中国动漫产业现状如何走向产业之路

2013
09/03
21:30

中国国际动漫网

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21世纪是一个转型的世纪,世界的发展进入了一个知识科技时代,经济发展趋于转型不在是以传统的产业发展来撑起着世界经济,然而动漫产业作为文化产业的后起之秀,正确经济全球化的过程中扮演着越来越重要的作用,作为世界动漫产业的一部份,中国动漫产业也随之余出,当前的中国动漫产业拥有广阔的市场,但同时也面临着重要的挑战,如何摆脱现阶段被动的局面,以高质量的动漫艺术夺回国内市场同时走向世界走向未来,如何探索一条合适于中国动漫发展之路,则是中国动漫界当前最急需解决的问题,而一切解决问题的根本首先是来源于对事物的认识,本文着重对中国动漫产业现状进行分析,结合实际情况,总结中国动漫产业在发展中遇到的一些问题,并提出自己对解决这些问题的一些建议或者意见进行探讨。

一、概述

从世界范围内看,动漫产业已经成为21世纪知识经济时代的产物也是一种无烟产业,世界发达国家一向非常重视动漫产业的发展,它已经成为各国争先恐后发展的文化支柱性产业,早在很前的一段时间日本的动漫产业已经一度超过钢铁等产业的产值,成为仅次于旅游业成为第二大产业,在美国,韩国等国的发展也极为的可观,然而对中国而言,动漫产业也已经不是一个新的概念了,而是耳孰能贤的新兴之词,但是尽管很新,发展却问题丛丛,远远落后于发达国家之列。

世界的发展离不开中国,中国的发展也离不开世界,在经济全球化的背景下伴随着中国经济的崛起,动漫市场也在随之慢慢壮大,国外动漫产业正在大举的进攻逐步慢阔的中国动漫消费市场,而面对国外成熟的动漫产业,相比中国的动漫产业还正处于初级阶段,随着中国经济的进一步转型,动漫产业也越来越成为国民经济中不可忽视的一部分。而其在发展过程中也会遇到越来越多的问题和挑战,怎样客观的认识问题解决问题,探索出一条适合于本国动漫产业的发展之路,这不仅对动漫产业的发展致关的重要,而且对中国经济的发展及其民族文化的发展都有重要的现实意义。

二动漫产业的现状

(一)中国动漫产业的发展状况

动漫产业,是指以“创意”为核心,以动画,漫画为表现形式,包含动漫图书,报刊、电影、电视,音像制品、舞台剧和基于现代信息传播技术手段的动漫新品种等动漫直接产品的开发、生产、出版、播出、演出和销售,以及与动漫形象有关的服装,玩具,电子游戏等衍生产品的生产和经营的产业。

中国动漫产业的发展起步比较早,历史悠久,但是还是处于初级阶段,纵观中国动漫的发展历史。从上世纪20年代到现在也有过历史辉煌的一页,但是很遗憾的是都没有以一种产业的发展形式展现在我们面前,中国动漫的发展可以追溯到上个世纪的20年代,直到现在已经也有一段时间了。

说起中国动漫,我们可以从尘封的竹简巾中倒出一连串的豆子,如《骄傲的将军》《小蝌蚪找妈妈》《大闹天空》《三个和尚》........遍数家珍,一系列动画片的出世,相继带来的是中国动漫的辉煌发展,从发端期(二十世纪三十年代)到辉煌时期(二十世纪六十年代)到后来的转型期,一共经历了大半个世纪的风雨历程,其中前期主要是为了社会的某些需要而发展前进着属于非营利性的创作,并没有形成真正意义的产业规模,60年代后期以来,世界各国动漫的兴趣并迅猛的发展,以美国,日本为首的动漫强国正在以惊人的速度崛起着,80年代后期中国动漫产业也迎来了一种全新的发展模式,即软服务外包,以美国等国家的动漫企业为了节约制作成本纷纷把制作环节交给中国做,著名的动画片《花木兰》即是取之中国又是来自中国,这种发展模式使中国动漫一直面临着一个难堪的剥论,逐渐的失去了自我创新的意识和能力,一方面国内动漫企业大部分是外国动漫的加工产,为美日动漫做加工制做而得以存活,原创动漫生产极为的薄弱,另一方面对的国内广阔的动漫消费市场被日美动漫占领着,包括影视播出市场,音像市场,以及衍生产品市场都被外国的动漫产品占领,因而中国动漫失去了原因的竞争能力,这种状态一直延续到21世纪的开始才慢慢的被打破,当然基于前面所形成的种种问题,确实与我们这个经济的发展息息相关。

2000年以来经过打破计划经济体制后的几年阵痛,中国市场机制慢慢的活跃起来,中国动漫逐渐出现了令人欣喜的生态,中国动漫终于迎来了发展的春天,首先随着中国经济的进一步崛起,改革开放的程度进一步加深,一些原有的思想观念被一一的打破,这使中国动漫在创作上有了一个较为宽松的创作环境和市场运作空间,从而促进了国内整个动漫产业的快速发展。

随着国内改革开放的进一步的加深,经济发展到一定水平,迫切的需要产业升级,改变原有的经济增长方式,于是国家在发展的过程中政策也慢慢倾斜于一些文化和其他新兴产业,在很大程度上也促进了中国国产动漫的发展,其次随着中国市场的进一步对外开放,与国外的交流进一步加强,一些守旧的观念也得到了很大程度的更新,创作者能在很宽松很自由的艺术环境里中放开手脚的进行创作,尽情的展现自己的丰富情感,表达自己的艺术观念,促进动漫作品的多形式多方面的发展,培育着多群体多层面的动漫消费市场,随着蓝猫等一些经典角色的出现,一些衍生产品开始产生,中国动漫正逐步的由单一的产业体向整个产业链延伸的发展,动漫逐步与商业生活接轨,从而整个动漫产业的影子才模糊的显现出来,并逐渐的清晰起来。

(二)产业优势

中国动漫产业的发展离不开原始积累的种种因素,也正是因为有这些才能在以后的产业腾飞之路上走的更远。面对着国内旺盛的需求市场,一时间投入动漫产业的企业也数以万千,纷纷泳入市场,争取发展的一席之地,而这样的现象不是偶然的,然而中国动漫也有其固有的发展优势。

1、前期的动漫的发展积累了丰富技术经验

中国动漫发展历史悠久。从早期的《骄傲的将军》到《小蝌蚪找妈妈》《三个和尚》在到近几年的《蓝猫淘气三千问》长期的发展为中国动漫的发展积累了丰富的技术上的经验,以及形成了较为完整的管理经营模式,随着中国经济的进一转型国家在政策上和资金上给予大量的支持,这有效的促进了我国动漫产业的发展,加快乐动漫产业规模化的速度。

2、历史文化底蕴很浓在题材可发觉的空间大

中国是一个拥有五千历史的国家,文化远远流传,民族文化多样,有着许多经典的民间故事和优良文学作品,比如说《三国演义》,《西游记》《花木兰》等,这些都是优秀的动漫创作题材,动漫的发展离不开的好的故事创作,五千年的历史积累的丰富文化底蕴,这就为中国动漫的发展提供最为根本的发展创作源泉,奠定了发展壮大的基础。

动漫是一种文化的延续,也是一种现在文化的表现,没有好的文化底蕴也就没有好的作品出现,也就没有发展的动力。中国的动画片《大闹天空》就曾经取得辉煌的成就。历史的发展告诉我们,从美国的动画大片《花木兰》在到刚上映的《功夫熊猫》一种类似灵魂式的东西在其作品中涌动着,可以看到很鲜明的中国元素,历史在又一次告诉我们中国元素的成功性是不可替代的,而《功夫熊猫》更是以史无前例的票房取的压倒性的胜利,形成巨大的商机,而国内市场这样的成功案例也不少见,中国60年代的水墨动漫《小蝌蚪找妈妈》和《三个和尚》就在国际获得良好的声誉。

3政府在政策上和资金的支持

伴随着中国经济的进一步发展,改革开放的进一步深入,迫切的需要转变经济增长方式,而文化产业是中国经济界为追求高附加值经济利润所寻找到的一个全新的经济突破点。从某些方面上讲“文化产业”可能低成本,高化创意,长周期而获取几倍以上的纯利润,而动漫产业又是文化产业中的先先行之兵。各地方政府,都纷纷出台措施促进各地动漫产业的发展,在政策和资金上都向其倾斜,于是间各地的“动漫节”,“产业论坛”相继在各地开花,据了解截止2008年末我国的动漫产业的产值已经达到260亿人民币。并且我们动漫市场还有1000亿元人民币的产值的空间等待开发。面对如此巨大的市场商机和文化影响力,各地政府更是倾心打造,在沿海的一些地方一些于动漫有关的显目纷纷展开,比如说厦门,深圳,和杭州等地。

中国动漫产业正面临着政府有力推动,市场强力拉动,“互动效应”十分突出的形式,走出了在发展模式上的一条新路子,一些企业的介入更使其发展迅速。

4动漫的经营运作模式产生与制作的成熟

通过80年代以后中国动漫界成为海外市场的技术加工工厂后,中国动漫在其技术上和管理经营上逐渐走向成熟,逐渐形成一种较为科学的管理经营模式,并且粗略的产业链也渐渐完整,向蓝猫等动漫产品还已经推向了海外市场,动漫产业的发展离不开广阔的市场,同时也离不开好的技术和先进的管理经营理念,在水墨二维动画中,在制作的环境上积累了丰富的经验和相当的艺术水平,并以逐步迈向三维制作的趋势中向前发展,2008年上映的国产三维动画片《秦时明月》掀起了国内三维动画的创作旋风之路。

而在创作题材上面对着国内和国外市场,创作者也逐渐改变某些创作观念,不是单纯的把动漫消费群体定向的锁向儿童,而是以更加注重大众化,更加全面,更加完整的方式面向社会的没一个阶层,个个年龄段的动漫消费者,完成了由动漫连续短片向商业动漫电影的过度,比如说2008年一部《喜洋洋与灰太郎》动漫影片就在国内获得相当大的成功,一时间传为佳话,一傲人的成绩揭开了中国动漫的影院动画的发展之路。

另外是中国动漫发展的过程中一些逐渐成熟的管理经营人士,他们更专业的经营于动漫产品的开发与营销和管理,使得中国动漫产业的投资回报率进一步的提升,推动了整个行业的发展。

5市场前景广阔

中国经济在迅速的崛起,伴随的是人们生活水平的进一步提高,人们的精神物质生活越加的丰富,而且中国是一个人口大国,按照经济学原理消费者哪里市场就在哪里的说法,那么整个中国动漫消费市场将是全球动漫市场增长的一级市场,一方面我们的消费结构正在逐步的改善,精神消费越加的需要,而动漫产品确正值一种精神消费,最近一个动画片上映的表明,我国的动漫产品消费不仅仅是单单的像过去一直所强调的儿童消费市场,而发现其市场已经走向多元化,有些方面已经趋于成人化,不局限于哪一阶级,并且这种趋势已经成为一种不可阻挡的趋势中发展着,另外按照我们目前的需求来讲我们的动漫产品需求的缺口非常之大,前面已经说过还有1000亿人民币的未开发市场。

就我们目前所上映的动画片中有大多数是从国外进口的,这就说明我们原有的国内市场,对于我们国产的动画片及其他动漫产品依然有很大市场开发空间,经预测表明未来中国动漫节目需求量为一百八十万分钟,而国产所占比例很小,除去进口的而为MP4,手机,掌上电脑,网络,电视,车载电等新媒体提供的娱乐性动漫节目,无疑要催生一个更加巨大的消费市场。

再一个我们从动漫产品的衍生产品开发市场来看市场空间更大,据了解,目前我国每年有六百亿人民币的文具产品销售额,二百亿人民币的玩具销售额,已经一百亿元人民币的儿童音像制品和儿童出版物等,在某种程度上都有依赖于动漫产业的发展和带动,由此中国动漫产业的产值将有望在近几年超越千亿元人民币,达到一定规模。

6动漫新生力量的兴起

给和我们国家经济的发展的大趋势,整个动漫产业几乎是由新中国刚成立的初步发展起来的到60年代的进一步发展,在到80年代的哦进口加工的服务外包,这样的一个又一个的阶段发展而来,在回到60年代的中国动漫,那些作品无疑是中国动漫史上的辉煌表现,曾经在世界动漫史上也是首屈一指的,但到80年代之后我国的动漫作品的原创性逐渐的没落下来,而只是以加工服务外包为主,国产经典动漫角色几乎等于零,甚至美国有些动画大片,如《花木兰》的制作项目也有在中国完成。

一直到21世纪初,中国动漫才子创作上逐渐有了起色,但回过头去看这样一种发展模式和他固有的历史根源并不是对我们今天的动漫产业的发展毫无益处,而然我们可以发现当我们在发展服外包的同时,我们也影响和改变着自己,这种影响不仅是技术上的也是观念上的,相比来说一些进口美国动漫作品或者是日本作品,他影响着中国的一代人,而这一代人就是我们今天所扮演重要角色的年轻一代,这一代他们由于受到了高等教育的滋养相比以前的动漫工作着有更多的不同,他们在技术上会用一些新技术,而非传统,比如说比较流行的三维动画作品,而在创作观念上,由于受现代文化的影响,一些来自国外的或者国内的先进文化的表现都被他们所接受,也许这是代表着一种时代的进步,新生代必须要有一套新的思维,新的理念在演义这个发展的世界,才是一种先进文化的代表,而伴随着世界的发展,这种先进文化也逐渐被人们所接受,并展现出无限发展的顽强生命力。

中国动漫的发展重在人才,国内动漫新生代的崛起,在加上中国古老文化的魅力重现势必促进中国动漫产业的快速崛起,成为当前经济危机下的中国经济的又一增长亮点。

(三)中国动漫产业存在的问题

尽管我们发现中国动漫产业经过近几年的发展也取得了一些可喜的成绩,虽然这样,而且我们也发现中国动漫产业在发展的的同时,也有相当的产业上的优势,可以让我们发挥而用之,但是虽然好景近在眼前,同时中国动漫产业在发展的过程中也面临着巨大挑战和存在着许多问题。

1开发意识缓慢缺少创新意识

目前,纵观国际动漫,以美国日本等国为主的动漫发展大国,他们的动漫产业在国家经济产业构成中都占有相当比例,动漫产业是英国的支柱性产业,甚至在日本也是他本国第二大产业,美国的网络游戏业已经连续好几年超越好莱坞的电影业成为该国的最大娱乐业,而这些国家都是以原创动漫的开发为主的产业方式,而且走过来漫长的历史,相比之下我国的动漫产业才刚刚起步,国内的动漫数字娱乐,自主研发的能力弱,原创能力比较低,基本以引进加工代理运营为主。

尽管有些省份动漫基地大力的开发具有民族特色的动漫形象,而市场却怎么也火不起来,动漫影视和网络游戏的消费群体主要是青年,还是比较单一,但是他们也是中国动漫教育学研的后背力量,并且他们从接受动漫时就受日本,韩国等国家动漫开始时的作品,民族性文化的重熏,从而对本土文化缺少了解,使中国的动漫缺少传统的传承。

在国内现阶段原创动漫作品的数量,不仅无法满足市场的需求,甚至无法满足播出的要求,有些所谓的原创变为一种简单的模仿,在人物形象,故事情节,语言风格,画面质感等方面都有比较多的“崇日”“崇美”“模韩”等现象。

2市场培育不健全

传统的动漫市场,我们可以分为三个层次,一是播出市场,二是卡通图书和音像制品市场,三是衍生产品,其中最后一个层次比前两个层次周期更长市场更广,并且盈利也是最后一层次比较多,在西方传统的动漫产业里,往往都是在某一个动漫角色上大下功夫,我国动漫产业衍生产品开发泛力,而产业收益70%源自衍生产品,中国原创动漫主要是拿稿费,主要的平台上电视台和动漫杂志,但是现阶段原创动漫杂志纷纷倒闭,由此可见中国动漫市场的培育几不完全,很不平衡。

打个比方在日本和美国,如果动漫家的原创作品首先是在周刊上发表,反向好的作品就会得到杂志社的支持,使作品得到广泛的传播,杂志社将作品印发成单行本漫画家像流行的歌手,影视巨星那样拥有广阔的知名度和社会地位,而在中国却是从来没有的事。

从今几年来看,中国政府出台的一系列政策扶持本土动漫产业,在各地举办动漫节,例如:厦门国际动漫节,杭州国际动漫节,等来加强市场的宣传力度促进动漫产业个缓解的发展,来培育动漫市场的发展。

3产业链不完整

动漫产业一般由动画前期市场调研和策划,动画生产制作,动画片营销(发行),动画片的播放,动画片的衍生产品开发经营五个部分组成,环环相扣的产业链,在这个产业链中每一个环节的运作质量都直接影响到下一个环节的成败是一个相互交叉又相互制约,相互促进的有机整体,而这些其中的每个环节又牵扯众多的行业发展(如策划公司,动画制作公司,广电业,出版业,玩家业,服装业等20多个行业)目前在国内的动画片中,动漫的产业链根本没有建立起来,往往是动画节目的制作后,除了完成播放一个环节则基本处于被动停滞的状态,好一点的有图书与音像进行出版发行,而玩具和形象授权更是凤毛麟角,动画片光靠播出根本无法得到相应的资金回报,必须通过产品的衍生开发才能实现盈利。

如今来讲,网络的发展又为动漫的发展传播提供了又一个平台,而网络动漫产业的前锋,漫画创作是产品的创作基础。影视动漫的产业主体,动漫舞台剧是产业的延展和提升等等,其中每一个环节都有拉升和整合作用。此外就现阶段来讲,玩具等周边产品的开发环节,当然现在还有一新的开发形式式就是动漫游戏。

动漫游戏是一个复合概念,一般而言漫画是起点,动画是运动的漫画,游戏是互动的动画,动漫游戏是以文化为内涵,以创意为核心,以科技为手段,以娱乐教育为目的,进行动漫游戏产品及衍生产品的研制开发,出版发行和运营的新兴文化产业,它是属于知识密集型创意产业是以高科技为载体的现在产业,是以文化为内涵的内容产业,是高投入高附加值与高风险并存的产业。

就动漫产业来说,整个产业链条比较长,以动漫游戏为例,它的盈利模式独特,完整的动漫游戏产业链一般从研发制作和销售,到图书和音像制品发行,教育软件的开发与传播,再到玩具,文具,服装等衍生产品的开发,经营与销售,以及主题公园的建立等,通过开发动漫游戏形象的品牌价值,可提升授权产品的市场价值,使其边际效益递增,就我国近几年的行业状况来看,发展迅速以巨人,盛大为行业巨头对游戏产业发起猛攻,随着“征途”,“三国志”等一些国产游戏的推出,并取得比较理想的收益,但就目前我国游戏产业盈利现状来看,市场开发极度的不完整,国产游戏主要的盈利环节是游戏产品的直接消费,而动漫产业链的部分如市场调查研究也才刚刚做起来,而衍生产品的开发速度更为的缓慢,几乎也等于零,因此放弃了大的盈利渠道,导致有些项目无果而终,产业链的极不完整,造成有时候损失巨大,从国际经验来看,衍生产品它创造的发展价值带来的效益是巨大的和增长空间是很大的。

纵观欧美,日韩动漫产业链不仅衍生到传统的消费品企业更成为媒介的传载体,形象的增值性与受众的互动性是开发的重点,特别是网络游戏个商家在积分奖励给玩家奖品也不失为一种有效的途径,动漫拉动了多个行业的发展,遍布产业链的每一个环节,相比国内动漫市场中这些方面做的相当的不够,产业链的每一个环节开发远远不够完整,还有待提高。

4各环节人才缺失

中国的发展离不开尖端的人才,21世纪最缺少的也是人才,同样在国内的动漫产业领域也是,中国动漫产业链的搭建缺少优秀的人才包括创意,研发,市场营销,管理等各类人才,与传统的动漫强国相比还相差甚远,现有的动漫产业团队如何做到不:缺角“已经成为中国动漫企业的发展之痛。

创意和营销人才严重不足,尽管近两年国内开发动漫专业的各高校有很多,在校人数还是供不应求。远远满足不了当前产业发展的需要,就当前国内动漫界而言,最缺的不是技术人员,而是有创意的编剧,导演,策划以及营销人才,这也是国内很多动漫产品无法吸引观众的根本原因之一,以至于市场很难做大做强。经营人才的匮乏制约着产业的升级,一些较好的原创作品各环节比较零散,没有衔接成产业链,因此人才缺失成为我国动漫产业发展中的一大瓶颈,直接关系到行业的兴衰成败。

三、各地区动漫基地的发展

(一)北京地区

北京地区作为中国的政治,经济,文化中心,其在动漫产业发展方面也走在比较前面,北京在动漫发展交流和国际视野方面有着它独特的背景,北京建设与专业的国际动漫博览会,专业卡通漫画杂志以及北京卡通世界博物馆。

作为全国的四大动漫之一的北京,它有着它独特的优势,深厚的文化底蕴,以至于使北京的动漫前景发展十分乐观。不仅是文化,科技与创意相结合的产业结构要求,还是政府,企业与公众共同努力的整体环境要求,北京作为其政治文化中心国际交流中心都促进着其动漫产业的发展。

目前,北京凭借其优良的资金,人才和科技条件。已在动漫游戏产业中体现出极具潜力的发展势头。据了解截止2008年北京市动漫出版物,电视(网络)播映市场规模达到1.02亿元,年增长率为6%.:同年游戏市场规模达到30.6亿元,年增长速度为42.7%.目前北京市动漫游戏产品已经出口亚,欧,美等地,动漫游戏产业作为北京市文化创意发展的八大重点行业之一,将和其他七个行业分享北京市政府每年5亿元的文化创意产业专项扶持资金。

北京市政府为重点支持北京动漫游戏产业技术发展平台的发展,将在该显资金投入使用的第一年,从中划款专拨,用于中关村海淀园,石景山园等的产业发展,相对聚集区购买公共技术支持设备,为业内中小企业的发展提供服务。

(二)长三角地区

以上海为龙头,浙江,江苏为两翼的动漫产业带正在逐渐形成,它将成为长三角动漫产业未来发展和空间拓展的加速器,也将成为覆盖产业链各环节点,促进业内互动的"产业走廊"。

动漫产业带是由若干个具有品牌影响力,产业辐射力的动漫机构牵头,联合长三角个城市共同构建的一种跨地区,跨所有制,跨产业链个节点的综合性的动漫产业体系。同时,它又是一个承载“走出去”“引进来”的资源通道,既是引进国外资本与区域内动漫产业有效对接,也是中国动漫产业和产品走出去的一个有效切入点。

随着苏浙沪三地互动领域的不断扩宽,动漫产业这个第三产业间的合作也水到渠成,尤其是近几年来,动漫基地的纷纷促足长三角,由国家广电总局,科技部,文化部,新闻出版署审批的20家国家级基地中,长三角就有11家,占据了动漫产业的“高地”与此同时。长三角各城市在动漫人才,技术,资本及制作工业定位分工等方面已经初见端倪,这为动漫产业带来协调发展,良性循环提供来有利条件。

上海,江苏的常州浙江的杭州都是有名的动漫产业基地,动漫产业是其近几年重点发展的领域之一,特别是在上海。20世纪50年代,上海是中国动画片制作中心,以《大闹天空》为代表的一批优秀的动画作品产自上海,眼下,中国迎来新的一轮动漫产业发展高潮,上海再一次成为现代动漫产业最活跃的地区之一,上海大力发展创意产业对策,培育创意产业园区,打造产业链,推动创意产品走向国际市场。在确定“创意产业”成为未来推动上海产业升级和城市功能转型的“头脑加速器”之后,将建成亚洲最有影响力的创意产业中心之一,成为全球最有影响力的创意产业中心之一。

江苏省,浙江省,都为发展动漫和文化创意产业制定与相关的政策,一批动漫企业开始崭露头角,形成了一定规模的产业群集,特别是江苏的常州和浙江的杭州两地发展极为的突出。

(三)珠江三角洲地区

广东省的动漫产业有良好的发展基础,广东已经成为国内动画业实力和基础最为雄厚的地区之一,深圳,汕头等地已拥有一批具有较强综合实力和自主产权的动漫企业,广东省已将动漫产业的发展作为建设文化大省的重要措举,提升原创能力是广东动漫最紧迫的课题,广东动漫要走出去,要培养和发展具有浓郁岭南特色的动漫产业文化。比如粤剧,和岭南地区的地区民间故事如黄飞鸿,等都是非常好的题材,而且广东与港澳相邻,一些国际先进的动漫产业发展模式均可已借鉴。

另外深圳作为继北京,上海之后的第三大动漫影视产业基地,得到政府机构的大力支持。也成为带动整个珠三角甚至厦门地区的动漫影视产业的中心枢纽,近年来深圳市政府也出台了多项文化产业的扶持政策,并成立深圳市文化产业发展办公室来协助政策的实施与运行,促进深圳动漫产业又好又快的发展。

(四)湖南地区

湖南省面对国内日益巨大的动漫市场,为扶持动漫产业的发展制定了系列优惠政策及前景规划,并允许动漫企业优先上市融资,来促进动漫产业的发展.

有着全国娱乐之都的长沙市,其动漫产业伴随着文化产业娱乐业起步早,规模大,品牌好,其中三辰卡通公司和红梦卡通公司更是发展突出,不仅拥有全国第一个知名动画品牌,目前在国际上也有广泛影响的《蓝猫》,还有《虹猫蓝兔》,《山猫》《屁屁猪》等产品,已经形成了较为完整的动漫产业体系,而且发展迅速。

四、中国动漫产业的前景展望和发展对策

(一)前景展望

经济全球化的发展使世界经济进一步的融合,加快了中国经济对外开放的速度,中国动漫产业也伴随着中国经济的发展,逐步走向成熟的产业化发展之路和现代化之路,有专家预测未来的不久中国动漫市场定当成为全球第一大消费市场。展望中国动漫产业的前景十分广阔,市场潜力巨大。产业链的进一步完善和经验管理观念的进一步更新等等,都为中国动漫的发展埋下了阔步前进的伏笔,有专家预测未来的不久中国动漫市场定当成为全球第一大消费市场。

进入21世纪以来动漫产业是最具魅力的朝阳产业之一,中国的动漫产业处于热潮时期,各地纷纷而起,同时我们在看到广阔的前景也发现中国动漫产业在发展的过程中还存在着许多问题,如何做到产业规模化,如何形成国际竞争力。中国是一个动漫产品进口大国,如何让中国的青少年乐于接受中国的本土动漫,如何将中国的本土化动漫推向世界,如何完成中国动漫产业发展的国际化,已经成为我们今天迎接市场检念的必解之题,结合前面的分析下面我来谈谈自己对中国动漫未来发展的几点思考。

(二)发展对策

1重点支持原创产业发展

虽然从市场规模来看,我国已经是一个动漫产业大国,但产业基础脆弱与市场空间巨大之间形成了强烈的反差。无论从文化层面还是从经济发展的利益考虑,中国发展原创动已经刻不容缓,这也是中国动漫走向国际化的必须之路。目前应当正视国产动漫与国际动漫之间的差距,积极借鉴国外发展经验,不论是技术上的还是管理经营方面,挖掘本土文化资源,发挥本土作战优势,引进先进的管理人才,推动我国动漫产业从引进代理为主走向自主研发为主,从学习模仿为主走向独立原创为主,由进口转向出口的产业转型之路。

2增强企业的竞争能力

企业是市场竞争的主体,是整个产业的细胞。一个产业的竞争能力主要体现在业内企业的竞争能力,支持动漫产业就要给动漫企业更多的切实的支持,无论是政策上的还是资金上的。要积极培育一批具有强大自主创新能力和市场运营能力的动漫研发和运营企业,如:湖南的三辰卡通公司等那样的企业,创作生产一批体现民族精神时代方向的民族动漫精品,如:“蓝猫”等,真正树立中国民族动漫品牌。

3加快国家动漫产业基地建设,大力的培育高端人才

首先应该认识到,国家动漫产业基地是集人才教育与培训,技术研发与服务,龙头企业集约发展,中小企业孵化和国际经贸技术合作等多种功能与一体的产学研的综合基地,当前我国动漫产业缺乏高端技术和高端人才,必须加强高端技术和高端人才的培养,为产业振兴提供强大的技术支撑和人才支持。优先开发动漫研发的核心技术的通用技术,加快建设公共技术平台努力提供技术服务。依托高等院校和科研机构和动漫产业基地,建立动漫产业人才培养体系,加快培养动漫产业的各类紧缺人才。

4发挥产业优势,培育完整的动漫产业链

中国动漫产业如果要正在得到好的发展,必须从根本上解决产业链断裂的问题,而断裂的问题从微观上的表现就是资金,人才,营销,内容,渠道,衍生产品的问题,这些都是动漫产业必须直面必须解决的问题,发展中国动漫产业必须遵从市场的规律,整合企业资源,实现市场化运作,产业化经营,规模化生产,形成完整的利润增值体系,加强动漫产业链各环节的交流和衔接,培育完善的中国的动漫产业链。

前面我们说到,动漫市场通常分为三个层次,一是动漫出版物和音像制品市场,二是动漫作品的影视播出市场:三是动漫形象衍生产品的开发和营销。包括游戏,文具,玩具,食品,服装,日常用品和主题公园。而贯穿其中的是一条完整的产业链条,原创生产――动漫期刊上连载――选择读者反馈好的出版发行单行本――改编成动画片――音像制品或游戏产品。

要赋予原创动漫制作企业在产业链中的关键地位,必须大力推进动漫产品的制作和播出之间的分离,生产和出版之间的分离,建立动漫产品的灵活高效的创作和生产体系与统一规范的市场体系,促进动漫产品实施多层次的开发和多层次增值,通过制播分离,产出分离,理顺动漫产业的管理体制,整合各方资源,形成管理合力,为产业链的整合提供良好的政策支持,结合好与新媒体之间的关系,滚动使的开发动漫市场。

5提要动漫产品的核心竞争力

生产制作是动漫的基础,是动漫产业链的最前端,而内容是前端的前端,如今“内容为王”的年代,好的动漫作品可以经久不衰,动漫产品是动漫产业的核心,是动漫产业发展的灵魂。对于有五千年文明历史的中国来说,悠远深厚的文化积淀是其文化产业相对于西方国家最大优势,我们要将这种优势以雅俗共赏的表现形式作用于动漫产品,随着中国元素的在世界范围内的流行,形成有区别于别国的动漫竞争核心力量,使其能够真正将“民族的”变为“世界的”,进而满足更广泛受众的需求。

要提高动漫产品的核心竞争力,结合中国动漫的实际情况,就是要结合民族文化,确立独特的艺术风格,有区别于国外,要重在文化上的创意打造中国的本土动漫明星角色,比如说:《宝莲灯》,《大闹天空》等经典本土动画。要拓宽受众的定位,拓展动漫故事的题材,而不是单单的面对儿童,要作品的全众化开发。

6保护知识产权提升行业自律意识

动漫产品是我们广大青少年喜爱的精神食粮,应当加强内容管理,特别是对进口内容的审查,要严厉打击违法经营行为,加大对动漫衍生产品的知识产权的保护力度,维护健康的市场秩序,营造良好的发展环境,完善整个动漫产业的发展机制,促进动漫产业的良性发展。

结束语

中国有着深厚的中华文明的历史底蕴和悠久的动漫发展历史,这些都是国产动漫能够与国外动漫能够竞争的资源,但是是否能够国外动漫的包围,在整个国内动漫市场收复国内动漫市场,还需要多方面的配合和时间的发展以及国内动漫界的努力和政府的积极支持。本文通过对国内动漫产业的发展概况及目前国内几大动漫基地的发展和国内发展动漫产业的主要优势已经存在的问题进行分析,了解到目前国内动漫产业从取材到产业链中的每一个环节的发展状况,衍生产品的开发存在的某些问题,来探讨解决目前国内动漫产业的发展中存在问题的一些解决办法,来表达自己对当前国内动漫产业发展的意见和建议,当然仅供参考.

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日前,《CCG2014东方明珠分会场-上海美术电影制片厂动画形象巡展》在上海东方明珠广播电视塔开展,上海美术电影制片厂(以下简称“美影厂”)首次带着众多经典形象集中亮相,并希望借主题展推广经典形象,撬动新盈利点。 此次展览占地面积约2000平方米,展出包括孙悟空、黑猫警长、葫芦兄弟、哪吒、阿凡提、三个和尚在内的近50个经典形象雕塑,吸引了不少观众。“这是美影厂参展十年来首次主办CCG分会场活动。除了实物展示,展览期间,每日9-21时会不间断地播放美影厂的经典动画片,带给朋友们新的动画体验,让老朋友们回顾美好童年。” 上海美影厂市场营销中心总经理郑丽雯表示。 据悉,美影厂此次展览成本约650万元,对于如何收回成本,郑丽雯表示,一方面,此次主题展的门票价格为50元,东方明珠日客流超过2万人次,期间展览还增设了互动环节,游客在参与之后还能获得免费礼品,相信会吸引到不少人的目光;“另一方面,借力此次主题展,我们已经收到来自多个城市地标相关负责人的邀请,未来展览或将推向全国,美影厂期待借展览激活经典形象价值。”郑丽雯说。 成立于1957年的美影厂曾是全国惟一一家美术片制片厂,制作了《骄傲的将军》、《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》等超过500部广受关注的动画影片,成为几代观众不可磨灭的回忆。曾有机构评估,美影厂的孙悟空、黑猫警长等11个经典卡通形象价值17亿元,但上世纪90年代,受市场化冲击与近5000万元的债务负担影响,美影厂发展一度停滞。 近年来,美影厂正有意加速转型步伐,去年3月,美影厂宣布启动10部动画片项目。但在3D版《大闹天宫》之前,原创作品《勇士》、《马兰花》、重拍作品《葫芦兄弟》、《黑猫警长》的关注度与票房收入都未达预期。 在北京大学文化产业研究院副院长陈少峰看来,国内动画产业的主战场在电视而非电影,如果没有将作品系列化、对作品进行持续传播,版权方很难维护动画形象的价值。 对此,郑丽雯表示,动画片摄制与动画产业链发展将共同激发经典动画的价值,“美影厂将寻求与其他动画形象的差异性,结合‘90后’、‘00后’的喜好,增强IP市场熟悉度及活跃度。未来,美影厂将以IP授权为核心,加快布局手机游戏、儿童教育类书籍、在线教育,并与视频网站建立密切关系,推广包括视频、点播等服务在内的授权合作”。

日前,《CCG2014东方明珠分会场-上海美术电影制片厂动画形象巡展》在上海东方明珠广播电视塔开展,上海美术电影制片厂(以下简称“美影厂”)首次带着众多经典形象集中亮相,并希望借主题展推广经典形象,撬动新盈利点。 此次展览占地面积约2000平方米,展出包括孙悟空、黑猫警长、葫芦兄弟、哪吒、阿凡提、三个和尚在内的近50个经典形象雕塑,吸引了不少观众。“这是美影厂参展十年来首次主办CCG分会场活动。除了实物展示,展览期间,每日9-21时会不间断地播放美影厂的经典动画片,带给朋友们新的动画体验,让老朋友们回顾美好童年。” 上海美影厂市场营销中心总经理郑丽雯表示。 据悉,美影厂此次展览成本约650万元,对于如何收回成本,郑丽雯表示,一方面,此次主题展的门票价格为50元,东方明珠日客流超过2万人次,期间展览还增设了互动环节,游客在参与之后还能获得免费礼品,相信会吸引到不少人的目光;“另一方面,借力此次主题展,我们已经收到来自多个城市地标相关负责人的邀请,未来展览或将推向全国,美影厂期待借展览激活经典形象价值。”郑丽雯说。 成立于1957年的美影厂曾是全国惟一一家美术片制片厂,制作了《骄傲的将军》、《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》等超过500部广受关注的动画影片,成为几代观众不可磨灭的回忆。曾有机构评估,美影厂的孙悟空、黑猫警长等11个经典卡通形象价值17亿元,但上世纪90年代,受市场化冲击与近5000万元的债务负担影响,美影厂发展一度停滞。 近年来,美影厂正有意加速转型步伐,去年3月,美影厂宣布启动10部动画片项目。但在3D版《大闹天宫》之前,原创作品《勇士》、《马兰花》、重拍作品《葫芦兄弟》、《黑猫警长》的关注度与票房收入都未达预期。 在北京大学文化产业研究院副院长陈少峰看来,国内动画产业的主战场在电视而非电影,如果没有将作品系列化、对作品进行持续传播,版权方很难维护动画形象的价值。 对此,郑丽雯表示,动画片摄制与动画产业链发展将共同激发经典动画的价值,“美影厂将寻求与其他动画形象的差异性,结合‘90后’、‘00后’的喜好,增强IP市场熟悉度及活跃度。未来,美影厂将以IP授权为核心,加快布局手机游戏、儿童教育类书籍、在线教育,并与视频网站建立密切关系,推广包括视频、点播等服务在内的授权合作”。

北京商报 2998天前
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改观中国动漫市场的尴尬境遇应从意识上转变

中国动漫业的开拓者:万氏三兄弟日本是世界第一动漫强国。其动漫发展的模式具有鲜明的民族特色而不失创新和吸引力,这是其他国家动漫望尘莫及的。动漫是日本的重要产业链,在全球鲜有对手。然而1941年,却是在万氏兄弟(万古蟾、万籁鸣、万超尘、万涤寰) 《铁扇公主》的影响下,在亚洲产生了极大的轰动,日本动画巨人手冢治虫才开始决定投身动画的!《大闹天宫》1941年到如今,日本的动漫产业经历了从萌芽期逐步成长,不断的探索,走向成熟,从成熟期走向了不选精细化的阶段。随着中国文化市场的逐步开放和包容,很多精彩的日本动漫已经深入了中国动漫迷的心中,如今动漫已成为日本的经济支柱,在世界占有重要位置。年产值230万亿日元。日本动漫产业模式完整,世界60%的动漫作品来自日本,动漫产业及其衍生产品(即广义动漫产业)占日本GDP的比重超过10%,已成为日本第三大产业。同时,日本也是世界上最大的动漫产业创作输出国。手冢治虫的作品《铁壁阿童木》反观中国动漫市场,曾经也有过无比地辉煌,上世纪五、六十年代,中国的动画片,也就是通常说的美术片,迎来了第一个高潮,可以说是黄金时期啊—除了万氏兄弟投入了新中国的动画制作,一大批技术和艺术方面的人才也在这个时候涌现出来。这个时期著名的动画有《小蝌蚪找妈妈》《大闹天宫》《牧笛》《小鲤鱼跳龙门》,《骄傲的将军》,《渔童》、《孔雀公主》等,都成为了中国动漫的经典。《圣斗士》在动画发展到20世纪90年代至今,中国动画创作相对于世界动画发展出现缓慢趋势。在美日动画的冲击下,同时也由于缺乏市场化操作,动画的回收相对较慢,中国动画以往是纯国家投资,私人不愿投资,从而导致动画者的流失和中国动画业的发展缓慢。中国动画要改变以往的操作方式。《火影忍者》随着中国动画存在的问题不少:资金不足、大众对动画的普遍认识不全面、质量不高、故事缺乏原创性、审核过严、教育体制不完善、缺少高素质动画人才、外来文化冲击国内市场、缺乏有效的盈利模式等等,这些内在和外在的因素阻碍着中国动画产业的发展。《海贼王》无论是客观因素还是自身所存在的问题,中国动漫在很大的程度上已经遇到了一种创作上的瓶颈,要想突破,改观中国动漫市场的尴尬境遇,不仅仅需要资金、技术、题材上的创新和宣传,更重要的是,应该从意识上转变,在动漫所附加的过于沉重的教育“任务”其实从某种程度而言,已经失去了动漫的本质和含义。原标题:中国动漫PK日本动漫 是该雄起了来源:凤凰西北整理

中国动漫业的开拓者:万氏三兄弟日本是世界第一动漫强国。其动漫发展的模式具有鲜明的民族特色而不失创新和吸引力,这是其他国家动漫望尘莫及的。动漫是日本的重要产业链,在全球鲜有对手。然而1941年,却是在万氏兄弟(万古蟾、万籁鸣、万超尘、万涤寰) 《铁扇公主》的影响下,在亚洲产生了极大的轰动,日本动画巨人手冢治虫才开始决定投身动画的!《大闹天宫》1941年到如今,日本的动漫产业经历了从萌芽期逐步成长,不断的探索,走向成熟,从成熟期走向了不选精细化的阶段。随着中国文化市场的逐步开放和包容,很多精彩的日本动漫已经深入了中国动漫迷的心中,如今动漫已成为日本的经济支柱,在世界占有重要位置。年产值230万亿日元。日本动漫产业模式完整,世界60%的动漫作品来自日本,动漫产业及其衍生产品(即广义动漫产业)占日本GDP的比重超过10%,已成为日本第三大产业。同时,日本也是世界上最大的动漫产业创作输出国。手冢治虫的作品《铁壁阿童木》反观中国动漫市场,曾经也有过无比地辉煌,上世纪五、六十年代,中国的动画片,也就是通常说的美术片,迎来了第一个高潮,可以说是黄金时期啊—除了万氏兄弟投入了新中国的动画制作,一大批技术和艺术方面的人才也在这个时候涌现出来。这个时期著名的动画有《小蝌蚪找妈妈》《大闹天宫》《牧笛》《小鲤鱼跳龙门》,《骄傲的将军》,《渔童》、《孔雀公主》等,都成为了中国动漫的经典。《圣斗士》在动画发展到20世纪90年代至今,中国动画创作相对于世界动画发展出现缓慢趋势。在美日动画的冲击下,同时也由于缺乏市场化操作,动画的回收相对较慢,中国动画以往是纯国家投资,私人不愿投资,从而导致动画者的流失和中国动画业的发展缓慢。中国动画要改变以往的操作方式。《火影忍者》随着中国动画存在的问题不少:资金不足、大众对动画的普遍认识不全面、质量不高、故事缺乏原创性、审核过严、教育体制不完善、缺少高素质动画人才、外来文化冲击国内市场、缺乏有效的盈利模式等等,这些内在和外在的因素阻碍着中国动画产业的发展。《海贼王》无论是客观因素还是自身所存在的问题,中国动漫在很大的程度上已经遇到了一种创作上的瓶颈,要想突破,改观中国动漫市场的尴尬境遇,不仅仅需要资金、技术、题材上的创新和宣传,更重要的是,应该从意识上转变,在动漫所附加的过于沉重的教育“任务”其实从某种程度而言,已经失去了动漫的本质和含义。原标题:中国动漫PK日本动漫 是该雄起了来源:凤凰西北整理

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中国动画好品位从何而来

创作者是“多面手”动画艺术不同于其他艺术样式,它集合了绘画、漫画、电影、摄影、音乐、文学等众多艺术门类于一身,是一种综合艺术。因此,在某种程度上,一名合格的动画创作者除了熟悉动画的创作过程和环节之外,还需要了解或擅长其他方面的专业技能。在早期的动画艺术家中,多才多艺者比比皆是。如漫画家出身的特伟从小喜爱文艺和体育,天生一副好嗓子,上学时成绩最好的就是“唱歌”。从事动画创作以后,这些爱好变成了得天独厚的知识储备,以京剧样式创作的动画《骄傲的将军》便得益于他的艺术喜好和经历。而他的艺术人生也因爱好而不断超越和突破:从漫画到动画,从传统二维动画到剪纸动画再到水墨动画,他无不涉猎;从东北到上海,从国内到国外,他用自己的动画语言征服了无数观众,深深影响着每一代动画人。无独有偶。被誉为“美影三剑客”的动画导演王树忱、詹同和阿达(徐景达)也是漫画家,他们在执导动画之余创作了大量的漫画、连环画、插图等,其中,王树忱还以“王往”的笔名创作了《红色信号》、《哪吒闹海》、《山水情》、《慈禧坐火车》等动画片的剧本。英年早逝的阿达在钢琴弹奏方面有着较高的专业水平,一口流利的英文在上世纪七八十年代中外动画频繁交流中起到了关键作用。优秀的作品必定出自优秀的艺术家之手。一专多能的艺术修养是老一辈动画家的毕生追求,而这多方面的修养最终又体现在作品之中,凝练成一种鲜明的艺术风格,最终赋予作品较高的艺术品位。相比之下,今天的动漫创作者很多只是掌握了一些绘画能力,就开始从事动画的制作和拍摄工作,远未达到动画这门艺术所需要的综合能力和文化素质水平,这恐怕也是新创作的动画片没有过去美术片那种深沉的文化气质和丰富的艺术细节的原因之一。汇聚名家,跨界合作出佳作作为一种综合艺术,动画创作还需要聚集各方面的专业型人才。在上海美术电影制片厂未建厂之前,因没有专业作曲人员,美术片的作曲只能请故事片作曲或上海音乐界名人担纲,如上海音乐学院著名作曲家丁善德曾为《小小英雄》、《神笔》等4部美术片作曲,上海音乐学院教授桑桐曾为动画片《采蘑菇》、《小铁柱》作曲,电影作曲家陈歌辛曾为《拔萝卜》、《骄傲的将军》、《乌鸦为什么是黑的》谱曲,黄准为《小猫钓鱼》、《好朋友》、《野外的遭遇》(与寄明合作)作曲。其中,《小猫钓鱼》的插曲《劳动最光荣》数十年来广受幼儿欢迎,传唱至今。1957年美影厂建厂以后,影片产量骤增,当时的专职作曲只有黎锦晖和吴应炬二人,为了满足生产需要只能面向全国邀请音乐家参与动画作曲,比较知名的有马思聪、郭任远、通福、严金萱、张洪翔、张林漪、丁炬、陈玉昌等。可以说,参与动画制作的音乐家远多过美术家,不过,美术家参与动画美术设计的故事更为后人津津乐道。如华君武与《瓮中捉鳖》、张光宇与《大闹天宫》、韩羽与《三个和尚》、程十发与《孔雀公主》、李可染与《牧笛》、张仃与《哪吒闹海》、刘绍荟与《火童》、柯明与《天书奇谭》、朱新建与《选美记》、吴山明与《山水情》、于志学与《雁阵》等。以上所列均为划时代的经典作品,而对应的美术设计者都是国内知名的艺术大家,名家成就名作,相得益彰。2000年以来,中国动漫以产业大发展的姿态驶入快车道,但鲜有动漫形象出自名家之手的案例,不少动漫形象集体进入“审丑”行列,从人物形象到剧情都与“以高尚的精神塑造人,以优秀的作品鼓舞人”的创作理念背道而驰。当然,这不是说没有艺术名家的参与就一定导致动漫形象不尽如人意,早期美术片创作之所以邀请知名画家是因为画家的艺术风格与导演的动画作品在“气质”方面比较吻合,是作品的艺术品位把各路名家连接到一起。创作需要静下心来分析早期动画创作的分工,我们会发现,画得好的可以做动画设计,动画设计做得好可以升格成为原画,原画工作熟练且熟悉其他环节者方能胜任导演一职。导演、原画、美术设计、动画设计、描线、上色、背景设计等是一系列工种,有的人甚至在某一个工种上工作了一辈子,比如段孝萱、刘凤展——尽管没有导演过一部作品,但丝毫不影响他(她)们在中国动画史中的地位。在今天的动画创作队伍中,以导演自居者多有人在,哪怕只是制作过一部FLASH,甚至有作品的署名导演是毫无创作经历的企业老板,完全以一种随意、玩笑的态度来看待导演、制片、原画以及其他动画分工。导演不仅是一个工种,也是一种荣誉,意味着对作品负有更多的责任。动画创作者只有明确自己的优势,发挥所长,才能把一种“工匠”精神融入整体创作中。万籁鸣在执导《大闹天宫》时曾对原画们说:“我是大导演,你们是小导演。”这种集思广益的做法放在今天依然有借鉴作用。如今的动画企业更喜欢关起门来搞创作,闭门造车可算是一个普遍现象,很少听说哪个公司为了哪部片子组织创作人员“下生活”采集素材。而早期的美术片创作几乎每部都有“下生活”的故事,新疆、云南、贵州、四川等地都有动画艺术家搜集素材的足迹。万古蟾为了创作剪纸片曾在外地考察、搜集素材达半年之久;阿达为了拍摄《蝴蝶泉》在云南写生时曾跌倒在河里,只捡回一只鞋回到宾馆;钱运达在创作《草原英雄小姐妹》时,曾与其他主创一起去草原体验生活,和牧民一起放羊,同吃同住,亲身体验当地牧民实际的生活环境……可以说,没有创作者的亲身经历,也就没有这些作品的成功,因为亲临现场、切身体会才能实现作品品质的唯一性,这完全不同于在网上搜索、下载素材。对于当前国产动画的创作环境,多数人以“浮躁”概括之,怎一个“抢”字了得:抢时间、抢周期、抢市场、抢人才、抢数量,可惜太少人抢质量。经过这个暑假的“动画热”之后,是静下心的时候了,到了立足生活、继承传统、扎实创作的时候了。

创作者是“多面手”动画艺术不同于其他艺术样式,它集合了绘画、漫画、电影、摄影、音乐、文学等众多艺术门类于一身,是一种综合艺术。因此,在某种程度上,一名合格的动画创作者除了熟悉动画的创作过程和环节之外,还需要了解或擅长其他方面的专业技能。在早期的动画艺术家中,多才多艺者比比皆是。如漫画家出身的特伟从小喜爱文艺和体育,天生一副好嗓子,上学时成绩最好的就是“唱歌”。从事动画创作以后,这些爱好变成了得天独厚的知识储备,以京剧样式创作的动画《骄傲的将军》便得益于他的艺术喜好和经历。而他的艺术人生也因爱好而不断超越和突破:从漫画到动画,从传统二维动画到剪纸动画再到水墨动画,他无不涉猎;从东北到上海,从国内到国外,他用自己的动画语言征服了无数观众,深深影响着每一代动画人。无独有偶。被誉为“美影三剑客”的动画导演王树忱、詹同和阿达(徐景达)也是漫画家,他们在执导动画之余创作了大量的漫画、连环画、插图等,其中,王树忱还以“王往”的笔名创作了《红色信号》、《哪吒闹海》、《山水情》、《慈禧坐火车》等动画片的剧本。英年早逝的阿达在钢琴弹奏方面有着较高的专业水平,一口流利的英文在上世纪七八十年代中外动画频繁交流中起到了关键作用。优秀的作品必定出自优秀的艺术家之手。一专多能的艺术修养是老一辈动画家的毕生追求,而这多方面的修养最终又体现在作品之中,凝练成一种鲜明的艺术风格,最终赋予作品较高的艺术品位。相比之下,今天的动漫创作者很多只是掌握了一些绘画能力,就开始从事动画的制作和拍摄工作,远未达到动画这门艺术所需要的综合能力和文化素质水平,这恐怕也是新创作的动画片没有过去美术片那种深沉的文化气质和丰富的艺术细节的原因之一。汇聚名家,跨界合作出佳作作为一种综合艺术,动画创作还需要聚集各方面的专业型人才。在上海美术电影制片厂未建厂之前,因没有专业作曲人员,美术片的作曲只能请故事片作曲或上海音乐界名人担纲,如上海音乐学院著名作曲家丁善德曾为《小小英雄》、《神笔》等4部美术片作曲,上海音乐学院教授桑桐曾为动画片《采蘑菇》、《小铁柱》作曲,电影作曲家陈歌辛曾为《拔萝卜》、《骄傲的将军》、《乌鸦为什么是黑的》谱曲,黄准为《小猫钓鱼》、《好朋友》、《野外的遭遇》(与寄明合作)作曲。其中,《小猫钓鱼》的插曲《劳动最光荣》数十年来广受幼儿欢迎,传唱至今。1957年美影厂建厂以后,影片产量骤增,当时的专职作曲只有黎锦晖和吴应炬二人,为了满足生产需要只能面向全国邀请音乐家参与动画作曲,比较知名的有马思聪、郭任远、通福、严金萱、张洪翔、张林漪、丁炬、陈玉昌等。可以说,参与动画制作的音乐家远多过美术家,不过,美术家参与动画美术设计的故事更为后人津津乐道。如华君武与《瓮中捉鳖》、张光宇与《大闹天宫》、韩羽与《三个和尚》、程十发与《孔雀公主》、李可染与《牧笛》、张仃与《哪吒闹海》、刘绍荟与《火童》、柯明与《天书奇谭》、朱新建与《选美记》、吴山明与《山水情》、于志学与《雁阵》等。以上所列均为划时代的经典作品,而对应的美术设计者都是国内知名的艺术大家,名家成就名作,相得益彰。2000年以来,中国动漫以产业大发展的姿态驶入快车道,但鲜有动漫形象出自名家之手的案例,不少动漫形象集体进入“审丑”行列,从人物形象到剧情都与“以高尚的精神塑造人,以优秀的作品鼓舞人”的创作理念背道而驰。当然,这不是说没有艺术名家的参与就一定导致动漫形象不尽如人意,早期美术片创作之所以邀请知名画家是因为画家的艺术风格与导演的动画作品在“气质”方面比较吻合,是作品的艺术品位把各路名家连接到一起。创作需要静下心来分析早期动画创作的分工,我们会发现,画得好的可以做动画设计,动画设计做得好可以升格成为原画,原画工作熟练且熟悉其他环节者方能胜任导演一职。导演、原画、美术设计、动画设计、描线、上色、背景设计等是一系列工种,有的人甚至在某一个工种上工作了一辈子,比如段孝萱、刘凤展——尽管没有导演过一部作品,但丝毫不影响他(她)们在中国动画史中的地位。在今天的动画创作队伍中,以导演自居者多有人在,哪怕只是制作过一部FLASH,甚至有作品的署名导演是毫无创作经历的企业老板,完全以一种随意、玩笑的态度来看待导演、制片、原画以及其他动画分工。导演不仅是一个工种,也是一种荣誉,意味着对作品负有更多的责任。动画创作者只有明确自己的优势,发挥所长,才能把一种“工匠”精神融入整体创作中。万籁鸣在执导《大闹天宫》时曾对原画们说:“我是大导演,你们是小导演。”这种集思广益的做法放在今天依然有借鉴作用。如今的动画企业更喜欢关起门来搞创作,闭门造车可算是一个普遍现象,很少听说哪个公司为了哪部片子组织创作人员“下生活”采集素材。而早期的美术片创作几乎每部都有“下生活”的故事,新疆、云南、贵州、四川等地都有动画艺术家搜集素材的足迹。万古蟾为了创作剪纸片曾在外地考察、搜集素材达半年之久;阿达为了拍摄《蝴蝶泉》在云南写生时曾跌倒在河里,只捡回一只鞋回到宾馆;钱运达在创作《草原英雄小姐妹》时,曾与其他主创一起去草原体验生活,和牧民一起放羊,同吃同住,亲身体验当地牧民实际的生活环境……可以说,没有创作者的亲身经历,也就没有这些作品的成功,因为亲临现场、切身体会才能实现作品品质的唯一性,这完全不同于在网上搜索、下载素材。对于当前国产动画的创作环境,多数人以“浮躁”概括之,怎一个“抢”字了得:抢时间、抢周期、抢市场、抢人才、抢数量,可惜太少人抢质量。经过这个暑假的“动画热”之后,是静下心的时候了,到了立足生活、继承传统、扎实创作的时候了。

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上海美术电影制片厂的兴与衰

探究上海美术电影制片厂兴衰的脉络其实也是检视中国动画行业的历史,它曾经和正在遇到的困境也是中国动画的集体困境。2013年3月,上海美术电影制片厂(以下简称“美影厂”)在上海召开新闻发布会,宣布在以往的经典作品中选出了孙悟空、黑猫警长、葫芦兄弟等6个形象重新创作系列影片,其中的葫芦兄弟还要开拍真人版电影,这些影片将于2014年陆续和观众见面。美影厂想用重拍经典的方式再现辉煌是否又是一次徒劳的努力?其实这样的尝试不是第一次。2012年新年刚过,经由重新剪辑配音制作的3D版《大闹天宫》在影院上线,官方数据说票房收入不超过5000万元人民币,而熟悉动画电影行业的人则认为真实的票房数据不会超过2000万元,这才勉强能够抵消美国3D制作公司高昂的制作费用。美影厂曾经代表中国动画的最高水准,也有过至今无法复制的辉煌。上海美术电影制片厂正式成立于1957年,从正式成立到上世纪90年代初,一直作为全国国唯一一家美术片制片厂而存在。美影厂曾经集合了当时全国最优秀的动画人才,用国家投入的方式缔造了中国动画史上30多年的辉煌。制作了《骄傲的将军》、《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》等充满中国元素但又风格各异的影片。这些动画片的设计和制作水平在当时国际上都是一流的水准,影响了几代中国的童年和少年,甚至成为现在已经成年的中国人一种共同的童年回忆。从美影厂内部看,从上世纪90年代初计划经济体制结束,曾经造就美影厂辉煌的核心因素逐步消失,体制内经营方式的惯性反而在面对市场时成为负累。从外部环境看,20世纪90年代初之后的10年,整个中国文化娱乐产业也进入了最为低谷的10年。市场的竞争环境更是发生巨变,美影厂和国内动画行业面对的是经过数十年市场化历练有成熟工业化生产标准和完整产业链的西方动漫产业。同时美影厂一直面临着这个行业共同面对的问题:资金短缺,编剧的短缺,制作人才的短缺,播放平台的短缺等等难题。这个行业里的人都明白,如果不是国家扶持,美影厂也许很难坚持到今天。更糟的是,由于上世纪90年代初刚面对市场化冲击时领导的决策失误,美影厂背负了将近5000万元的债务。债务问题让美影无法像它的老东家上影集团那样迅速有效地进行适应市场化的体制变革。当振兴中国的动画产业被当做一句举国的口号被提出来的时候,人们开始不断回忆中国动画片最好的时代。探究美影厂兴衰的脉络其实也是中国动画电影的历史,它遇到困境也是中国动画的集体困境。辉煌的源头:人才云集老美影体制曾给了美影厂成功得天独厚的条件,但回看历史,老一代动画人对于动画纯粹的热爱、专一,在技术上的精益求精和对创新的执着,也许才是中国动画在当年取得了巨大成功的根本。上海美术电影制片厂正式成立于1957年,但美影厂的源头可以追溯到1947年的东北。当时正值解放战争时期,东北电影制片厂从长春迁到了东北兴山,为了补充人才东影厂开始在当地招收培训班的学员,并在那一年成立了美术股。当时东北电影制片厂(以下简称“东影”)的主要任务是拍摄民主东北的纪录片,纪录解放战争中解放军部队在全国的节节胜利。“东影”美术股的主要工作是为纪录片配画地图,以图像的方式讲解解放军打到了哪里,国民党失掉了什么城市。那时东影还没有自己的专业美术人才,影片中动画和地图的制作主要依赖一位日本撤退时留在长春满洲印画株式会社的日本技术人员,他中文名叫方明。今年已经80岁的段孝萱便是在那时考入培训班进入了美术股,当时她只有14岁,一个人从家里偷跑出来报名,在选拔的考试上唱了一首《没有共产党就没有新中国》。培训班为期三个月,在那三个月里大家跟着方明的学习最基本的动画知识,从在白纸上描线、素描到在当时被称为“明片”的赛璐璐片(一种早期胶片)上进行上色,还包括动画的拍摄手法,不分昼夜。给明片上色是十分有技术含量的一个环节,需要专用的颜料。但因为战争时期供应困难,所有的颜料都需要自己调配。段孝萱介绍颜色调配的原料比例需要根据气候的不同有所加减,不然颜色会干裂或是过于粘稠,影响拍摄,所以一定需要一个温湿度计。“当时东北的战事刚结束,生活用品严重缺乏”段孝萱说,“作为技术负责人的方明就到哈尔滨去淘旧货,千辛万苦找到一个,结果湿度计上用于测量的像头发丝一样的东西坏带掉了。结果方明在回来的路上碰到了一个有着一头金色长发的俄罗斯女郎,上前跟人家讨了一根头发,我们才算有了一个湿度计。”随着培训班的结束,东影厂开始制作最早的两部动画短片,《皇帝梦》和《瓮中捉鳖》,用来讽刺当时的国民党。这两部影片虽然在技术上还十分简单,但在当时取得了很好的宣传效果。1948年,东影厂搬回长春,随着人才的不断扩充,美术股也升级为美术片组。1949年新中国成立前,中央召开全国文艺代表大会明确提出美术片组要为新中国的儿童服务,并且把美术片组并入上海电影制片厂。当时香港的进步漫画家盛特伟也特意从香港回到北京参加文代会。盛特伟是香港的地下党,回来北京之后因为身份暴露无法再回到香港,就接受了美术组的领导工作,他后来也成为了上海美术电影制片厂的第一任厂长,大家都称他为特伟。[web_page]1949年3月,特伟带着美术组的18位工作人员来到了上海,段孝萱也是其中的一位。当时的上海刚经过一次大的轰炸袭击,有些破败和萧条,但上海独特的精致和洋气还是让这些初来的年轻人新奇不已。上海文化界的朋友常常带他们去看各种类型的戏剧和欧美引进的动画片。时任上海市市长的陈毅和上海市文化部部长夏衍也给了很多支持。美术片组被安排在当时位于天同安路的上海电影一厂,安顿好后便登报开始了向社会公开招收美术和动画人才。段孝萱虽然年纪轻,但却是美术片组的元老,因此被特伟安排负责招聘考试。段孝萱回忆说:“考试的消息一登出,黑压压来了一大片人,很多人来参加考试。”招聘的消息同样也引起了居住在香港和海外人士的注意。被誉为“中国动画第一人”的“万氏三兄弟”中的万超尘最先加入了美术片组。万氏三兄弟出生于20世纪初南京一个商人家庭。老大万籁鸣在上世纪20年代被美国迪斯尼的动画吸引,也希望能让中国画动起来。为此他还专门给美国的动画公司写信,求教过如何“让画动起来”的方法,结果没有回音。之后他就带着弟弟万古蟾和万超尘在弄堂租了间7平方米的房子做实验。每到夜晚,厨房的煤炉被搬走、窗帘拉上后,狭小的屋子就变成了暗房。从编剧、导演、造型,再到拍摄、冲洗、放映,全是自己动手。1926年,这间小屋里诞生了中国第一部动画片《纸人捣乱记》。1935年,他们又拍摄了中国第一部有声动画片《骆驼献舞》。1941年制作了第一部动画长片《铁扇公主》并在亚洲引起巨大反响。万籁鸣当时正着手将《西游记》中孙悟空大闹天宫的部分改编为动画,当时剧本已基本修改完成,结果因为战争电影胶片大涨,片商把原本留做拍摄《大闹天宫》的胶片以高价卖给了军方。万氏兄弟的拍摄计划被迫终止。之后随着战争的逼近,万籁鸣和万古蟾去往香港避难,三弟万超尘则被国民党派往美国学习电影摄影,直到解放战争时期才重新回到上海。跟着万超尘一同回国的还有他在美国手绘的电影摄像机和动画摄像机图纸。美术片组到上海后所用的一号摄影机就是根据万超尘带回的图纸制造的。国民党撤离上海前,这台机器刚刚造好没有来得及运走,被地下党在火车站截获。这也成了中国美术片史上第一部国产的动画片摄影机。《大闹天宫》:难以复制的辉煌最优秀的动画人、特殊的历史环境造就的空前绝后的创造热情、举国体制等,造就了美影厂标志性的成功——动画片《大闹天宫》——这个在市场和商业逻辑下难以复制的辉煌。1954年,万籁鸣和万古蟾从香港回到上海加入上海美术片组。美术片组的人员也由最初的18人增加到了200人。此时,特伟也带着大家开始筹备第一部彩色动画片《骄傲的将军》。在此之前,美术片组制作的动画片主要是以模仿苏联和美国的动画为主——苏联动画片画工精致人物写实,而美国的则搞笑夸张。特伟当时提出,应该创新,创民族之新,做有中国风格的动画片。《哪吒闹海》的导演严定宪当时作为新人参加了《骄傲的将军》的制作,他后来也成为《大闹天宫》孙悟空形象的原画设计者。他说:“《骄傲的将军》的制作在中国画风方面做出了很多尝试,解决很多技术上和画风上的问题,特别是打斗中的一些动作,也为后来整个团队制作《大闹天宫》打下了很好的基础。”严定宪1953年从北京电影学院的动画片导演专业毕业进入上海电影制片场美术片组。严定宪是上海人,从小就喜欢到位于上海静安区家附近的电影院看动画片。1951年,他考入苏州美专的动画专业,这是当时全国唯一一个动画片专业。专业的负责人叫做钱家骏。钱家骏在解放前是当时被称为国民党文化特务机构“励志社”的成员,负责电影和动画的制作。解放后留在苏州美专,希望能有更多的人参与中国动画片的制作,便说服苏州美专的校长创办了动画专业。严定宪在苏州美专学习了一年,这一年是以美术专业的基础课为主,既有中国的国画,也有西方美术的素描油画。1952年全国大专院校合并,严定宪一届20个同学被分配到北京电影学院动画导演专业。严定宪回忆说:“刚到北京的时候,学校请各个院系的教授来给我们讲课——编剧、表演、导演、摄影什么课都上,学了很多电影专业的知识。我们当时的学习是非常全面的,让我们了解什么是电影,故事应该怎么讲,设计人物动作的时候表演应该怎么做。而现在的动画专业只学画画和技术,但不懂电影,这是他们缺少的。”[web_page]1957年,上海美术电影制片厂正式成立。之后便开始为《大闹天宫》做准备,采风、设计人物形象、1961年,美影厂开始拍摄我国第一部彩色有声动画长片《大闹天宫》。1962年,《大闹天宫》上集在国内外上演,好评如潮,获得捷克斯洛伐克第十三届卡罗维?发利国际电影节短片“特别奖”。这部长达120分钟的动画长片,全靠手工绘画完成,按惯例至少需要20个人的原画团队。据说宫崎峻的《千与千寻》仅原画人员就超过100人,而《大闹天宫》摄制组,原画加上助理也只有8个人。“当时加班没什么加班费,大家根本没有‘钱’这根筋,每个人想的都是如何在导演的意图上作加法,而不是作减法,一有机会就自己折腾自己”严定宪说。“我们平均年龄也就20多岁。年轻,主意多。但大万老人很和气,又十分信赖我们,给了充分的空间施展,所以大家特融洽。”在制作过程中全片采取重点分包的形式,每个主创都分到几段来独立创作,导演只是总体把握,传达意图,每段具体画多少,怎么画都由主创把握。“孙悟空任弼马温在天庭遛马”那段,短短三十多秒的镜头,严定宪画了500多张。天马行空,连贯流畅,将孙悟空的自由与畅快表现得淋漓,效果远超出导演的预期。严定宪总结《大闹天宫》的成功,认为首先剧本改编的好。《大闹天宫》的内容在《西游记》中本来的描写就很饱满,再加上万籁鸣在上世纪30年代就已经将剧本改变完成,几十年里又不断完善,孙悟空的形象鲜活饱满。二是在孙悟空形象设计形神兼备,并且借鉴了很多京剧元素。万籁鸣曾要求孙悟空具有猴、神、人三者的特点,缺一不可。在人物形象的塑造上,美影厂除了吸取各剧种的优点外,还给予必要的夸张和想象。为了达到这个效果整个剧组花了三个月学习京剧,并且请了当年有“南猴王”之称的上海京剧团名角为大家讲戏。 “孙悟空是人,有人情;孙悟空是神,有神威;孙悟空是猴,有猴性。”这三句总结就出自这位京剧演员之口。除了要看得懂京剧,剧组的每个人还必须学会“翻云手”、“舞花棍”大小亮相等京剧表演的招式。“画古人,学古人”是当时大万老立下的规矩,这个规矩后来在严定宪做导演时也一直保留。他认为有亲身体验,能够使人物更“有生活”,在细节上处理得更逼真。第三,除了对主要角色的设计,背景细节在设计上也花了很多功夫。“1959年的冬天特别冷,我们一行人出外景,走遍了北京故宫、颐和园和大慧寺等多处庙宇,搜集了几百个来自壁画、雕塑的线条素材。”当时最让大家烦恼的是设计《大闹天宫》中的云。“那时美国、苏联动画里‘云’是棉花般一团,我们觉得不好看,中国古代的‘云’一直都带着如意头和云纹,透着吉祥。在我们准备回上海的前一天,终于在北京西山的碧云寺里,看到一尊南海观音泥塑,观音莲花座下有几朵完整的泥塑云。一般雕塑的云都是浮雕,而像如此立体的十分罕见。后来片中几乎所有的云,都是从这变化而来的。”片中孙悟空形象的设计也经过了几次修改。如今,在严定宪的家中还保留着大量和《大闹天宫》相关的资料。孙悟空最初的造型设计由中央工艺美术学院执教的张光宇先生设计的。《大闹天宫》中玉皇大帝、哪咤、东海龙王等很多主要人物的造型设计也是出自当时已年过六旬的张先生之手。张光宇一共设计了三个孙悟空形象,这三个形象和动画片中最终呈现的象形相去甚远,更像京剧脸谱或是装饰画中的山大王。“当年张老先生画了这几个孙悟空造型,都相当不错,但大万老(导演万籁鸣)还是不太满意,觉得张笔下的孙悟空装饰性较强,不太适合动画的表现。于是让我在张先生造型设计的基础上重新设计一个。”严定宪说。后来他把张光宇作品中的形象做了简化,画成桃子脸,绿色的桃叶眉毛,线条洗练。后来又经过反反复复十来稿的修改,才有了现在片中这个孙悟空。严定宪说,大闹天宫上下部一共画了4年,投入超过100万元,他说:“那时的100万,就相当于现在1000万,真的大成本制作。”1978年,该片上下集在伦敦电影节同时放映,摘取“最佳影片奖”桂冠。1983年,此片在法国巴黎几家影院上映一个月,观众接近10万人次,轰动一时。据文化部电影局统计资料,《大闹天宫》向44个国家、地区输出和放映,先后参加过英、美、法、德、意大利、西班牙、印度、希腊等14个国家和地区举办的18个国际电影节,并多次获奖。对于计划经济时代的美影厂来说,那无疑是中国动画创作最好的时代。作为创作者,他们从来不需要为钱担心,一心所想的就是找到好剧本,做出与众不同的动画作品。曾经担任过美影厂第三任厂长的严定宪介绍说:“美影厂建厂最初只有200多人,这些人每年完成多少任务是国家给的。我们那个时候最早进去,每年下达20本(动画剧本),10分钟一本,20本就是200分钟。这200分钟其实计划之内的任务,一定要完成。”“一般年初导演们会聚在一起选剧本,好的剧本。当时很多有名的作家都会主动给我们写剧本。选好剧本之后导演会找到适合剧本的画家、漫画家帮忙设计剧本里的人物形象。那时候无论多大牌的艺术家都会很愿意帮我们设计人物造型。当年拍水墨动画《牧童》就是找李可染做得造型设计,一头牛就画了好多个让我们挑,也没有什么钱的概念。现在人家一平尺画要多少钱?可不敢想。”除了造型,配音配乐拍摄剪辑也都不马虎。影片完成之后,影片送审,审查通过后,国家电影局会通过中影公司定向收购。“当时动画片的收购价在8000元到1万元一份钟,而且不管花费多少,国家基本上是实报实销,收购时还加上20%到30%的利润”,传媒大学动画教研室主任薛燕平说,薛燕平目前正在做一个中国动画行业的纪录片,前期采访已经做了6年。“这是个什么概念?”薛燕平继续说,“美影厂最多的时候有400多人,每年生产动画片400分钟,平均1人不到1分钟。那时发工资才发多少,每个人几百块钱。剩下的钱都干吗了?当时除了养老,又投入再生产,所以美影厂不缺时间,不缺档期,不缺播出平台,全世界都没有这么幸福的一帮人在做这样的动画片。”曾看不上“日本动画”1962年《大闹天宫》的成功让中国动画片在国际上占有了一席之地,美影厂生产的各种动画短片开始在国际电影节的动画单元或是国际动画电影节上频繁获奖。大家都为动画片里浓郁的中国色彩深深着迷。“现在咱们的动画里都是像日本动画片那样的眼睛特别大脸尖尖的人物,我们那个时候根本就看不上日本的动画片,做得太粗糙了。”钱运达说。今年已经82岁的钱运达,1954年被保送到当时的捷克学习动画,1959年回国进入美影厂,是《天书奇谈》和《邋遢大王》的导演。“(20世纪)60年代的时候,日本代表团访问美影厂带来了他们制作的动画长篇《白蛇传》。我们一看,不论是画工还是技术都太粗糙了。我们的水平要比他们领先太多了。”钱运达说。[web_page]在那次代表团中,被誉为“日本漫画之父”、阿童木形象的创造者手冢治虫也是其中的一员,他在一次交流上说,自己在少年时看了“万氏三兄弟”在1941年拍摄的《铁扇公主》才放弃医学专业,走上了动漫创作的道路。更有趣的是,现在被大家热捧的日本动漫大师宫崎骏在一次访谈中说,他早期的风格深受手冢治虫的影响,并且是在看了《白蛇传》之后决定走上动画道路的。虽然美影厂在当时没有外部的竞争,但却没有失去活力和创造力。“那时内部竞争一直没有停歇过,大家都在想办法创新,每个导演都想拍出不一样的影片。”段孝萱说。上世纪60年代,各个行业都掀起了一场“革新创新”之风,美影厂最大的创新项目就是由段孝萱提出的“水墨动画”,希望能让中国的水墨画动起来。虽然现在因为电脑技术的发展,水墨效果的动画制作已经比较常见,但在当时实在是一到难题。水墨画虽然只有黑白两色,但层次却很丰富,如何在摄影中表现出中国画的层次感和空灵感大家无法解决。后来钱家骏重新开发颜料,并且在摄影中采用多次曝光发——每一种颜色都用胶片曝光一次,然后再叠加再一起,水墨动画的难题才得到解决。《小蝌蚪找妈妈》是美影厂拍摄的第一部水墨动画,里面的动物造型全部借鉴齐白石水墨画。之后又拍摄了《牧笛》,但因为文革,《牧笛》拍摄完成后晚了十年才和观众见面。当《牧笛》到国外电影节上放映的时候,外国的动画电影人都惊呆了。日本代表团特意来请教水墨电影的制作方法,可是没有的到答案——具体的拍摄手法到现在还是美影厂独有的“秘密”。衰落文化大革命让美影厂的创作停止了10年,美影厂最核心的能力——创作——被荒废了,这被看做美影厂衰落的开始。粉碎“四人帮”后,美影厂重新创作了宽银幕的动画长篇《哪吒闹海》作为对建国30周年的献礼。虽然这部影片同样在国内外取得了轰动性的成功,并且在海外市场的发行上非常成功。英国国家广播公司BBC花巨资购买了2年的海外独家播放权,1980年在圣诞节播出的,收视第一。但是在中国动画停滞的这10年里,世界动画的格局已经开始发生巨大变化,步伐持重的美影厂从这时起至今再也没能追赶上。曾经技术粗糙的日本,已经形成了自己的动画风格,并且随着日本经济在上世纪80年代的高速发展,动漫已经成为一个成熟的产业。在美国,随着电视的普及,迪斯尼也将生产的重心转移到电视系列动画的制作,主题公园也早已在全世界动工,赢利模式、产业链完备。香港和台湾则成了当时最大的动画片代工厂。在20世纪80年,美影厂一共创作了100多部影片,并且成功的举办了两次上海国际动画电影节。但像其他产业一样,市场化对体制的冲击往往从核心人才流失开始。美影厂人才流失越来越严重。为了解决人员流失的问题,上海市政府特批由美影厂出资与香港亿利公司于80年代末成立亿利美动画公司,承接加工片,希望可以借此留住人才。在最困难的时候,德国的一位动画导演找到美影厂,由德国出资拍摄了一部叫做《白雪公主和青蛙王子》的动画长片,钱运达说美影厂最后靠着这部片子发了两年工资。1988年底,美影厂制作完成了第四部水墨动画长片《山水情》之后,厂里大批的原画作者和动画作者离开美影厂南下深圳,钱运达说厂里的年轻人把这叫做“胜利大逃亡”。“跑到那边做什么呢?是帮美国和日本的动画做代工。”当时在深圳有两家动画代工公司,一个是美国资本,由香港人负责经营的公司叫做太平洋动画公司,另一家是香港的翡翠动画公司。“那边的工资高于我们10倍,”钱运达说,“我们的劳动力比香港廉价,我们当时的工资只有几百块,到那边干得多的能拿到1万块。”钱运达说:“那时候我去深圳看他们,他们一个个眼睛圈都是黑的。我劝他们身体别搞垮了,你们的队伍要保留,赚钱也要有一个度。”随之而来的是计划经济时代的结束,亿利美成立不久国家电影局就宣布停止对美影厂的定向收购。这意味着,美影厂要靠发行、市场、票房盈利来自己养活自己,而这对于当时的美影厂来说简直是不可能完成的任务。“那时我们没有市场观念,一直都是你拿钱来我们才能拍,过去我们就只会这个。突然就变成市场了,我们就傻掉了。”段孝萱说。表面上看,当年的动画代工毁了中国的原创力量。现任厂长美影厂钱运达却不完全认同,他认为原创力量匮乏的原因是复杂的,对于美影厂而言主要存在两方面的原因。一个是上世纪80、90年代外国电视动画进入中国,尤其是以日本跟迪斯尼为代表,冲击了国内电视市场。而美影厂的传统是以拍影院动画和艺术短片为主。市场化之后,美影厂资金和人才的缺乏,没能 及时占领电视台的播放平台,失去了这部分资源。“另外,从1992年到2002年这10年里,中国电影市场也极其低迷,2004年上海电影院都租出去卖毛衣了,根本不用说动画片。”钱运达说,“美影厂那时还能坚持每一年能够拍一部,那些片子因为投资比较少,影响力不够,这是一个事实。”“同时当时海外在发展三维动画的时候,中国三维动画还没有起来,美影也没有跟进。我们还是用二维技术,结果到市场上就没有竞争力了。” 钱运达补充说。除了技术和人才的不足,在1992年到1995年的三年内,美影厂共生产了1万分钟的动画,这对于传统生产能力只有一年500分钟的美影厂来说,无疑是一场“大跃进”。“当时市里的领导,拍着桌子说‘不用担心钱就这么拍!’大家只好硬着头皮拍,”一位美影厂的老导演说,“但这根本不符合创作规律,生产出来的都是粗制滥造的东西,没法看。”“当时说不用发愁钱,其实这些钱也是从其他地方挪借的,最后都算在美影厂头上,一共4800多万。就因为背着债,美影厂连工资都加不了。”虽然美影厂从2011年开始尝试市场化的运作方式,但在一些年轻导演眼里,现在的美影厂依旧难摆脱国企大厂的“性格”,对市场反应缓慢,制作手段落后,缺少创新的激情。一位经营动画特效公司的老总对美影厂重新开发经典形象的做法毫无兴趣,“总不能就指着一个孙悟空吃到底吧”。这个过去在陈旧体制中不断创新震惊世界的美影厂,在一个提倡自由和创新的时代,却只能在故纸堆去寻找自己的未来。钱建平认为,历史遗留问题的确给美影厂造成了很大负担,但其实美影厂问题的背后是整个中国动画市场盈利模式不清晰、产业链不完全。“为什么在很长时间,动画行业都没有民营资本进入?就是因为盈利模式不清晰。电视动画形不成产业链,动画电影又没有票房市场。”钱说,“不过这两年开始有民营资本进入,也有很多资本看重美影厂那些经典形象的价值,愿意投资。”在钱建平看来,老美影厂“精耕细作”的年代早就过去了。现在的美影厂必须要尊重商业规律。“资本一定是有要求的,这是一个事实,我们必须要知晓。”

探究上海美术电影制片厂兴衰的脉络其实也是检视中国动画行业的历史,它曾经和正在遇到的困境也是中国动画的集体困境。2013年3月,上海美术电影制片厂(以下简称“美影厂”)在上海召开新闻发布会,宣布在以往的经典作品中选出了孙悟空、黑猫警长、葫芦兄弟等6个形象重新创作系列影片,其中的葫芦兄弟还要开拍真人版电影,这些影片将于2014年陆续和观众见面。美影厂想用重拍经典的方式再现辉煌是否又是一次徒劳的努力?其实这样的尝试不是第一次。2012年新年刚过,经由重新剪辑配音制作的3D版《大闹天宫》在影院上线,官方数据说票房收入不超过5000万元人民币,而熟悉动画电影行业的人则认为真实的票房数据不会超过2000万元,这才勉强能够抵消美国3D制作公司高昂的制作费用。美影厂曾经代表中国动画的最高水准,也有过至今无法复制的辉煌。上海美术电影制片厂正式成立于1957年,从正式成立到上世纪90年代初,一直作为全国国唯一一家美术片制片厂而存在。美影厂曾经集合了当时全国最优秀的动画人才,用国家投入的方式缔造了中国动画史上30多年的辉煌。制作了《骄傲的将军》、《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》等充满中国元素但又风格各异的影片。这些动画片的设计和制作水平在当时国际上都是一流的水准,影响了几代中国的童年和少年,甚至成为现在已经成年的中国人一种共同的童年回忆。从美影厂内部看,从上世纪90年代初计划经济体制结束,曾经造就美影厂辉煌的核心因素逐步消失,体制内经营方式的惯性反而在面对市场时成为负累。从外部环境看,20世纪90年代初之后的10年,整个中国文化娱乐产业也进入了最为低谷的10年。市场的竞争环境更是发生巨变,美影厂和国内动画行业面对的是经过数十年市场化历练有成熟工业化生产标准和完整产业链的西方动漫产业。同时美影厂一直面临着这个行业共同面对的问题:资金短缺,编剧的短缺,制作人才的短缺,播放平台的短缺等等难题。这个行业里的人都明白,如果不是国家扶持,美影厂也许很难坚持到今天。更糟的是,由于上世纪90年代初刚面对市场化冲击时领导的决策失误,美影厂背负了将近5000万元的债务。债务问题让美影无法像它的老东家上影集团那样迅速有效地进行适应市场化的体制变革。当振兴中国的动画产业被当做一句举国的口号被提出来的时候,人们开始不断回忆中国动画片最好的时代。探究美影厂兴衰的脉络其实也是中国动画电影的历史,它遇到困境也是中国动画的集体困境。辉煌的源头:人才云集老美影体制曾给了美影厂成功得天独厚的条件,但回看历史,老一代动画人对于动画纯粹的热爱、专一,在技术上的精益求精和对创新的执着,也许才是中国动画在当年取得了巨大成功的根本。上海美术电影制片厂正式成立于1957年,但美影厂的源头可以追溯到1947年的东北。当时正值解放战争时期,东北电影制片厂从长春迁到了东北兴山,为了补充人才东影厂开始在当地招收培训班的学员,并在那一年成立了美术股。当时东北电影制片厂(以下简称“东影”)的主要任务是拍摄民主东北的纪录片,纪录解放战争中解放军部队在全国的节节胜利。“东影”美术股的主要工作是为纪录片配画地图,以图像的方式讲解解放军打到了哪里,国民党失掉了什么城市。那时东影还没有自己的专业美术人才,影片中动画和地图的制作主要依赖一位日本撤退时留在长春满洲印画株式会社的日本技术人员,他中文名叫方明。今年已经80岁的段孝萱便是在那时考入培训班进入了美术股,当时她只有14岁,一个人从家里偷跑出来报名,在选拔的考试上唱了一首《没有共产党就没有新中国》。培训班为期三个月,在那三个月里大家跟着方明的学习最基本的动画知识,从在白纸上描线、素描到在当时被称为“明片”的赛璐璐片(一种早期胶片)上进行上色,还包括动画的拍摄手法,不分昼夜。给明片上色是十分有技术含量的一个环节,需要专用的颜料。但因为战争时期供应困难,所有的颜料都需要自己调配。段孝萱介绍颜色调配的原料比例需要根据气候的不同有所加减,不然颜色会干裂或是过于粘稠,影响拍摄,所以一定需要一个温湿度计。“当时东北的战事刚结束,生活用品严重缺乏”段孝萱说,“作为技术负责人的方明就到哈尔滨去淘旧货,千辛万苦找到一个,结果湿度计上用于测量的像头发丝一样的东西坏带掉了。结果方明在回来的路上碰到了一个有着一头金色长发的俄罗斯女郎,上前跟人家讨了一根头发,我们才算有了一个湿度计。”随着培训班的结束,东影厂开始制作最早的两部动画短片,《皇帝梦》和《瓮中捉鳖》,用来讽刺当时的国民党。这两部影片虽然在技术上还十分简单,但在当时取得了很好的宣传效果。1948年,东影厂搬回长春,随着人才的不断扩充,美术股也升级为美术片组。1949年新中国成立前,中央召开全国文艺代表大会明确提出美术片组要为新中国的儿童服务,并且把美术片组并入上海电影制片厂。当时香港的进步漫画家盛特伟也特意从香港回到北京参加文代会。盛特伟是香港的地下党,回来北京之后因为身份暴露无法再回到香港,就接受了美术组的领导工作,他后来也成为了上海美术电影制片厂的第一任厂长,大家都称他为特伟。[web_page]1949年3月,特伟带着美术组的18位工作人员来到了上海,段孝萱也是其中的一位。当时的上海刚经过一次大的轰炸袭击,有些破败和萧条,但上海独特的精致和洋气还是让这些初来的年轻人新奇不已。上海文化界的朋友常常带他们去看各种类型的戏剧和欧美引进的动画片。时任上海市市长的陈毅和上海市文化部部长夏衍也给了很多支持。美术片组被安排在当时位于天同安路的上海电影一厂,安顿好后便登报开始了向社会公开招收美术和动画人才。段孝萱虽然年纪轻,但却是美术片组的元老,因此被特伟安排负责招聘考试。段孝萱回忆说:“考试的消息一登出,黑压压来了一大片人,很多人来参加考试。”招聘的消息同样也引起了居住在香港和海外人士的注意。被誉为“中国动画第一人”的“万氏三兄弟”中的万超尘最先加入了美术片组。万氏三兄弟出生于20世纪初南京一个商人家庭。老大万籁鸣在上世纪20年代被美国迪斯尼的动画吸引,也希望能让中国画动起来。为此他还专门给美国的动画公司写信,求教过如何“让画动起来”的方法,结果没有回音。之后他就带着弟弟万古蟾和万超尘在弄堂租了间7平方米的房子做实验。每到夜晚,厨房的煤炉被搬走、窗帘拉上后,狭小的屋子就变成了暗房。从编剧、导演、造型,再到拍摄、冲洗、放映,全是自己动手。1926年,这间小屋里诞生了中国第一部动画片《纸人捣乱记》。1935年,他们又拍摄了中国第一部有声动画片《骆驼献舞》。1941年制作了第一部动画长片《铁扇公主》并在亚洲引起巨大反响。万籁鸣当时正着手将《西游记》中孙悟空大闹天宫的部分改编为动画,当时剧本已基本修改完成,结果因为战争电影胶片大涨,片商把原本留做拍摄《大闹天宫》的胶片以高价卖给了军方。万氏兄弟的拍摄计划被迫终止。之后随着战争的逼近,万籁鸣和万古蟾去往香港避难,三弟万超尘则被国民党派往美国学习电影摄影,直到解放战争时期才重新回到上海。跟着万超尘一同回国的还有他在美国手绘的电影摄像机和动画摄像机图纸。美术片组到上海后所用的一号摄影机就是根据万超尘带回的图纸制造的。国民党撤离上海前,这台机器刚刚造好没有来得及运走,被地下党在火车站截获。这也成了中国美术片史上第一部国产的动画片摄影机。《大闹天宫》:难以复制的辉煌最优秀的动画人、特殊的历史环境造就的空前绝后的创造热情、举国体制等,造就了美影厂标志性的成功——动画片《大闹天宫》——这个在市场和商业逻辑下难以复制的辉煌。1954年,万籁鸣和万古蟾从香港回到上海加入上海美术片组。美术片组的人员也由最初的18人增加到了200人。此时,特伟也带着大家开始筹备第一部彩色动画片《骄傲的将军》。在此之前,美术片组制作的动画片主要是以模仿苏联和美国的动画为主——苏联动画片画工精致人物写实,而美国的则搞笑夸张。特伟当时提出,应该创新,创民族之新,做有中国风格的动画片。《哪吒闹海》的导演严定宪当时作为新人参加了《骄傲的将军》的制作,他后来也成为《大闹天宫》孙悟空形象的原画设计者。他说:“《骄傲的将军》的制作在中国画风方面做出了很多尝试,解决很多技术上和画风上的问题,特别是打斗中的一些动作,也为后来整个团队制作《大闹天宫》打下了很好的基础。”严定宪1953年从北京电影学院的动画片导演专业毕业进入上海电影制片场美术片组。严定宪是上海人,从小就喜欢到位于上海静安区家附近的电影院看动画片。1951年,他考入苏州美专的动画专业,这是当时全国唯一一个动画片专业。专业的负责人叫做钱家骏。钱家骏在解放前是当时被称为国民党文化特务机构“励志社”的成员,负责电影和动画的制作。解放后留在苏州美专,希望能有更多的人参与中国动画片的制作,便说服苏州美专的校长创办了动画专业。严定宪在苏州美专学习了一年,这一年是以美术专业的基础课为主,既有中国的国画,也有西方美术的素描油画。1952年全国大专院校合并,严定宪一届20个同学被分配到北京电影学院动画导演专业。严定宪回忆说:“刚到北京的时候,学校请各个院系的教授来给我们讲课——编剧、表演、导演、摄影什么课都上,学了很多电影专业的知识。我们当时的学习是非常全面的,让我们了解什么是电影,故事应该怎么讲,设计人物动作的时候表演应该怎么做。而现在的动画专业只学画画和技术,但不懂电影,这是他们缺少的。”[web_page]1957年,上海美术电影制片厂正式成立。之后便开始为《大闹天宫》做准备,采风、设计人物形象、1961年,美影厂开始拍摄我国第一部彩色有声动画长片《大闹天宫》。1962年,《大闹天宫》上集在国内外上演,好评如潮,获得捷克斯洛伐克第十三届卡罗维?发利国际电影节短片“特别奖”。这部长达120分钟的动画长片,全靠手工绘画完成,按惯例至少需要20个人的原画团队。据说宫崎峻的《千与千寻》仅原画人员就超过100人,而《大闹天宫》摄制组,原画加上助理也只有8个人。“当时加班没什么加班费,大家根本没有‘钱’这根筋,每个人想的都是如何在导演的意图上作加法,而不是作减法,一有机会就自己折腾自己”严定宪说。“我们平均年龄也就20多岁。年轻,主意多。但大万老人很和气,又十分信赖我们,给了充分的空间施展,所以大家特融洽。”在制作过程中全片采取重点分包的形式,每个主创都分到几段来独立创作,导演只是总体把握,传达意图,每段具体画多少,怎么画都由主创把握。“孙悟空任弼马温在天庭遛马”那段,短短三十多秒的镜头,严定宪画了500多张。天马行空,连贯流畅,将孙悟空的自由与畅快表现得淋漓,效果远超出导演的预期。严定宪总结《大闹天宫》的成功,认为首先剧本改编的好。《大闹天宫》的内容在《西游记》中本来的描写就很饱满,再加上万籁鸣在上世纪30年代就已经将剧本改变完成,几十年里又不断完善,孙悟空的形象鲜活饱满。二是在孙悟空形象设计形神兼备,并且借鉴了很多京剧元素。万籁鸣曾要求孙悟空具有猴、神、人三者的特点,缺一不可。在人物形象的塑造上,美影厂除了吸取各剧种的优点外,还给予必要的夸张和想象。为了达到这个效果整个剧组花了三个月学习京剧,并且请了当年有“南猴王”之称的上海京剧团名角为大家讲戏。 “孙悟空是人,有人情;孙悟空是神,有神威;孙悟空是猴,有猴性。”这三句总结就出自这位京剧演员之口。除了要看得懂京剧,剧组的每个人还必须学会“翻云手”、“舞花棍”大小亮相等京剧表演的招式。“画古人,学古人”是当时大万老立下的规矩,这个规矩后来在严定宪做导演时也一直保留。他认为有亲身体验,能够使人物更“有生活”,在细节上处理得更逼真。第三,除了对主要角色的设计,背景细节在设计上也花了很多功夫。“1959年的冬天特别冷,我们一行人出外景,走遍了北京故宫、颐和园和大慧寺等多处庙宇,搜集了几百个来自壁画、雕塑的线条素材。”当时最让大家烦恼的是设计《大闹天宫》中的云。“那时美国、苏联动画里‘云’是棉花般一团,我们觉得不好看,中国古代的‘云’一直都带着如意头和云纹,透着吉祥。在我们准备回上海的前一天,终于在北京西山的碧云寺里,看到一尊南海观音泥塑,观音莲花座下有几朵完整的泥塑云。一般雕塑的云都是浮雕,而像如此立体的十分罕见。后来片中几乎所有的云,都是从这变化而来的。”片中孙悟空形象的设计也经过了几次修改。如今,在严定宪的家中还保留着大量和《大闹天宫》相关的资料。孙悟空最初的造型设计由中央工艺美术学院执教的张光宇先生设计的。《大闹天宫》中玉皇大帝、哪咤、东海龙王等很多主要人物的造型设计也是出自当时已年过六旬的张先生之手。张光宇一共设计了三个孙悟空形象,这三个形象和动画片中最终呈现的象形相去甚远,更像京剧脸谱或是装饰画中的山大王。“当年张老先生画了这几个孙悟空造型,都相当不错,但大万老(导演万籁鸣)还是不太满意,觉得张笔下的孙悟空装饰性较强,不太适合动画的表现。于是让我在张先生造型设计的基础上重新设计一个。”严定宪说。后来他把张光宇作品中的形象做了简化,画成桃子脸,绿色的桃叶眉毛,线条洗练。后来又经过反反复复十来稿的修改,才有了现在片中这个孙悟空。严定宪说,大闹天宫上下部一共画了4年,投入超过100万元,他说:“那时的100万,就相当于现在1000万,真的大成本制作。”1978年,该片上下集在伦敦电影节同时放映,摘取“最佳影片奖”桂冠。1983年,此片在法国巴黎几家影院上映一个月,观众接近10万人次,轰动一时。据文化部电影局统计资料,《大闹天宫》向44个国家、地区输出和放映,先后参加过英、美、法、德、意大利、西班牙、印度、希腊等14个国家和地区举办的18个国际电影节,并多次获奖。对于计划经济时代的美影厂来说,那无疑是中国动画创作最好的时代。作为创作者,他们从来不需要为钱担心,一心所想的就是找到好剧本,做出与众不同的动画作品。曾经担任过美影厂第三任厂长的严定宪介绍说:“美影厂建厂最初只有200多人,这些人每年完成多少任务是国家给的。我们那个时候最早进去,每年下达20本(动画剧本),10分钟一本,20本就是200分钟。这200分钟其实计划之内的任务,一定要完成。”“一般年初导演们会聚在一起选剧本,好的剧本。当时很多有名的作家都会主动给我们写剧本。选好剧本之后导演会找到适合剧本的画家、漫画家帮忙设计剧本里的人物形象。那时候无论多大牌的艺术家都会很愿意帮我们设计人物造型。当年拍水墨动画《牧童》就是找李可染做得造型设计,一头牛就画了好多个让我们挑,也没有什么钱的概念。现在人家一平尺画要多少钱?可不敢想。”除了造型,配音配乐拍摄剪辑也都不马虎。影片完成之后,影片送审,审查通过后,国家电影局会通过中影公司定向收购。“当时动画片的收购价在8000元到1万元一份钟,而且不管花费多少,国家基本上是实报实销,收购时还加上20%到30%的利润”,传媒大学动画教研室主任薛燕平说,薛燕平目前正在做一个中国动画行业的纪录片,前期采访已经做了6年。“这是个什么概念?”薛燕平继续说,“美影厂最多的时候有400多人,每年生产动画片400分钟,平均1人不到1分钟。那时发工资才发多少,每个人几百块钱。剩下的钱都干吗了?当时除了养老,又投入再生产,所以美影厂不缺时间,不缺档期,不缺播出平台,全世界都没有这么幸福的一帮人在做这样的动画片。”曾看不上“日本动画”1962年《大闹天宫》的成功让中国动画片在国际上占有了一席之地,美影厂生产的各种动画短片开始在国际电影节的动画单元或是国际动画电影节上频繁获奖。大家都为动画片里浓郁的中国色彩深深着迷。“现在咱们的动画里都是像日本动画片那样的眼睛特别大脸尖尖的人物,我们那个时候根本就看不上日本的动画片,做得太粗糙了。”钱运达说。今年已经82岁的钱运达,1954年被保送到当时的捷克学习动画,1959年回国进入美影厂,是《天书奇谈》和《邋遢大王》的导演。“(20世纪)60年代的时候,日本代表团访问美影厂带来了他们制作的动画长篇《白蛇传》。我们一看,不论是画工还是技术都太粗糙了。我们的水平要比他们领先太多了。”钱运达说。[web_page]在那次代表团中,被誉为“日本漫画之父”、阿童木形象的创造者手冢治虫也是其中的一员,他在一次交流上说,自己在少年时看了“万氏三兄弟”在1941年拍摄的《铁扇公主》才放弃医学专业,走上了动漫创作的道路。更有趣的是,现在被大家热捧的日本动漫大师宫崎骏在一次访谈中说,他早期的风格深受手冢治虫的影响,并且是在看了《白蛇传》之后决定走上动画道路的。虽然美影厂在当时没有外部的竞争,但却没有失去活力和创造力。“那时内部竞争一直没有停歇过,大家都在想办法创新,每个导演都想拍出不一样的影片。”段孝萱说。上世纪60年代,各个行业都掀起了一场“革新创新”之风,美影厂最大的创新项目就是由段孝萱提出的“水墨动画”,希望能让中国的水墨画动起来。虽然现在因为电脑技术的发展,水墨效果的动画制作已经比较常见,但在当时实在是一到难题。水墨画虽然只有黑白两色,但层次却很丰富,如何在摄影中表现出中国画的层次感和空灵感大家无法解决。后来钱家骏重新开发颜料,并且在摄影中采用多次曝光发——每一种颜色都用胶片曝光一次,然后再叠加再一起,水墨动画的难题才得到解决。《小蝌蚪找妈妈》是美影厂拍摄的第一部水墨动画,里面的动物造型全部借鉴齐白石水墨画。之后又拍摄了《牧笛》,但因为文革,《牧笛》拍摄完成后晚了十年才和观众见面。当《牧笛》到国外电影节上放映的时候,外国的动画电影人都惊呆了。日本代表团特意来请教水墨电影的制作方法,可是没有的到答案——具体的拍摄手法到现在还是美影厂独有的“秘密”。衰落文化大革命让美影厂的创作停止了10年,美影厂最核心的能力——创作——被荒废了,这被看做美影厂衰落的开始。粉碎“四人帮”后,美影厂重新创作了宽银幕的动画长篇《哪吒闹海》作为对建国30周年的献礼。虽然这部影片同样在国内外取得了轰动性的成功,并且在海外市场的发行上非常成功。英国国家广播公司BBC花巨资购买了2年的海外独家播放权,1980年在圣诞节播出的,收视第一。但是在中国动画停滞的这10年里,世界动画的格局已经开始发生巨大变化,步伐持重的美影厂从这时起至今再也没能追赶上。曾经技术粗糙的日本,已经形成了自己的动画风格,并且随着日本经济在上世纪80年代的高速发展,动漫已经成为一个成熟的产业。在美国,随着电视的普及,迪斯尼也将生产的重心转移到电视系列动画的制作,主题公园也早已在全世界动工,赢利模式、产业链完备。香港和台湾则成了当时最大的动画片代工厂。在20世纪80年,美影厂一共创作了100多部影片,并且成功的举办了两次上海国际动画电影节。但像其他产业一样,市场化对体制的冲击往往从核心人才流失开始。美影厂人才流失越来越严重。为了解决人员流失的问题,上海市政府特批由美影厂出资与香港亿利公司于80年代末成立亿利美动画公司,承接加工片,希望可以借此留住人才。在最困难的时候,德国的一位动画导演找到美影厂,由德国出资拍摄了一部叫做《白雪公主和青蛙王子》的动画长片,钱运达说美影厂最后靠着这部片子发了两年工资。1988年底,美影厂制作完成了第四部水墨动画长片《山水情》之后,厂里大批的原画作者和动画作者离开美影厂南下深圳,钱运达说厂里的年轻人把这叫做“胜利大逃亡”。“跑到那边做什么呢?是帮美国和日本的动画做代工。”当时在深圳有两家动画代工公司,一个是美国资本,由香港人负责经营的公司叫做太平洋动画公司,另一家是香港的翡翠动画公司。“那边的工资高于我们10倍,”钱运达说,“我们的劳动力比香港廉价,我们当时的工资只有几百块,到那边干得多的能拿到1万块。”钱运达说:“那时候我去深圳看他们,他们一个个眼睛圈都是黑的。我劝他们身体别搞垮了,你们的队伍要保留,赚钱也要有一个度。”随之而来的是计划经济时代的结束,亿利美成立不久国家电影局就宣布停止对美影厂的定向收购。这意味着,美影厂要靠发行、市场、票房盈利来自己养活自己,而这对于当时的美影厂来说简直是不可能完成的任务。“那时我们没有市场观念,一直都是你拿钱来我们才能拍,过去我们就只会这个。突然就变成市场了,我们就傻掉了。”段孝萱说。表面上看,当年的动画代工毁了中国的原创力量。现任厂长美影厂钱运达却不完全认同,他认为原创力量匮乏的原因是复杂的,对于美影厂而言主要存在两方面的原因。一个是上世纪80、90年代外国电视动画进入中国,尤其是以日本跟迪斯尼为代表,冲击了国内电视市场。而美影厂的传统是以拍影院动画和艺术短片为主。市场化之后,美影厂资金和人才的缺乏,没能 及时占领电视台的播放平台,失去了这部分资源。“另外,从1992年到2002年这10年里,中国电影市场也极其低迷,2004年上海电影院都租出去卖毛衣了,根本不用说动画片。”钱运达说,“美影厂那时还能坚持每一年能够拍一部,那些片子因为投资比较少,影响力不够,这是一个事实。”“同时当时海外在发展三维动画的时候,中国三维动画还没有起来,美影也没有跟进。我们还是用二维技术,结果到市场上就没有竞争力了。” 钱运达补充说。除了技术和人才的不足,在1992年到1995年的三年内,美影厂共生产了1万分钟的动画,这对于传统生产能力只有一年500分钟的美影厂来说,无疑是一场“大跃进”。“当时市里的领导,拍着桌子说‘不用担心钱就这么拍!’大家只好硬着头皮拍,”一位美影厂的老导演说,“但这根本不符合创作规律,生产出来的都是粗制滥造的东西,没法看。”“当时说不用发愁钱,其实这些钱也是从其他地方挪借的,最后都算在美影厂头上,一共4800多万。就因为背着债,美影厂连工资都加不了。”虽然美影厂从2011年开始尝试市场化的运作方式,但在一些年轻导演眼里,现在的美影厂依旧难摆脱国企大厂的“性格”,对市场反应缓慢,制作手段落后,缺少创新的激情。一位经营动画特效公司的老总对美影厂重新开发经典形象的做法毫无兴趣,“总不能就指着一个孙悟空吃到底吧”。这个过去在陈旧体制中不断创新震惊世界的美影厂,在一个提倡自由和创新的时代,却只能在故纸堆去寻找自己的未来。钱建平认为,历史遗留问题的确给美影厂造成了很大负担,但其实美影厂问题的背后是整个中国动画市场盈利模式不清晰、产业链不完全。“为什么在很长时间,动画行业都没有民营资本进入?就是因为盈利模式不清晰。电视动画形不成产业链,动画电影又没有票房市场。”钱说,“不过这两年开始有民营资本进入,也有很多资本看重美影厂那些经典形象的价值,愿意投资。”在钱建平看来,老美影厂“精耕细作”的年代早就过去了。现在的美影厂必须要尊重商业规律。“资本一定是有要求的,这是一个事实,我们必须要知晓。”

全球商业经典 3239天前
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如何树立中国动漫独具一格的文化符号?

中国动画作品曾长期处于电视播放这一单一的播放模式,再加上当时大众观念一味将动画限定为教育儿童的工具和商品,使得中国动漫作品带有先天性的低龄化倾向。美日动漫老少通吃的全年龄设定,无异给中国的动漫产业打开了一扇通向新世界的窗。随着互联网的发展,电视媒体趋于垄断地位的状况被打破,人们观看动漫的途径增多,接触动漫更加快速便捷。我国的动漫用户规模也逐年发展壮大。2015年我国核心二次元用户规模达到5939万人,二次元用户总人数近2.19 亿,覆盖62.9%的90后和00后;2016年,泛二次元用户规模更是达到了2.7亿人。动漫产业作为我国最具发展潜力的新兴产业之一,正在成为新的经济增长点,且已被政府列为重点扶持的文化产业。但由于国产动画无法稳定的创造出精品动画这一事实,又导致国产动漫长期不被消费者所认可,逐渐沦为低幼弱智、粗制滥造、山寨抄袭的代名词。国内动漫创作氛围十分浮躁,过分追求利益,投资者过分强调产值和赚钱,赶着出成绩,却很少有认真做动画的人。《高铁侠》被指高度抄袭日本动漫《铁胆火车侠》,单纯为了“骗”补助。《新葫芦兄弟》中,剪纸等传统因素消除殆尽,葫芦娃变成了“喜羊羊+大头儿子”,为了加长集数,故事剧情改编拖沓,被讽刺为亵渎了老艺术家的心血。重量轻质,水平低劣;定位低幼,局限于说教;难以盈利,依赖政府补贴;抄袭模仿、粗制滥造,原创力不足等等,国产动漫乱象丛生,存在着诸多问题。当下全球动漫主要分日本动漫和欧美动漫两大风格体系。我国文化源远流长博大精深,文化发展潜力巨大,随着我国的全球影响力不断提升和国内动漫产业的不断完善,我国将有很大可能形成属于我们自己的中国动漫体系。日漫:“手冢治虫模式”加唯美和风不可否认,日本是世界动漫强国之一,年产值230万亿日元的动漫已成为日本的经济支柱。目前,世界60%的动漫作品来自日本,动漫产业占日本GDP的比重超过10%,已成为日本第三大产业。而动漫对日本社会的影响,也已经渗透到了生活的方方面面,成为日本的大众文化。但最初的日本动漫,也曾在相当长的时期里难得到国内主流文化的承认,之后随着热爱的民众越来越多,才最终登堂入室,发展壮大到现在的声势。日本动漫无论是作品风格还是发展模式具有其民族鲜明的特色。日本动漫的兴起以1963年1月《铁臂阿童木》的上映为标志,并在70~80年代进入了黄金发展期,这与日本当时的新媒体——电视机(尤其彩色电视)普及率高度同步。纵观日本动漫的发展史,动漫出现的时间很早:1902年出现漫画,1917年即拍出第一部动画片,但此后50年都没有真正意义上的发展。直到1963年手冢治虫创作的《铁臂阿童木》的开播,才算是真正意义上的日本动漫的起步。手冢治虫开发了一套适应当时的新媒体——电视机的“手冢治虫模式”:1.独特的“口动、眨眼”系统;2.“有限动画”的低成本制作体系;3.将热门连载漫画改编为动画并销售周边产品的商业模式;4.提高内容质量,满足全年龄需求。日本动漫的传播手法主要有电视播送、DVD媒介分发、或结合在电子游戏内三种。最初发展也是模仿美国迪斯尼等著名动画公司的作品风格和制作手法,但随着日本国内制作成本的下降和制作质量的提高,日本的动画制作者们不得不自行做出改变。在制作方面,日本动画创业初期就形成了“经济”和“迅速”两大特点。其早期就倾向于以剧情为主,认为只要故事脉络清晰,动画中的人物动态不够流畅也没有什么大碍,更由于TV动画存在着时间性和制作预算的限制,因此对于每秒帧数不得不加以控制。相较于迪斯尼动画,日本动画在连续性和流畅感方面明显处于劣势。而事实证明,当初日本国内动画行业所存在的这些条件限制,却惊喜地促成了日本动画即使在画面静止的情况下也能达到超越动态本身的更佳变现。现在的日漫基本已达到了原有帧数不变就可以让作品产生“时间感”,在此基础上,作品的创作理念也开始向以角色为中心转变,剧情处理更加注重人物的内心和情感的表达。过大的眼睛、有棱角的鼻子、相当于8个头部长度的身材比例、被美化到极致的外貌等夸张的人物设定,加上充满浓郁日本文化氛围的故事情节,以及独一无二的表现手法,均已成为识别日本漫画的显著特征。同时,与充斥着英雄美女和人性化动物角色的美国动画一样,“美少女”和“机器人”作为日本漫画的两大要素,也成为其独有的商业符号。美漫:迪士尼与歌剧文化20世纪20年代后,迪士尼的崛起将美国动画艺术提升到一个前所未有的高度,经过几十年的发展、演变,美国动画在内容和形式上都创造了独特的风格。其严谨的叙事手法和精良的制作技术,带给观众超越的观感体验。迪士尼对于动画的理解,很大程度上决定了美国动画的发展方向,他挖掘了动画多方面的表现力,建立了美国动画的鲜明风格,并将影响力扩及整个世界。以剧情片为主、情节曲折;人物性格鲜明、动作表演生动夸张;歌剧文化,每当剧情转折时,往往配上一段优美动听的歌剧式演唱;适合绝大多数观众的审美口味……这些都是我们可以总结出来的迪士尼动画的特点。取材经典,打造“迪士尼”品牌。自第一部影院动画片《白雪公主》开始,迪士尼广泛的从经典故事中取材,把许多世界儿童都耳熟能详的童话、寓言和民间传说改编成动画片,来自德国格林童话的《白雪公主和七个小矮人》、取自意大利童话的《木偶奇遇记》、取自法国童话的《美女与野兽》、改编自莎士比亚《哈姆雷特》的《狮子王》,还有取自中国历史的《花木兰》……从经典入手,迪斯尼对这些经典形象进行“迪士尼”式的包装加工,重新推向世界,不断奠定“迪士尼动画王国”的基础,壮大“迪士尼家族”的数量规模。以音乐作为叙事的工具,是迪士尼动画片的重要特点。在迪斯尼的动画片中,惯用以音乐作为叙事或转场的手段,这种叙事方法影响深远。从之后美国其他公司的动画片甚至是一些其他国家的动画片中,都可以看到这种以音乐作为叙事手法的影响。这与欧美的歌剧文化有一定的联系。“用高新技术打天下”是迪士尼一直坚持和贯彻的经营原则。从第一个采用有声电影技术打造的米老鼠系列电影《蒸汽船威利》(1928);到第一部全彩动画电影《三只小猪》(1933);再到首次运用多层次摄制法拍摄而成的《木偶奇遇记》(1940);再到第一部真人动画《南方之歌》的上映(1946);再到第一部全三维卡通电影《玩具总动员》的诞生(1995)。以迪士尼为代表的美国动画始终站在技术创新的最前沿,以炫酷的技术打造出一个又一个经典,不断超越并征服观众。国漫:从中国文化入手树立国际标杆国产动漫并非没有精品,中国的动漫产业起步很早,中国动漫产业形成于20世纪20年代,1922年万氏兄弟制作了第一部动画片《舒振东华文打字机》,揭开了中国动漫发展的第一页。早期的动画,在中华传统文化中汲取灵感:《三个和尚》借鉴中国戏曲风格;《骄傲的将军》增添京剧元素;《渔童》等剪纸片吸取中国皮影和民间剪纸的外观形式;《大闹天宫》成功运用中国古代寺观壁画;《鹿铃》、《山水情》脱胎于中国画中的写意花鸟和写意山水;《南郭先生》、《火童》则融合了汉代画像石和画像砖的刚健风格……它们在中国传统文化的滋润下形成了独具一帜的中国风韵,在那个时代征服世界,在当下依然令无数人念念不忘。“动画片就是儿童片”的传统观念,给国产动画的发展带上极大的桎梏,使国产动漫在商业竞争中暴露许多问题。无论是美漫还是日漫,他们走向成功时的受众考虑,都是全年龄层的群体设定。在我国,家长带孩子一起看电影的全家欢模式,意味着动画市场是1乘三获利,动画片不只是让小孩子喜欢看,而是要家长和孩子一起爱看。国漫的发展需要改变“动画片就是小孩子看的”这种传统观念。去年《西游记之大圣归来》和今年《大鱼海棠》两部动画电影已经可以看出,低龄化的定位正在被逐渐打破。尚处于迷茫期的国漫市场,急需几部优秀的作品来打破产业阴霾,增添从业者的信心。“大圣归来离了西游记就只是一只落魄的猴子”,“大鱼海棠离了逍遥游就只是一条咸鱼”这些讽刺性的评论里,侧面看出了中华文化对国产动画作品的重要性。仿效迪士尼取材经典童话的做法,发展国产动漫不妨从中国的历史人物和经典故事入手,以大家耳熟能详的经典形象来打开市场,吸引消费者的瞩目。运用中华文化,以独特的中国风格树立国际标杆。动漫产业被誉为21世纪最具创意的朝阳产业,开发新时代产业思想,需要整个行业的通力合作,推陈布新,共同推动动漫产业的发展!指导:玛雅古堡

中国动画作品曾长期处于电视播放这一单一的播放模式,再加上当时大众观念一味将动画限定为教育儿童的工具和商品,使得中国动漫作品带有先天性的低龄化倾向。美日动漫老少通吃的全年龄设定,无异给中国的动漫产业打开了一扇通向新世界的窗。随着互联网的发展,电视媒体趋于垄断地位的状况被打破,人们观看动漫的途径增多,接触动漫更加快速便捷。我国的动漫用户规模也逐年发展壮大。2015年我国核心二次元用户规模达到5939万人,二次元用户总人数近2.19 亿,覆盖62.9%的90后和00后;2016年,泛二次元用户规模更是达到了2.7亿人。动漫产业作为我国最具发展潜力的新兴产业之一,正在成为新的经济增长点,且已被政府列为重点扶持的文化产业。但由于国产动画无法稳定的创造出精品动画这一事实,又导致国产动漫长期不被消费者所认可,逐渐沦为低幼弱智、粗制滥造、山寨抄袭的代名词。国内动漫创作氛围十分浮躁,过分追求利益,投资者过分强调产值和赚钱,赶着出成绩,却很少有认真做动画的人。《高铁侠》被指高度抄袭日本动漫《铁胆火车侠》,单纯为了“骗”补助。《新葫芦兄弟》中,剪纸等传统因素消除殆尽,葫芦娃变成了“喜羊羊+大头儿子”,为了加长集数,故事剧情改编拖沓,被讽刺为亵渎了老艺术家的心血。重量轻质,水平低劣;定位低幼,局限于说教;难以盈利,依赖政府补贴;抄袭模仿、粗制滥造,原创力不足等等,国产动漫乱象丛生,存在着诸多问题。当下全球动漫主要分日本动漫和欧美动漫两大风格体系。我国文化源远流长博大精深,文化发展潜力巨大,随着我国的全球影响力不断提升和国内动漫产业的不断完善,我国将有很大可能形成属于我们自己的中国动漫体系。日漫:“手冢治虫模式”加唯美和风不可否认,日本是世界动漫强国之一,年产值230万亿日元的动漫已成为日本的经济支柱。目前,世界60%的动漫作品来自日本,动漫产业占日本GDP的比重超过10%,已成为日本第三大产业。而动漫对日本社会的影响,也已经渗透到了生活的方方面面,成为日本的大众文化。但最初的日本动漫,也曾在相当长的时期里难得到国内主流文化的承认,之后随着热爱的民众越来越多,才最终登堂入室,发展壮大到现在的声势。日本动漫无论是作品风格还是发展模式具有其民族鲜明的特色。日本动漫的兴起以1963年1月《铁臂阿童木》的上映为标志,并在70~80年代进入了黄金发展期,这与日本当时的新媒体——电视机(尤其彩色电视)普及率高度同步。纵观日本动漫的发展史,动漫出现的时间很早:1902年出现漫画,1917年即拍出第一部动画片,但此后50年都没有真正意义上的发展。直到1963年手冢治虫创作的《铁臂阿童木》的开播,才算是真正意义上的日本动漫的起步。手冢治虫开发了一套适应当时的新媒体——电视机的“手冢治虫模式”:1.独特的“口动、眨眼”系统;2.“有限动画”的低成本制作体系;3.将热门连载漫画改编为动画并销售周边产品的商业模式;4.提高内容质量,满足全年龄需求。日本动漫的传播手法主要有电视播送、DVD媒介分发、或结合在电子游戏内三种。最初发展也是模仿美国迪斯尼等著名动画公司的作品风格和制作手法,但随着日本国内制作成本的下降和制作质量的提高,日本的动画制作者们不得不自行做出改变。在制作方面,日本动画创业初期就形成了“经济”和“迅速”两大特点。其早期就倾向于以剧情为主,认为只要故事脉络清晰,动画中的人物动态不够流畅也没有什么大碍,更由于TV动画存在着时间性和制作预算的限制,因此对于每秒帧数不得不加以控制。相较于迪斯尼动画,日本动画在连续性和流畅感方面明显处于劣势。而事实证明,当初日本国内动画行业所存在的这些条件限制,却惊喜地促成了日本动画即使在画面静止的情况下也能达到超越动态本身的更佳变现。现在的日漫基本已达到了原有帧数不变就可以让作品产生“时间感”,在此基础上,作品的创作理念也开始向以角色为中心转变,剧情处理更加注重人物的内心和情感的表达。过大的眼睛、有棱角的鼻子、相当于8个头部长度的身材比例、被美化到极致的外貌等夸张的人物设定,加上充满浓郁日本文化氛围的故事情节,以及独一无二的表现手法,均已成为识别日本漫画的显著特征。同时,与充斥着英雄美女和人性化动物角色的美国动画一样,“美少女”和“机器人”作为日本漫画的两大要素,也成为其独有的商业符号。美漫:迪士尼与歌剧文化20世纪20年代后,迪士尼的崛起将美国动画艺术提升到一个前所未有的高度,经过几十年的发展、演变,美国动画在内容和形式上都创造了独特的风格。其严谨的叙事手法和精良的制作技术,带给观众超越的观感体验。迪士尼对于动画的理解,很大程度上决定了美国动画的发展方向,他挖掘了动画多方面的表现力,建立了美国动画的鲜明风格,并将影响力扩及整个世界。以剧情片为主、情节曲折;人物性格鲜明、动作表演生动夸张;歌剧文化,每当剧情转折时,往往配上一段优美动听的歌剧式演唱;适合绝大多数观众的审美口味……这些都是我们可以总结出来的迪士尼动画的特点。取材经典,打造“迪士尼”品牌。自第一部影院动画片《白雪公主》开始,迪士尼广泛的从经典故事中取材,把许多世界儿童都耳熟能详的童话、寓言和民间传说改编成动画片,来自德国格林童话的《白雪公主和七个小矮人》、取自意大利童话的《木偶奇遇记》、取自法国童话的《美女与野兽》、改编自莎士比亚《哈姆雷特》的《狮子王》,还有取自中国历史的《花木兰》……从经典入手,迪斯尼对这些经典形象进行“迪士尼”式的包装加工,重新推向世界,不断奠定“迪士尼动画王国”的基础,壮大“迪士尼家族”的数量规模。以音乐作为叙事的工具,是迪士尼动画片的重要特点。在迪斯尼的动画片中,惯用以音乐作为叙事或转场的手段,这种叙事方法影响深远。从之后美国其他公司的动画片甚至是一些其他国家的动画片中,都可以看到这种以音乐作为叙事手法的影响。这与欧美的歌剧文化有一定的联系。“用高新技术打天下”是迪士尼一直坚持和贯彻的经营原则。从第一个采用有声电影技术打造的米老鼠系列电影《蒸汽船威利》(1928);到第一部全彩动画电影《三只小猪》(1933);再到首次运用多层次摄制法拍摄而成的《木偶奇遇记》(1940);再到第一部真人动画《南方之歌》的上映(1946);再到第一部全三维卡通电影《玩具总动员》的诞生(1995)。以迪士尼为代表的美国动画始终站在技术创新的最前沿,以炫酷的技术打造出一个又一个经典,不断超越并征服观众。国漫:从中国文化入手树立国际标杆国产动漫并非没有精品,中国的动漫产业起步很早,中国动漫产业形成于20世纪20年代,1922年万氏兄弟制作了第一部动画片《舒振东华文打字机》,揭开了中国动漫发展的第一页。早期的动画,在中华传统文化中汲取灵感:《三个和尚》借鉴中国戏曲风格;《骄傲的将军》增添京剧元素;《渔童》等剪纸片吸取中国皮影和民间剪纸的外观形式;《大闹天宫》成功运用中国古代寺观壁画;《鹿铃》、《山水情》脱胎于中国画中的写意花鸟和写意山水;《南郭先生》、《火童》则融合了汉代画像石和画像砖的刚健风格……它们在中国传统文化的滋润下形成了独具一帜的中国风韵,在那个时代征服世界,在当下依然令无数人念念不忘。“动画片就是儿童片”的传统观念,给国产动画的发展带上极大的桎梏,使国产动漫在商业竞争中暴露许多问题。无论是美漫还是日漫,他们走向成功时的受众考虑,都是全年龄层的群体设定。在我国,家长带孩子一起看电影的全家欢模式,意味着动画市场是1乘三获利,动画片不只是让小孩子喜欢看,而是要家长和孩子一起爱看。国漫的发展需要改变“动画片就是小孩子看的”这种传统观念。去年《西游记之大圣归来》和今年《大鱼海棠》两部动画电影已经可以看出,低龄化的定位正在被逐渐打破。尚处于迷茫期的国漫市场,急需几部优秀的作品来打破产业阴霾,增添从业者的信心。“大圣归来离了西游记就只是一只落魄的猴子”,“大鱼海棠离了逍遥游就只是一条咸鱼”这些讽刺性的评论里,侧面看出了中华文化对国产动画作品的重要性。仿效迪士尼取材经典童话的做法,发展国产动漫不妨从中国的历史人物和经典故事入手,以大家耳熟能详的经典形象来打开市场,吸引消费者的瞩目。运用中华文化,以独特的中国风格树立国际标杆。动漫产业被誉为21世纪最具创意的朝阳产业,开发新时代产业思想,需要整个行业的通力合作,推陈布新,共同推动动漫产业的发展!指导:玛雅古堡

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“中国学派”辉煌过后 中国动漫以何为继?

近日,电影《汽车人总动员》和《西游记之大圣归来》两部国产动画片引起热议,香港著名漫画人温绍伦评论《捉妖记》也是一次不错的动画尝试。适逢此时,筹备了两年之久的“世界动漫的中国学派——中外动漫艺术大展”也于2015年7月24日开幕,并在开幕当天下午举行了与展览同一主题的学术研讨会,围绕中国动漫中的民族化风格,为在艺术理论中难觅踪迹的中国动漫追本溯源。雅昌艺术网带着对中国动漫发展现状的困惑以及未来发展方向的疑问,参加了本次研讨会,并走访了在梳理中国动漫历史中有着重要意义的北京电影学院副院长孙立军、上海美术电影制片厂原厂长常光希、“世界动漫的中国学派——中外动漫艺术大展”策展人金城、著名当代漫画家Tango等人进行相关采访。万籁鸣《猴子捞月》“30年前,我们就应该探讨中国学派”金城与“动漫”渊源颇深。在他创办“中国动漫金龙奖”之前,并没有人把动画和漫画结合起来,在“金龙奖”的活动宣传中,他频频在对主流媒体的采访中使用“动漫”一词,而后产生蝴蝶效应,直至2006年国务院转发扶持动漫发展的意见,把“动漫”概念提升到空前的高度。而在“中外动漫艺术大展”中,金城又提出了“世界动漫的中国学派”,从中国动漫发展史和60-80年代中国动漫的辉煌历程对“中国学派”的概念进行阐释。20世纪50年代,“中国学派”的概念从文学领域被引入动画艺术,其产生的直接影响是上海美术电影制片厂涌现了《骄傲的将军》、《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》、《大闹天宫》等一大批具有划时代意义的经典动画片,以鲜明的民族风格在世界动漫史中留下精彩的篇章。20世纪80年代以后,这类动画逐渐消失,市场也在20世纪90年代兴起效仿西方动漫形式的动漫电影,具有中国本土风格的动漫难觅踪迹。事实上,“中国学派”动漫艺术的本质,即是中国动画的民族化进程。《山水情》中山大学传播与设计学院教授冯原对此更是明确提出,“中国学派”的动漫创造了在世界不同文化中可以被清晰辨认的民族表征。广州美术学院教授李公明从中国艺术史研究的角度出发,把动漫艺术尤其是漫画,视作一种特殊的媒介,反映民族屈辱和希望,正如《三毛流浪记》中所体现的特殊时代的苦难。孙立军很惋惜,现在提“中国学派”已经为时已晚。在他看来,30年前我们就应该开始对“中国学派”的探讨,并进行系统的研究。如今重提“中国学派”,更重要的意义在于强调它的非程式化。曾经,“中国学派”动漫承袭国画的“此处无声胜有声”,在西方的迪士尼动画以及日本动漫中独树一帜。但是,它的非程式化特质也为我们提供了一种导向——并非只有这一种模式能够成为“中国学派”的发展方向,与中国历史、中国文化、中国精神内涵为伴的“中国学派”动漫也同样可以走得很远。《牧笛》 1963年作为弱势文化的中国动漫从1922 年到1941 年,万氏兄弟万古蟾、万籁鸣、万超尘、万涤寰从模仿美苏到自谋出路,开启了中国动画创作的开端,并创作出《铁扇公主》等优秀动画长片。1946年,新中国政权下的第一部动画片《瓮中捉鳖》诞生于长春电影制片厂。1950年,长影美术片组的特伟带领该组迁至上海,并于1957年建成上海美术电影制片厂。在美术片组南迁的选址中,特伟没有选址北京或其他城市,而是选择了上海。在他看来,上海电影业在民国时期就已经比较发达;他的外国电影了解始于上海,上海对外来文化具有非常宽容、开放的心态;此外,张仃、叶浅予、廖冰兄等不少知名漫画家聚集于上海,从此开始民族动画的30年探索。在常光希看来,上海美术电影制片厂的缘起是了解中国动漫发展史的重要起点,其中涉及的地域文化的特殊背景,对中国动漫后来的发展脉络有着极为重要的启示。中国动漫向古典文学、戏剧、民间艺术的借鉴,被看作是“中国画派”形成的重要因素,也是中国动漫体现出的重要特点。在孙立军看来,中国动漫向古典文学、戏剧、民间艺术的借鉴经历了三个阶段:万氏兄弟的《铁扇公主》仍还处在对国外动画的模仿阶段;而到了五、六十年代,中国动漫开始了自己的文化建构并在这个阶段达到了顶峰;80年代末期,由于市场、工艺、技术、人才、社会对动画的重视度等各方面原因,“中国学派”衰落。在80年代“中国学派”盛世末期,与孙立军同年毕业的全国动画专业毕业生仅有十多个。而在每年有数以万计的动画专业毕业生的今天,动画仍然被视作小孩看的影视作品,孙立军戏称中国动漫为弱势文化。《老夫子-油漆》90年代中国动画开始了产业化之路,金城也顺势而为参与其中。2006年国家开始对动漫产业进行有力度的扶持,至今又已是十年。在金城看来,经过十年建设的中国动漫产业仍然是矛盾重重:我们着意去建立产业链、打造商业环境,却忽略了动漫作品本身的打造;我们在动画制作中投巨资开发三维动画,追逐画面漂亮、视觉张力,但是却讲不好一个完整的故事、创作部出一个打动人心的角色。创作者Tango也认为,与国外的动漫相比,中国动漫艺术家用作品讲故事的能力仍然还很欠缺,内容创新并不大,脱离日本漫画的痕迹也尚待时间的历练。在孙立军看来,动漫产业的发展仍然羸弱,政府在动漫市场制度上的完善和扶植在相当长时期内仍然是必须的。相对于中国动漫市场的短板,中国动漫当前所面临的机遇也引人注目。中国已是世界第二大电影市场,旺盛的市场需求给予了动漫产业巨大的发展空间和良好的外部环境。孙立军认为巨大的互联网市场意味着平民动漫时代的到来,Tango也在期待中国互联网更大程度的开放所带来的积极效应。此外,从大格局来看,国家版权制度的日益完善和市场的逐步成熟带来的将是理论与学术系统的建立、社会对动漫产业的重视。本杰明《中国女孩》中国动漫与日本动漫的错位“二战”之后,日本动漫因向中国学习而逐渐发展起来。20世纪40-50年代,手冢治虫的动画受到万氏兄弟《铁扇公主》的影响,他创造了日本最经典的动漫形象诸如铁臂阿童木,带来了日本动漫产业的巨大发展。手冢治虫发展很快,在50年代之后,他的《阿童木》、《森林大帝》等作品结合商业开创了日本系列动画的先河。60年代电视兴起,日本电视商业动画迅速发展。70-80年代,日本动漫普遍传播,动漫艺术家新人辈出,而此时,中国仍然处于计划经济时代,动漫艺术家延续着之前的命题、使用旧有的习惯进行封闭创作。90年代,电影进入市场,动画也在没有任何准备的情况下,以计划经济的产物形态进入市场经济的生存模式,这时候,日本动漫水平已经明显超过我们。但在常光希看来,2000年之后,政府给予动漫产业的支持让中国动漫有所恢复,达到与日本动漫相当的水平也已是为期不远。万籁鸣与手冢治虫合作画金城认为,日本动漫产业的兴盛,最关键的因素是动画和漫画的链条发展。《海贼王》、《火影隐者》、《七龙珠》、《铁臂阿童木》这些作品,无一不是先把漫画投放市场,等待漫画成功之后再通过漫画进一步开发成动画、电视动画、电影动画,最后进行其他的延伸开发。到目前,日本不少于80%比重的动画由漫画改编,甚至在日本有大量偶像剧、真人剧也是由漫画改编。尽管中国也引入了“动漫”的概念,但是在动画和漫画的结合道路上还尚在起步阶段。《龙珠Z——独自一人的最终决战2》从社会环境来讲,由于日本经济压力较大、工作节奏和生活节奏较快,人们大量地消费动漫产品减轻压力,形成广泛的地铁动漫文化。此外,日本动画成本极低。然而在压低成本的同时,日本动漫艺术家仍然在故事情节叙述上保持了多元、丰富并且精致的状态。当然,日本完善的知识产权保护、成熟的市场也是保证日本动漫产业良性发展的重要原因。宫崎骏《千与千寻》中日动漫的发展,从上世纪40年代日本向中国的学习到90年代以来中国感受到的明显落后,似乎形成了某种错位。对于这种错位,金城认为一方面是市场经济向集体化经济的不顺畅过渡导致的;另一方面,动画生产行业把动画影视当作短期投资行为,忽视了动漫作为一种艺术形式的创作过程和创作价值,“中国学派”在短时期内辉煌难续。孙立军从宏观的立场分析这种错位,我们已经习惯了主动消费但还并未形成理性消费,“美”与“好”的标准是在大众还是指向个体?此外,对知识产权和原创作品的漠视也击退了不少年轻动漫艺术家。但是,中国动漫尚且在回归,中国动漫的个体审美与社会制度又怎会倒退?

近日,电影《汽车人总动员》和《西游记之大圣归来》两部国产动画片引起热议,香港著名漫画人温绍伦评论《捉妖记》也是一次不错的动画尝试。适逢此时,筹备了两年之久的“世界动漫的中国学派——中外动漫艺术大展”也于2015年7月24日开幕,并在开幕当天下午举行了与展览同一主题的学术研讨会,围绕中国动漫中的民族化风格,为在艺术理论中难觅踪迹的中国动漫追本溯源。雅昌艺术网带着对中国动漫发展现状的困惑以及未来发展方向的疑问,参加了本次研讨会,并走访了在梳理中国动漫历史中有着重要意义的北京电影学院副院长孙立军、上海美术电影制片厂原厂长常光希、“世界动漫的中国学派——中外动漫艺术大展”策展人金城、著名当代漫画家Tango等人进行相关采访。万籁鸣《猴子捞月》“30年前,我们就应该探讨中国学派”金城与“动漫”渊源颇深。在他创办“中国动漫金龙奖”之前,并没有人把动画和漫画结合起来,在“金龙奖”的活动宣传中,他频频在对主流媒体的采访中使用“动漫”一词,而后产生蝴蝶效应,直至2006年国务院转发扶持动漫发展的意见,把“动漫”概念提升到空前的高度。而在“中外动漫艺术大展”中,金城又提出了“世界动漫的中国学派”,从中国动漫发展史和60-80年代中国动漫的辉煌历程对“中国学派”的概念进行阐释。20世纪50年代,“中国学派”的概念从文学领域被引入动画艺术,其产生的直接影响是上海美术电影制片厂涌现了《骄傲的将军》、《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》、《大闹天宫》等一大批具有划时代意义的经典动画片,以鲜明的民族风格在世界动漫史中留下精彩的篇章。20世纪80年代以后,这类动画逐渐消失,市场也在20世纪90年代兴起效仿西方动漫形式的动漫电影,具有中国本土风格的动漫难觅踪迹。事实上,“中国学派”动漫艺术的本质,即是中国动画的民族化进程。《山水情》中山大学传播与设计学院教授冯原对此更是明确提出,“中国学派”的动漫创造了在世界不同文化中可以被清晰辨认的民族表征。广州美术学院教授李公明从中国艺术史研究的角度出发,把动漫艺术尤其是漫画,视作一种特殊的媒介,反映民族屈辱和希望,正如《三毛流浪记》中所体现的特殊时代的苦难。孙立军很惋惜,现在提“中国学派”已经为时已晚。在他看来,30年前我们就应该开始对“中国学派”的探讨,并进行系统的研究。如今重提“中国学派”,更重要的意义在于强调它的非程式化。曾经,“中国学派”动漫承袭国画的“此处无声胜有声”,在西方的迪士尼动画以及日本动漫中独树一帜。但是,它的非程式化特质也为我们提供了一种导向——并非只有这一种模式能够成为“中国学派”的发展方向,与中国历史、中国文化、中国精神内涵为伴的“中国学派”动漫也同样可以走得很远。《牧笛》 1963年作为弱势文化的中国动漫从1922 年到1941 年,万氏兄弟万古蟾、万籁鸣、万超尘、万涤寰从模仿美苏到自谋出路,开启了中国动画创作的开端,并创作出《铁扇公主》等优秀动画长片。1946年,新中国政权下的第一部动画片《瓮中捉鳖》诞生于长春电影制片厂。1950年,长影美术片组的特伟带领该组迁至上海,并于1957年建成上海美术电影制片厂。在美术片组南迁的选址中,特伟没有选址北京或其他城市,而是选择了上海。在他看来,上海电影业在民国时期就已经比较发达;他的外国电影了解始于上海,上海对外来文化具有非常宽容、开放的心态;此外,张仃、叶浅予、廖冰兄等不少知名漫画家聚集于上海,从此开始民族动画的30年探索。在常光希看来,上海美术电影制片厂的缘起是了解中国动漫发展史的重要起点,其中涉及的地域文化的特殊背景,对中国动漫后来的发展脉络有着极为重要的启示。中国动漫向古典文学、戏剧、民间艺术的借鉴,被看作是“中国画派”形成的重要因素,也是中国动漫体现出的重要特点。在孙立军看来,中国动漫向古典文学、戏剧、民间艺术的借鉴经历了三个阶段:万氏兄弟的《铁扇公主》仍还处在对国外动画的模仿阶段;而到了五、六十年代,中国动漫开始了自己的文化建构并在这个阶段达到了顶峰;80年代末期,由于市场、工艺、技术、人才、社会对动画的重视度等各方面原因,“中国学派”衰落。在80年代“中国学派”盛世末期,与孙立军同年毕业的全国动画专业毕业生仅有十多个。而在每年有数以万计的动画专业毕业生的今天,动画仍然被视作小孩看的影视作品,孙立军戏称中国动漫为弱势文化。《老夫子-油漆》90年代中国动画开始了产业化之路,金城也顺势而为参与其中。2006年国家开始对动漫产业进行有力度的扶持,至今又已是十年。在金城看来,经过十年建设的中国动漫产业仍然是矛盾重重:我们着意去建立产业链、打造商业环境,却忽略了动漫作品本身的打造;我们在动画制作中投巨资开发三维动画,追逐画面漂亮、视觉张力,但是却讲不好一个完整的故事、创作部出一个打动人心的角色。创作者Tango也认为,与国外的动漫相比,中国动漫艺术家用作品讲故事的能力仍然还很欠缺,内容创新并不大,脱离日本漫画的痕迹也尚待时间的历练。在孙立军看来,动漫产业的发展仍然羸弱,政府在动漫市场制度上的完善和扶植在相当长时期内仍然是必须的。相对于中国动漫市场的短板,中国动漫当前所面临的机遇也引人注目。中国已是世界第二大电影市场,旺盛的市场需求给予了动漫产业巨大的发展空间和良好的外部环境。孙立军认为巨大的互联网市场意味着平民动漫时代的到来,Tango也在期待中国互联网更大程度的开放所带来的积极效应。此外,从大格局来看,国家版权制度的日益完善和市场的逐步成熟带来的将是理论与学术系统的建立、社会对动漫产业的重视。本杰明《中国女孩》中国动漫与日本动漫的错位“二战”之后,日本动漫因向中国学习而逐渐发展起来。20世纪40-50年代,手冢治虫的动画受到万氏兄弟《铁扇公主》的影响,他创造了日本最经典的动漫形象诸如铁臂阿童木,带来了日本动漫产业的巨大发展。手冢治虫发展很快,在50年代之后,他的《阿童木》、《森林大帝》等作品结合商业开创了日本系列动画的先河。60年代电视兴起,日本电视商业动画迅速发展。70-80年代,日本动漫普遍传播,动漫艺术家新人辈出,而此时,中国仍然处于计划经济时代,动漫艺术家延续着之前的命题、使用旧有的习惯进行封闭创作。90年代,电影进入市场,动画也在没有任何准备的情况下,以计划经济的产物形态进入市场经济的生存模式,这时候,日本动漫水平已经明显超过我们。但在常光希看来,2000年之后,政府给予动漫产业的支持让中国动漫有所恢复,达到与日本动漫相当的水平也已是为期不远。万籁鸣与手冢治虫合作画金城认为,日本动漫产业的兴盛,最关键的因素是动画和漫画的链条发展。《海贼王》、《火影隐者》、《七龙珠》、《铁臂阿童木》这些作品,无一不是先把漫画投放市场,等待漫画成功之后再通过漫画进一步开发成动画、电视动画、电影动画,最后进行其他的延伸开发。到目前,日本不少于80%比重的动画由漫画改编,甚至在日本有大量偶像剧、真人剧也是由漫画改编。尽管中国也引入了“动漫”的概念,但是在动画和漫画的结合道路上还尚在起步阶段。《龙珠Z——独自一人的最终决战2》从社会环境来讲,由于日本经济压力较大、工作节奏和生活节奏较快,人们大量地消费动漫产品减轻压力,形成广泛的地铁动漫文化。此外,日本动画成本极低。然而在压低成本的同时,日本动漫艺术家仍然在故事情节叙述上保持了多元、丰富并且精致的状态。当然,日本完善的知识产权保护、成熟的市场也是保证日本动漫产业良性发展的重要原因。宫崎骏《千与千寻》中日动漫的发展,从上世纪40年代日本向中国的学习到90年代以来中国感受到的明显落后,似乎形成了某种错位。对于这种错位,金城认为一方面是市场经济向集体化经济的不顺畅过渡导致的;另一方面,动画生产行业把动画影视当作短期投资行为,忽视了动漫作为一种艺术形式的创作过程和创作价值,“中国学派”在短时期内辉煌难续。孙立军从宏观的立场分析这种错位,我们已经习惯了主动消费但还并未形成理性消费,“美”与“好”的标准是在大众还是指向个体?此外,对知识产权和原创作品的漠视也击退了不少年轻动漫艺术家。但是,中国动漫尚且在回归,中国动漫的个体审美与社会制度又怎会倒退?

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