超过印刷术的方式进行传播，人们通过视觉来体验事件，乃至情感、思想等。而在动画电影中，则体现在对可视性的高度重视，一部部充斥着“景观”的电影出现在观众面前。正如尼古拉斯·米尔佐夫在《视觉文化导论》中指出的:“可视性之所以被看重，是因为当今人类的经验比过去任何时候都视觉化和具象化了。”国产动画电影开始走上一条高投入、高科技、高产出的路线，在视觉上有了对三维、高清等的明确要求。而在审美上，则逐渐由传统的以画面简约，隐喻丰赡为美，变为以逼真可感，丰富炫酷为美;从崇尚意在言外，意在画外，变为了直接强化视觉效果，给予观众大量信息。这在一些中美合拍的动画电影中体现得尤为明显，如运用了3D技术的《魔比斯环》，以梯田、竹林、长城等画面让观众目不暇接的《妈妈咪鸭》等。而在纯中式“血统”的动画电影中，如《宝葫芦的秘密》,《风云决》 ,《藏羚王之雪域精灵》等莫不如此，美景、魔法效果、异度空间等无处不在，中国动画人可谓在制造可看性、娱乐性上不遗余力。 (二) 后现代主义文化 后现代主义文化促成了在电影中出现各类对经典的解构、戏仿，以及各类原本属于不同领域、不同风格的元素的拼贴，曾经的“中国学派”强调风格、视觉与叙事的高度统一，然而在后现代时代，影像的拼贴不再被排斥。例如在《宝莲灯》中，孙悟空的形象保留了《大闹天宫》时期的京剧脸谱形象，云雾缭绕的天宫也保留了“中国学派”时期的水墨风格，沉香的形象则是与葫芦娃类似的典型中式少年，而嘎妹、小猴和哮天犬等的形象则显然借鉴了迪士尼的视觉风格。此外，与剧情关系并不大的编钟、兵马俑，嘎妹族人的“望月节”舞蹈等，则作为中国元素被加入其中。与之类似的还有如《麦兜故事》、《悦侠传奇》、《大鱼海棠》、《小门神》，在后现代的氛围中，观众早已不会将电影中的拼贴视为不和谐，而只会从各类符号和影像中得到狂欢的享受。 在时间的推移中，国产动画在视觉审美上走过了一条从传统到现代的发展之路。在娱乐化、商业化的趋势已成必然，同时外国动画巨头的地位又一时不可撼动的情况下，国产动画也一度找不准自己的定位，表现不能令人满意。但近年来《大圣归来》《大鱼海棠》等得到市场与专家一致认可的优秀之作的涌现，为动画人在视觉审美上昭示出一条可行之路，即国产动画完全保留民族特色与传统美学元素，同时兼顾现代审美中重视觉、尚综合的倾向，在精英性和大众性、中国风和国际化中找到平衡点，以走向第二次辉煌。

摘 要：目前的中国动画存在的问题不少：资金不足、大众对动画的认识普遍不全面、质量不高、故事缺乏原创性、审核过严、教育体制不完善、缺少高素质动画人才、外来文化冲击国内市场、缺乏有效的盈利模式等，这些内在和外在的因素阻碍着中国动画产业的发展。值得欣慰的是现在政府也认识到了我国动画产业相对滞后的局面，对动画市场的扶持政策逐年增加，随即越来越多的动漫创作基地拔地而起，越来越多的动画频道进入观众视野，各高校也开设了动画专业，越来越多的中国动画人认识到自己肩负的责任，中国动画市场的未来可谓前景一片大好。关键词：中国动画现状；动画质量；思考在《艺术设计史论》的课堂上老师给我们布置了一个课题，让我们对中国当代设计现象进行反思，了解中国当代艺术设计现状及列举其存在的问题。作为一名动画专业的学生，我对于中国动画的发展现状了解更多，并对中国动画市场存在的一些问题有自己的思考。一、中国动画的现状（一）中国动画的昨天中国动画的起源并不晚，早在二十世纪二十年代，中国的万氏兄弟就已热衷于动画创作和制作，在那个资金匮乏，技术落后的年代，万氏兄弟制作出了一系列动画短片和亚洲第一部动画长片《铁扇公主》，成为中国动画的开山鼻祖，并为世界动画的发展做出了杰出的贡献。值得一提的是，我在观看原美影厂厂长严定宪先生的访谈节目时了解到日本动画鼻祖手冢治虫先生从事动画事业的原因，正是因为中国的这一部《铁扇公主》让他认清了亚洲动画也可以做出自己的风格，从而将他事业的重心投入到动画中去。五十年代，上海美术电影制片厂成立了，在这之后的很长一段时间里，直到20世纪80年代初，中国制作了很多故事情节丰富多样，风格上具有中国民族特色的动画长片和短片。当时的动画还不忘运用到中国元素，创造了水墨片、木偶片、剪纸片等动画形式，为中国动画风格的确立打下了基础。其中木偶片《神笔》，水墨片《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》，剪纸片《猪八戒吃西瓜》，动画片《三个和尚》等作品在国际上得奖无数。1964年完成的《大闹天宫》更是得到了全世界的赞扬，精良的制作加上民族化的风格，使《大闹天宫》成为中国动画的一个里程碑，大大提升了中国动画在国际上的地位[2]。了解中国动画曾经的辉煌对于解读中国动画的现状是十分必要的，因为前人对我们的启示可以让我们认清中国动画真正需要的是什么，使我们静下心来思考能为中国动画的未来做些什么。（二）中国动画的今天任何事物的发展都和他所处的环境、时代背景息息相关。中国自七十年代末开始实行改革开放政策，1981年中国引进了第一部国外动画系列片《铁臂阿童木》（手冢治虫，日本）之后，越来越多的国外动画进入到中国市场，如《蓝精灵》、《一休哥》、《米老鼠和唐老鸭》等商业动画以其生动的人物形象、有趣的故事情节、精良的制作技术迅速吸引了中国孩子们的眼球，从而对中国的动画产业带来了巨大的冲击。在国外动画系列片的冲击下，中国动画开始由生产风格化的动画长片和短片转向了将重点放在制作动画系列片上。作为一名八十年代末出身的学生，我对于这个阶段的中国动画现状是比较了解的，当时制作的中国动画系列片如《邋遢大王历险记》、《三毛流浪记》、《黑猫警长》等动画并不比国外动画系列片逊色，人物场景设计贴近生活，动作刻画细腻生动，故事情节也扣人心弦。但从那之后中国动画就鲜有优秀的作品问世，原因是由于政府狠抓经济建设而忽略了文化产业的发展，从而使得动画人才流失，动画生产量大大削减。虽然以后一段时间政府在提高了人民生活水平的同时，开始大力扶持文化产业，中国动画的产量开始突飞猛进，但文化的发展不会立竿见影，中国动画几乎没有能拿到国际上与别人媲美的作品。其主要原因还是在于故事情节老套；风格一味模仿，毫无特色；制作粗制滥造等。目前的中国动画存在的问题不少：资金不足、大众对动画的普遍认识不全面、质量不高、故事缺乏原创性、审核过严、教育体制不完善、缺少高素质动画人才、外来文化冲击国内市场、缺乏有效的盈利模式等等，这些内在和外在的因素阻碍着中国动画产业的发展。值得欣慰的是，现在政府也认识到了我国动画产业相对滞后的局面，对动画市场的扶持政策逐年增加，随即越来越多的动漫创作基地拔地而起，越来越多的动画频道进入观众视野，各高校也开设了动画专业，越来越多的中国动画人认识到自己肩负的责任，中国动画市场的未来可谓前景一片大好。《2010年中国文化产业报告》显示：2009年国产动画片保持快速发展的势头，产量达171816分钟，相比2008年增幅31%，国产动画片质量得到进一步提高，品牌影响力得到进一步扩大。在国家政策的扶持和帮助下，目前的中国动画市场是一个机遇与挑战共存的市场，问题很多，但伴随着的发展和上升空间也很大，现在我们要做的就是将中国动画市场存在的问题逐一解决，在国家政策的支持下将中国的动画市场建设得更完善[3]。二、中国动画市场存在的主要问题分析和解决办法前面提到目前中国动画市场存在的问题很多。我选取了其中几个主要问题，从内在和外在几方面因素进行分析并提出对策措施：（一）质量不高，需重视教育把关广电总局在《关于进一步规范电视动画片播出管理的通知》中规定，自2006年9月1日起，全国各级电视台所有频道在每天17︰00到20︰00之间，均不得播出境外动画片和介绍境外动画片的资讯节目或展示境外动画片的栏目。各动画频道在这个时间段，必须播出国产动画片或国产动画栏目。国产动画片与境外动画片在播出比例上要达到7∶3。这个政策的出台给中国动画带来了很好的展示平台，是一件值得高兴的事。但同时质疑声也此起彼伏，其最大的原因就是在于对中国动画质量的质疑，很多观众认为中国动画说教性太强，抹杀了孩子的创造天性，如《蓝猫淘气3000问》；制作过于粗糙，让孩子的审美力下降，如《喜羊羊与灰太狼》等等。中国动画的质量有待提高，我认为提高的关键在于对动画教育体制的完善。[3]动画的制作步骤大致分为三个阶段：前期创意、中期制作和后期特效。现在凡是开设动画专业的高校、专职学校都将培养的重点放在中期制作环节上，以软件技术学习为主，忽视学生素质和创造力的培养，动画专业的学生最终都成为了只会用电脑软件的技术工人，这也是导致中国成为动画生产大国，而非动画生产强国的原因之一。其实要做出一部好的动画在其制作的各个环节都应追求精益求精，首先剧本作为“一剧之本”，剧本的成功是动画成功的首要条件，有创新的、引人入胜的故事才能为一部好的动画打好基础；其次人物、场景、分镜头的设计是确立作品风格的关键，一部动画只有有了风格才能谈艺术性；最后丰富的技术手段能为动画增色不少。但其实这三个步骤是一个循序渐进的过程，好的动画需要建立在好的故事或立意的基础上，好的故事要配以合适的风格才能延续发展，技术能为前两者增光添彩。我国动画界的元老特伟先生早在九十年代初就撰文写到：“分析近几年我国动画片创作，的确有不如人家（指国外动画片）的地方。首先在选题上，我们缺乏从宏观角度去挖掘人类共同关心的题材，从而创作出新鲜的有一定深度的作品。其次在表现形式上比较单一，缺乏创新，就是民族风格，也没有广泛运用和开发，再有手法和技巧上也缺乏丰富的想象力，很少有让人拍案叫绝的招数。[1]”我认为中国动画教育可以在专业上更加的细分，并非只是单纯的分为二维动画和三维动画这么简单，可以按照动画的前期、中期、后期三个阶段进行细分，甚至细分出漫画专业，这点其实是借鉴日本的经验，不要把动画与漫画割裂开来，好的漫画故事剧本和人物场景设定可以沿用至动画上，使动画的表现形式更丰富，学校在日常教育的时候应该根据各细化专业特点进行针对性培养。同时，可以将教育和工作室的形式相结合，实行校企合作的制度，企业将项目任务给学校，学生在老师的指导下完成各项任务，动画制作的各个环节都在企业代表、学校教师和学生三方讨论下完成，各专业的学生负责自己的专业专长环节，这样既能保证作品品质，又能解决中国动画前期创意人才缺失，后期技术能力不过关的问题。（二）审核过严，需讲求作品深度中国动画的审核制度过严是一个老话题，主要原因还是在于中国动画还没有推行分级制度。因为分级制度的缺失，很多中国人对动画的认识至今停留在只是给儿童看的卡通片上。其实在国外和我国的港台地区早已经在动画、漫画、电影、图书等各个领域推行了分级制度，“日本漫画的分级制度并非官方颁布推行，而是业界自律。日本漫画有严格的限制级，整体是这样：儿童→少年、少女→青年、女士，按年龄、性别细分，有12岁以下、18岁至20岁、成人等级别。限制级漫画在书店里必须在不同区域摆放，并有专人监督。如果售货员觉得购买者年龄不符，会主动要求其出示身份证。韩国则设有专门负责电影与游戏内容分级管制的机构——‘韩国媒体分级委员会’。针对韩国国情，它分为全年龄、12岁以上、15岁以上与18岁以上几个级别。[4]”之所以要倡导中国动画的分级制是因为现在人们普遍对中国动画的印象是幼稚。但其实动画是一门艺术，受众人群不应该仅限于少年儿童。像奥斯卡提名动画片《美丽城三重奏》、《魔术师》这样立意深刻、做给成年人看的动画在中国几乎没有。因为制度的不完善让中国的动画人“不敢”做动画，即使脑中有好的故事蓝本，要付诸行动也需要顾虑很多。一方面要顾虑做有深度的动画在中国是否有市场，另一方面即使有人理解也不一定能通过国家有关部门的审核。因此，为了使中国动画人毫无顾虑的投入创作，中国动画推行分级制度应该提上议程了。换个角度讲，即使没有分级制度的存在，中国动画也应该转变现状。就好比贺岁档的《喜洋洋灰太狼》上映时，电影院里几乎只有家长带着孩子；每当迪斯尼动画在中国上映，电影院门口等候的不只是家长带着孩子，还有一批年轻的观众群，甚至还有一些中老年观众。在这一点上，中国动画应该改变策略，将受众群体的定位由少年儿童转至老少皆宜。要做到这一点的关键就是在故事的选择上要有深度，一味说教的动画是没有市场的。其实中国动画电影相较动画电视系列片在这方面要做得好一些，其中比较成功的例子有1999年上海美术电影制片厂制作完成的动画电影《宝莲灯》，故事取材于中国的民间传说，立意积极向上，情节悬念迭起，再加上前期设定颇具民族特色，制作精良，宣传到位，成为了九十年代以来少有的叫好又叫座的中国动画影片。所以说中国是拥有五千年历史的泱泱大国，不可能没有故事，只能说现在的中国动画人在学校技能教育的培养下素质普遍不高，注重炫技重于注重故事的立意本身，忽略了动画的本意是传递精神。（三）竞争激烈，需从模仿中探求自身风格随着互联网的发展，越来越多的国外动画进入到中国青少年的视野。以至于现在中国的很多青少年认为美国和日本的动画故事更有趣，人物更有型，盲目崇拜国外动画，对于中国的本土动画不屑一顾。我们在批判现在青少年价值观缺失的同时也应该做一些自我反省，既然美国和日本有先进的动画理念和技术，我们为何不先从学习和模仿开始。之所以想到先从模仿开始，还是受2011年7月面世的中国动画片《魁拔》的启发。社会上对于《魁拔》的评价褒贬不一，有一部分人认为《魁拔》的模仿痕迹太重，无论是人设、场景、动作都在模仿日本动画，毫无中国特色；也有些人持不同观点，认为从《魁拔》看到了中国动画的希望，因为中国人会讲故事了，整部作品的叙事结构有条理，而且原创性强。我个人更同意后者的看法，因为有进步才能迎来突破，《魁拔》让我们看到了中国动画的故事也可以脱离说教化，不用摘自寓言和神话，中国人自己能想故事。而效仿动画强国日本的动画风格其实也无可非议，模仿先进的技术一是为了自身能力的提高，更重要的是为了超越和突破。可贵的是《魁拔》并没有对日本动画照搬照抄，而是在模仿的基础上加上了自己的理解和创新。虽然创新的元素不多，但我相信在不久的将来中国动画不仅能自己讲故事，还能走出自己的一条民族化道路。模仿并非照搬照抄，而是从模仿中探求自身风格，从模仿中先了解到美国和日本的动画为什么那么受欢迎，然后进行归纳总结，取其精华，去其糟粕，再融入自身特色，最后自成一派。当然，我们要模仿的并非只是国外动画的风格和技术，还需要模仿国外先进的动画教学理念，完善的动画运营模式等等。只有真正在认识上有了质的转变，中国动画的发展才能越来越好。三、结 语2008年，美国梦工厂将动画电影《功夫熊猫》搬上银幕，并在动画中将中国元素运用到淋漓尽致。在观看影片时，我感慨于美国动画人无限想象力和他们先进的制作技术，同时也在思考，美国人能做出一部这么出色的“中国特色”3d动画来，中国人定能将本国的文化诠释得更好，而达到这个目标只是时间的问题。对此，我充满期待和信心。目前，国家现在正大力扶持动画产业的发展，大批的动画人也正在积极摸索一条适合中国动画健康发展的道路。要克服中国动画发展的瓶颈，我们现在要做的就是学习前辈的精神，延续前人倡导“民族化”的思想理念，对于先进文化和技术努力探索、学习和实践。相信在不久的将来，中国动画一定能摆脱困境，成为世界动画界一颗冉冉升起的新星。（作者简介：徐昌敏，女，上海大学数码艺术学院硕士研究生，主要从事数字媒体艺术研究。）参考文献：[1] 张慧临.二十世纪中国动画艺术史[M].西安:陕西人民美术出版社,2002.[2] 唐晓芬.中国媒介:转型与趋势[M].北京:中国传媒大学出版社,2009.[3] 王冀中.动画产业经营与管理[M].北京:中国传媒大学出版社,2006.[4] 中国动漫分级势在必行[EB/OL].广西新闻网,http://www.gxnews. com.cn/staticpages/20070919/newgx46f0c071-1230169.shtml.[4] 中国动漫分级势在必行[EB/OL].广西新闻网,http://www.gxnews. com.cn/staticpages/20070919/newgx46f0c071-1230169.shtml.

动漫不能只讲产业，不能只在产业上做文章，教育才是其重中之重，在振兴动漫、发展动漫的规划和举措里，需要非经济、非利润、非产业的思索，从文化战略的高度去探讨动漫的未来。这一点或许更值得思考。3月6日，上海美术电影制片厂宣布，包含影院动画片《孙悟空之火焰山》、影院动画片《黑猫警长2》、真人版电影《葫芦兄弟》等在内的10部动画片项目正式启动，这是其继2010年推出“经典动画复活计划”后的再次行动。 这在很多人看来是意味着中国动漫的复活战。作为具有巨大发展潜力和市场空间的朝阳产业，中国动漫产业在过去几年里进入一条“超速车道”。如今在全国范围内，动画公司已超过10000家；动画基地广建，至少有20个城市开拓了自己的动画产业基地；原创动画产量一年已超过16万分钟??在全世界，再没有第二个国家能有这样强劲的提升势头。 据资料显示，2011年全国制作完成的国产电视动画片共435部，261224分钟，中国已取代日本成为世界第一动画生产大国。2012年也延续了迅猛发展的势头，全国制作完成的国产电视动画片共395部222938分钟。全国共有24个省份以及中直有关单位生产制作了国产电视动画完成片。但是投入大、公司多、产量连年攀升并未获得市场、俘获人心。中国的动漫产业却依然存在繁而不盛、产量多精品少的现象。 原因何在？“其实中国动漫目前还只是一个行业，还没有形成动漫产业。只是在起步，在摸索，在朝着这个方向走。”中国动漫集团有限公司党委书记李扬告诉《环球财经》记者，目前中国动漫还处于零散状态，动漫制作公司虽然很多但都是散兵游勇，产业链还没有形成。 不可回避的现实是，早前的中国动漫在很长的一段时间内成为世界动漫的“加工工厂”，做代工虽然挣到了快钱，但丧失了话语权，走出国门步履维艰。“不做帮工做原创”是中国动漫的梦想。但中国动漫人究竟如何应对未来需要，我们今天的动漫发展究竟“卡”在哪里，如何才能走出一条“通”路？ 从荣光到没落 说到中国的动漫，不得不提到中国的动画。其实在上世纪40年代，中国动画是“风光无限”的。中国动画史上的“里程碑”——《大闹天宫》曾经震惊国际动画界。英国《电影与摄制》杂志称他是“最活泼、优美生动，叙述方法简洁、流畅，具有中国独特的艺术风格”。上海万氏兄弟制作了亚洲第一部动画长篇《铁扇公主》，据说，日本动画片《铁臂阿童木》的导演、日本漫画鼻祖手冢治虫，就是在看了这部动画后放弃学医，决定从事动画创作的。他后来到中国访问，专门画了阿童木和孙悟空相聚的漫画。 建国之后，一大批动画人才云集上海美术电影制片厂，包括中国动画电影的创始人万氏兄弟、美术家靳夕、儿童文学家金近、著名动画片导演特伟、钱家骏、唐澄等等，无论从影片数量，还是影响范围，或者影片的艺术成就，应该说上海美术电影制片厂在中国动画史上留下了精彩的篇章。创作于这一时期的《神笔马良》、《小蝌蚪找妈妈》、《大闹天宫》、《三个和尚》??等45部动画作品在各大国际电影节上先后73次获奖。这就是被国际评论为“达到世界第一流水平，在艺术风格上形成了独树一帜的中国学派”。 但从上世纪90年代，我国的动画开始走向衰落。随着1995年，上海美术制片厂市场化经营后，由于成本原因而不再生产水墨动画，中国动画出现分流和停滞。“题材限制，思想老化以及大量中国动画人才的流失都让中国动漫行业步履维艰，倒退数十年。” 北京电影学院副院长、动画学院院长孙立军告诉记者，中国动画没落和当时的社会环境也有很大的关系。 80年代后，电视机开始普及，此时的中国动画仍是以影院动画为主，影院动画制作周期长，片长较长，无法满足电视的播放方式，这直接导致了动画片的市场有所减少。而在同一时期，日本动漫产业发展到全盛时期，美国日本等强国的动画作品在这一时期引入了我国。这些动画片的题材以及故事结构都让看惯了神话传说的中国观众耳目一新，中国动画自然被抛弃，渐渐地失去了市场。 除此之外，改革开放以后，中国动漫高端人才的大量流失和动画从业者还是站在艺术水平很高的台面上制作动画，而没有适应市场的变化，没有扩大动画内涵，没有扩大动画的市场对象也是重要的因素。随着国门的打开，美日动漫渗入，中国动漫人才没有对中国动画进行进一步的改造，而是一味地学习和模仿美日现今的动漫创作理念，最终导致了“中国学派”动画的消失。 喜痛交织 2006年，随着国务院出台《关于推动我国动漫产业发展的若干意见》，中国动漫产业复兴的大幕重新拉开。特别是2009年两会期间，发展动漫产业首次进入总理《政府工作报告》，也给动漫产业注入了更为强劲的兴奋剂。 时年7月，国务院办公厅转发了财政部、教育部、科技部等10部门《关于推动我国动漫产业发展的若干意见》，提出力争在5~10年内使中国动漫产业创作开发和生产能力跻身世界动漫大国和强国行列。在政策上也对国产动画片做出了保护的态度。尤其是9月1日起央视及各地方电视台的所有动画频道、少儿频道、青少年频道以后在每天黄金(1428.70,-7.90,-0.55%)时间必须播出国产动画片。同时，将各电视台原来国产动画片与国外动画片播出6∶4的比例提升到7∶3。 国家政策的扶持与倾斜对于地方政府来说，无疑是发展动漫的最好机遇。数据显示，2006年，全国已经有20多个省市将动漫作为新兴的产业大力扶持。而当年全国动画制作机构从120多家猛增至5400多家，国家广电总局共收到全国91家动画制作单位报送的申请立项剧目共245部、15605集，长度为211071分钟。 也在这一年，动画片出了一些新作。2月5日，湖北省江通动画股份有限公司制作动画片《天上掉下个猪八戒》从2月9日开始，每晚18：05分在中央电视台一套播出。上海美术电影制片厂还献出了《西岳奇童》。该片自7月1日起在上海公映，首日票房20万元，两天冲破40万元，上座率超过八成，临时加洗拷贝??公映短短一周，上海联和院线票房已突破100万元。 但正如硬币的两面，伴随着动漫产业风声水起的同时，受日本和美国冲击的中国动漫产业并没有完全意义的复兴。 “其实这在政策上的保护是欠妥的，因为补贴的方法不是激励。现在的补贴对支持动漫产业，拓展弘扬动漫产业可能会起到反作用。”李扬说。这一说法也得到验证，2011年我国动漫产业总产值达到621.72亿元，而同年的GDP总量为471564亿元人民币，动漫产业仅为GDP贡献了微不足道的0.013%。这与日本平均6%、最高超过16%的数据相比，暗淡许多。 是什么因素造成了中国动漫目前的尴尬？说法各异，不一而足。 “限制中国动漫发展的有三大瓶颈：一是动漫既然是产业，就应该有完整的产业链，但产业链被行政部门用行政手段人为的分割了，不能形成一个整体。第二是，从监管层面讲，中国目前这么大的动漫市场，但是缺乏监管机制。第三，在于人们的理念，现在动漫被当成了一个生意在做。”李扬告诉如此向《环球财经》表述。 文化部文化市场司司长刘玉珠也指出：“尽管近两年国内开设动漫专业的高校院系有近百个，在校人数近万人，但还是供不应求。当前我国动漫界缺的不是技术人员，而是有创意的编剧、导演、策划以及营销人才。这也是国内很多动漫产品无法吸引观众的根本原因”。他认为，我国动漫产业的先天不足也显而易见，完整成熟的产业链有待形成，创意和营销人才严重不足。 “我们可能是超过95%以上的动画片受众都是低龄的，这是我们目前可能国产动画需要创作者们、行业主管冷静审视的问题。”孙立军告诉《环球财经》，由于人们还停留在动画片是给小孩子看的这种观点上，我国动漫作品受众局限性很强。 “这其实是因为时代不同了，我们的国情也不一样了。那时候，中国没有市场化，动画也没有产业的概念，我们会不计报酬，集合全中国最优秀的动画师、造型师、编剧等等人才来做精品动画。”中国动画学会教育委员会副主任、北京大学文化产业研究院动漫游戏研究中心主任邓丽丽在接受采访时也表示，市场化给中国动漫带来了更多的挑战。 除此之外，更多的业内人士把中国动漫的掣肘归结为缺乏原创的动力和播控平台仍然处于半市场化的状态上。 “动漫企业首先要先活下来，而活下来的方法就是：继续代工。这就是中国动漫缺乏原创的原因。另一方面，即使考虑中国元素，大多数中国动漫品牌也还是停留在对传统文化里角色的挖掘上，具有创新性的形象品牌甚少。即使是经典的形象也无法推陈出新，几十年不变而让人失望。”雨桥动漫公司创始人乔彧在接受媒体采访时候如此表述。 “以电视动画片为例，正常制作成本在1万元/分钟左右，但在中央电视台的播出收入仅为200元/分钟，远远低于国际市场上2万元/分钟的普遍收购价格。”乔彧说，即便企业能从地方政府争取到补贴，也很难改变动漫企业的现状。因此，不少动漫企业为求生存，只好粗制滥造来降低成本、拉长分钟数来换取政策补贴。 复活进行时 但作为文化创意产业中最为活跃和所占比重很大的动漫产业不能因噎废食，该如何转变思维继往开来？中国动漫产业的崛起路径又该如何？成为各界讨论的话题。 “动漫首先是一种艺术，他是看得见的；但动漫的魅力在于他不仅是艺术，通过开发出玩具等许多衍生产品，演化出动漫商品，又是摸得着的；动漫衍生品包含衣食住行、吃喝玩乐等方方面面，和生活息息相关，因而我们还要追求用得上，形成完整的动漫产业链。”孙立军认为。 “今后要吸取国外先进的经营理念，把动画片制作和衍生产品、网络游戏、会展、动漫乐园等都联系起来，做成完整的产业链。除此之外，动漫产业管理协会要尽快成立，对这个行业加以资源整合，使小、散、弱的现象尽早改观。”李扬在2013年两会上如此表述。 《功夫熊猫》导演约翰·斯蒂文森曾说，高产不一定就是动漫产业发展的高速路，绕开“从创意到财富”的产业规律，大量“短平快”作品只能降低行业的整体水平。对此，在业界也有共识。很多业内人士也认为，中国动漫企业仍需在对外交流中学习国外动漫输出强国“讲故事”的方式，把中国文化富矿开发出来，坚持内容为王，增强作品的实力。 不过也有动漫公司反行其道。从单一的动漫制作向产业链上下游市场转型。“如果仅靠原创动画片运营来维持公司的生存并不现实。动画片需要投入巨资来制作，但后期只能通过电视台这个仅有的平台播出，企业所赚取的播出费十分可怜。虽然，通过动画衍生品也能有些收入，但如果动画片影响力不够，衍生品又怎么能赚到钱呢？”青岛漫视传媒有限公司总经理王欣道出了动画企业发展的现状。 据报道，日前，青岛漫视传媒有限公司成功牵手服装企业，为其量身提供儿童服装系列的整体卡通动漫设计，并计划于下个月正式签约。而从去年开始，漫视开始向裸眼3D电视项目进军。今年，漫视在完善其裸眼3D技术手，进一步“牵手”电视生产厂商展开实质性合作。 无庸置疑的是，动漫产业作为文化产业战略优先扶持的行业，目前已经牵扯了从政府到业界甚至资本的介入。但有观点认为，动漫不能只讲产业，不能只在产业上做文章，教育才是其重中之重，应该将动漫视为素质教育的重要渠道来看待，从塑造国家未来的角度去考虑。在振兴动漫、发展动漫的规划和举措里，需要非经济、非利润、非产业的思索，从文化战略的高度去探讨动漫的未来。这一点或许更值得思考。

《小蝌蚪找妈妈》《三个和尚》《阿凡提的故事》《葫芦兄弟》账面繁荣难掩日本动画行业的危机，原本让他们独树一帜的创造力，逐渐演变为一场为取悦观众而上演的IP空洞化游戏。随着5月28日3D动画电影《哆啦A梦：伴我同行》在中国内地公映，不少70后、80后掀起了一股怀旧潮。正如其他日本动漫作品一样，《哆啦A梦》陪伴了他们的成长。在片中，这位胖胖的机器猫最终告别了主人回到未来，这也是这部作品被称为“告别版”的原因。某种意义上，这也是日本动漫正告别昔日辉煌的一个象征。看上去，日本已经顺利度过了一个动画产业寒冬。在经历了2008—2009年的低谷后，日本动画产业开始了稳步增长，并于2013年达到了动画市场产值的峰值20.07亿美元，这比此前于2006年创下的历史峰值高出了近1100万美元。更好的消息来自海外市场，2013年日本动画内容海外出口额超过1亿美元，创下了历史纪录。一些乐观的日本动画从业者确信：冬天已然结束，另一个春天正在到来。但事实并非如此。值得注意的是，在2014年9月日本动画协会统计上一年度动画市场产值的时候，扩大了统计种类，首次将动画歌曲演唱会、音乐剧及展示会带来的收入纳入了计算。造成这种变化的原因是，2006年之后，日本动画行业围绕IP资源开展的衍生品市场逐渐成为了真正给动画制作公司带来收益的产品项。以2013年为例，总产值20.07亿美元中，动画衍生品产值占总额的60%以上。衍生品市场的火热直接导致在产品种类上的多元化探索，动画歌曲演唱会和音乐剧已经从各个制作公司的“实验项目”演变为了必备产品。但是这种将每个IP资源竭尽所能开发的衍生品模式已经开始遇到挑战。日本专门研究动画形象市场价值的公司Character Databank通过调查发现，2013年传统大火动画形象的衍生品销量开始下滑，传统的购买群体在购买频率方面开始减少，反而是以前动画制作公司衍生品的非目标人群增大了消费量。这与美国市场非常相似，迪士尼的常规衍生品销量已经连续多年下滑。造成这一现象的重要原因是，在日本动画市场，成功已久的动画IP依然占据着屏幕主流，而新的动画形象尚不足以取代这些IP。以2014年为例，日本票房最高的三部动画电影是《浪客剑心》、《名侦探柯南》、《哆啦A梦》，这三部都是诞生超过10年的老作品。这些成功已久的动画IP不仅是观众的屏幕常客，同时也是衍生品常客。除了深度粉丝，普通粉丝并不会像购买快消品一样购买这些动画的衍生品。所以，推出新款衍生品并不意味着一定可以增加衍生品的整体销量。更大的隐患来自日本动画行业“以市场反应决定作品生死”的游戏逻辑。在日本，经常会出现这种情况：新推出的动画原本预计播出12集，却因为收视率过低而在8集甚至3集的时候就草草收场或宣布暂停项目。与中国不同，日本动画并非一次性制作完成全部内容后交付渠道方发布，而是采用定期制作、定期连载的方法。这就让收视率（或销量）成为制作方最重要的参考系。这样的游戏规则，已经让日本这个动画大国逐渐变为在动画发布上非常谨慎的国家之一。根据日本动画协会的统计，2013年日本动画新作品数量相比2012年有所减少，相比中国动画市场热火朝天制作新IP的现状，日本可谓保守。而唯市场论也让日本动画制作公司逐渐成为“市场追随者”而不敢轻易发布颠覆性作品。宫崎骏和庵野秀明两位日本动画巨匠曾多次公开表示，日本动画行业一味追求萌、腐、宅的氛围终有一天会摧毁整个行业。其实，并非日本的动画制作公司没有理想，是现实的压力让他们不敢对市场随便点头。在日本，大部分动画制作公司都是15人以下的小团队，这些公司基本上处于卖一个作品才能有钱做下一个作品的状态。而针对这些小制作公司的融资、贷款服务并不丰富，除非是有一定知名度的制作人掌舵，否则这些小公司基本上不会有富余的经费来让他们做一款没有被市场验证过的类型动画。这也导致大部分日本动画制作公司扎堆于几大成熟类型，而对未验证过的类型、题材不感兴趣。随之而来最大的风险是：观众终有一天会看腻了这些同质化作品，并逃离这个空洞的动画市场。